10 PELÍCULAS QUE NO DAN MIEDO

 No importa el orden, lo que interesa es que son diez películas que resultaron toda una estafa (una película de terror debe dar miedo sí o sí) y fueron todo un fracaso. Tenemos desde remakes, secuelas, adaptaciones literarias o cintas de género. Aquí los dejamos con estas 10 cintas no recomendables, si es que quieres cagarte de miedo.

 TIBURÓN 4

Ya la saga estaba muy desgastada, pero igual querían seguir lucrando con la genialidad que hizo Spielberg en los 70s. La cuarta entrega de "Tiburón" resultó ser un fiasco total, ya que los efectos visuales fueron muy pobres (en un momento se nota que el escualo es un robot) y agregaron cosas que no tienen ningún tipo de sentido, como el del tiburón gritando (cuando no emiten ningún tipo de voz).

La venganza resultó ser un triste final para una saga que empezó muy bien y que fue desgastándose poco a poco, hasta llegar a esta cinta que dio sueño más que otra cosa.

MASACRE EN TEXAS

El remake del clásico de los 70s es una de esas películas juveniles que intentan ser de terror, pero más parecen comedia. No hubo explicación coherente para que reversionaran, porque no brindó nada nuevo (quizá nuevas formas de morir). La historia en sí no se distancia mucho de la original, notándose las diferencias en las actuaciones y en el casi nulo factor sorpresa que brinda la cinta durante el epílogo. No da miedo pero tiene ese cintillo de morbo que te da todo ese conjunto de películas sangrientas que han aparecido en los últimos años.

Solo es para ver de color rojo a la pantalla. Nada más.

DESTINO FINAL 4

Tenía la característica del 3D y es lo único que puede decirse que tuvo a su favor, porque ya el mismo floro de siempre aburre. No da miedo (pese a que siempre la anuncian como la más terrorífica de la saga) y ya las historias suelen ser muy pero muy obvias. Uno ya sabe quienes mueren, como se maneja el suspenso y los trailers te cuentan como serán las muertes, entonces, solo vas al cine a ver muertes y reírte un poco, porque son tan absurdas que dan risa. Tema aparte es el mal trabajado efecto 3D que se le da a la película, ya que no sirve de mucho y solo llena los bolsillos de la productora.

GIALLO

Debe ser la menos conocida de esta lista, ya que el director de la cinta es un viejo conocido en el mundo del terror: Dario Argento, el creador del cine giallo.

Este director italiano tuvo el climax de su carrera en los 70s y 80s. Poco a poco su cine ha decaído y ya no produce miedo, tan solo bostezos, porque pareciera que estamos viendo un drama italiano. En "Giallo" intenta unificar las cualidades que engrandecieron su cine, pero no llega a cuajar bien, convirtiéndose más en una cinta policial que en una del género que tantos elogios en el mundo cosechó. Lo único que dejó la película, fue el romance entre Elsa Pataky y Adrian Brody en la vida real.

ACTIVIDAD PARANORMAL 4

Si te asustó esta cuarta entrega, es porque en realidad te asusta cualquier cosa o tienes serios problemas psicológicos. La saga que creo Orin Peli (no hizo nada interesante luego de eso) ya está hartando, porque se usa el mismo formato y el miedo poco a poco va desapareciendo de las salas. Es la cinta más floja de toda la saga, pese a que en taquilla le ha ido bien, y no dio miedo para nada.

Quizá el factor sorpresa ya no es el mismo, porque luego de cuatro veces, ver las mismas cosas, los mismos planos, las mismas tomas que intentan dar miedo, ya cansa y aburre. Quizá deberían reformular mejor la saga.

REC 2

La primera película fue todo un suceso y una grata sorpresa. Un nuevo formato de terror había nacido y se esperaba mucho de la segunda entrega. Lo que vimos fue toda una decepción, pese a que los primeros 25 minutos caminaron bien. De la mitad para adelante pareciera que le entregaron el guión a un principiante y malogró todo lo bien que iba la historia. El final ya fue demasiado chistoso y absurdo, dejando abierta la posibilidad de una continuación, que verá la luz el 2013, con el ya anunciado "épico final".

De todas formas, "Rec 2" me dejó un mal recuerdo y dudas sobre si el éxito de la primera fue tan solo pasajero.

EL EXORCISMO DE EMILY ROSE

Aburrimiento total. No es una cinta de terror, es drama puro con escenas que intentan dar miedo en medio de la somnolencia. Basada en una historia que dicen que es real, la película no maneja bien el ritmo y ya en los primeros 20 minutos te invita a bostezar (uno cuando va al cine a ver terror, quiere mantenerse alerta a cada instante). 

De nada sirvió meter escenas de una chica prácticamente poseída, porque muy rápidamente se pierde el contacto con la historia, dominando el drama y el poco suspenso que se le da a la misma. 

Ni el cartel da miedo.

LA NOVIA DE CHUCKY

Otra muestra de lo mucho que se puede gastar una saga. Ya lo de Chucky es el colmo, porque es increíble que una película que comenzó prometiendo miedo (en la primera) terminé siendo casi cómica, porque ya lo de la novia era lo absurdo de lo absurdo. Ya vergonzoso era ver a un muñeco asesinando a personas.

De todas formas, "Chucky" es un clásico del terror de los 80s, solo que sus secuelas dejan mucho para el recuerdo y casi nada de miedo. En esta entrega que se llamó "La novia de Chucky", lo que impera es la risa, ya que las muertes casi quedan en un segundo plano. La escena sexual entre los muñecos es lo más épico.

INSIDIOUS

Esta es una muestra de como un buen proyecto puede ser desperdiciado. Fue increíble la campaña que le hicieron a esta película, porque la encumbraban como la mejor cinta de terror del año y que superaría a todas. Y tenían razón, porque los primeros 35 minutos eran buenos y me dio que pensar que estaba ante una buena cinta de terror. Los minutos pasaron y todo fue una completa cagada....

Desde cazafantasmas ridículos hasta poder sacar el alma del cuerpo, y muchas cosas más que hicieron poco creíble el terror que supuestamente prometía la cinta.

Quedó la sensación de que la viejita estaba en drogas muy serias.

SAN VALENTÍN SANGRIENTO

Y para cerrar, un tipo de películas que siempre hay en nuestra cartelera. Ya no saben que inventar para prometer terror, llevar incautos al cine y mostrar sangre, malas actuaciones y finales obvios. Los objetivos de estas películas no son los de meter miedo, sino el de recaudar billete de la manera más fácil.

El argumento no interesa, las actuaciones menos. Solo que los protagonistas sean jóvenes y apuestos, que haya sangre, que el rival sea invencible (así sea una hormiga), que surja el romance inesperado entre personas que ni se conocen, que los asesinatos sean alucinantes y que el malo reviva luego de morir. Es lo único que interesa. 

Que si da miedo? Que miedo va a dar....lo único terrorífico es lo que tienes que pagar por ver una película de este tipo en 3D.

Es cierto, me faltó películas como Saw, Diarios de Chernobyl, El Espantapájaros, Babyshower, etc etc, perome faltaría mucho espacio. Son pocas las cintas que se autodenominan de "terror" que dan miedo. Así que para que no te dejes estafar por la publicidad, ya sabes como identificarlas.

NINETTE (2005)

Dirigida por José Luis Garci.

Pese a discusiones sobre sus cirugías o algún u otro arreglo que se haya hecho, nadie puede dudar que Elsa Pataky es muy provocativa. Quizá fue en esta película en donde se pudo explotar todo el físico y sensualidad que irradia de solo mirarla en la pantalla grande. Y es que la cinta no tiene otra cualidad que esa: Elsa Pataky.

Es de esas películas en donde no importa el guión, las actuaciones, los giros argumentales o la mano del director. Lo que más importa es ver a Elsa Pataky en todo su explendor y punto.

La bella Ninette en su dormitorio.

Pero intentaré ser algo analítico y no fijarme en las carnes. La chica como actriz no es buena. Tiene buenas tetas, un buen cuerpo y una carita destacable como para poder brillar en la pantalla grande (los años pasan y no sé que será de su carrera...), entonces la cinta se vale de eso como para mantener la expectativa. 

Pues bien, Ninette Sánchez es una bella chica parisina que trabaja en unas galerías. Un día, llega a su casa Andrés, un español quien decidió vivir en París en la casa de los Sánchez, ya que los conoce por ser españoles igual que él. Cuando Andrés conoce a Ninette, todo en él cambiará debido a que no podrá resistirse ante la belleza que irradia esta joven francesa, quien tiene embobado a medio mundo por su manera de ser.

Andrés no se resistirá a los encantos de la bella Ninette.

Así es como pinta la película. La verdad que no hay gran cosa en ella, tan solo el morbo de ver los atributos físicos de la Pataky y quizá ganarnos con alguna actuación, que a la larga...brilla por su ausencia.

El gancho de la película es el físico de la bella actriz española. De ahí el resto es trivial y no se puede apreciar mucho como para poder decir que la historia tiene mayor peso que el hecho de ver a una actriz desnuda.

Este fue el rol que hizo que la Pataky despegara y se convirtiera en una bomba sexy, tanto así que su carrera ha llegado hasta Hollywood, aunque sin destacar mucho (no es buena actriz que digamos).

"Ninette" es de aquellas cintas en donde lo que más uno recuerda, es la sensualidad y erotismo que despliega una bomba sexy. De ahí, no se puede recordar mucho más....

Puntaje: 4.5 puntos.

A SINGLE MAN (2009)

Dirigida por Tom Ford

Una película en donde Colin Firth se luce de gran manera. También es el debut en dirección de Tom Ford, quien anteriormente (y aún) se desempeñaba como modisto de Gucci. Adaptó la obra literaria que lleva el mismo nombre y que ha servido de referencia para varias personas vinculadas con el movimiento de liberación gay, ya que justamente la historia cuenta algo sobre eso.

George ya no quiere saber nada de vivir.

La historia le venía bien a Colin Firth como para que muestre la clase de actor que es. Y es que la historia nos cuenta la vida de George, un profesor universitario quien ha perdido recientemente al amor de su vida. La vida le parece una tortura y no soporta más la rutina diaria, decidiendo una mañana al despertar, que al finalizar el día se metería un balazo y terminaría de una vez con tanta tortura.
El profesor inglés es homosexual y siente que la pérdida de Jim (su pareja) ha sido el punto final para su existencia. No entiende de la posibilidad de un mañana, ya que todo el futuro lo ve gris y no se ve en él.

George y Charlotte buscando salidas.

Aparte de mostrarnos esta tragedia personal de George, también vemos la de Charlotte, una gran amiga del profesor quien al igual que él, no sabe que será de ella en el futuro cercano. Ambos tienen dudas que los absorben al punto de controlarlos, deprimirlos y hacerlos decidir por la opción más fácil: morir.
La actuación de Colin Firth es para destacar, porque por donde se le mire, irradia pesimismo. Evoca a aquellas ocasiones en que uno se siente perdido, se siente como estorbo en el mundo. Algo así lo vemos. Harto de la vida. Odiando el día a día y con una sola idea en la mente. Las circunstancias harán que lo piense dos veces y que quizá reaccione, pero para él no existe una salida que le brinde la posibilidad de siquiera sonreír en el mañana.

Muy buena cinta que analiza mucho este tipo de personalidades y esos conflictos que uno a veces debe pasar. 

Puntaje: 7 puntos

ON THE ROAD (2012)

Dirigida por Walter Salles.

Una de las películas que tanto esperé ver, por fin llegó a mis manos. Soy admirador y muy seguidor de Jack Kerouac, uno de los precursores de la "Generación Beat" quienes han inspirado a tantos artistas de nuestros tiempos por su forma de vivir y ver las cosas. Y es que la película está basado en el libro "On the road" escrito por Keouac, uno de las más célebres y populares novelas escritas en el siglo pasado (a cuánta gente influenció).

Pero bien, tenía que ser una película digna de tales precedentes, y lamentablemente no lo fue así porque no se siente mucho aquel aire desenfadado y bohemio que hay en la novela, perdiéndose por ratos en una atmósfera de drama que no debió extenderse demasiado.

Sal y Dean, la pareja que descubrió la vida en la
carretera.

La historia es relatada por Sal Paradise, un joven escritor quien acaba de perder a su padre y conoce a Dean Moriarty y a su alocada esposa Mary Lou, con quienes comenzará una aventura impresionante en donde drogas, alcohol, sexo, cultura y viajes los envolverá en una vida alocada y demasiado bohemia.

Sal y Dean se vuelven buenos amigos, viajando por todo Norteamerica para encontrarse con ellos mismos. Este tipo de aventuras derivan en el concepto de "hipster" que hoy en día conocemos, siendo ellos los primeros en ser denominados de esa forma. Y es que la manera en como se divertían era algo extraña y demasiado alocada (estamos hablando de los años 40s), en donde el rock an roll aún no había aparecido, las drogas no eran tan populares y la sociedad seguía siendo algo conservadora.

Los años mozos de la Generación Beat.

Lo de Kristen Stewart como Mary Lou es difícil de digerir, ya que la encontramos en un papel totalmente desenfadado. En su primera aparición nomás y ya aparece desnuda totalmente. Con esto da a entender que la veremos personificar a una chica demasiado liberal, cosa que no lo hizo tan mal. Lo malo es que no aparece mucho tiempo, con lo cual no puedo opinar más sobre su papel.

La historia no me convenció del todo, pero tampoco me decepcionó porque pude ver un pedazo de la historia que rara vez se ve en el cine: la bohemia en los 40s.

Jack Kerouac escribió este libro basado en su historia personal, siendo Sal Paradise su alter ego, y el personaje de Dean Moriarty es el pseudónimo de Neal Cassady, uno de los grandes estandartes de la cultura beat y el primer hipster de la historia.

Recomendable que la vean para descubrir como es que nació toda una cultura que influenció luego a los hippies, a varios íconos del rock, al movimiento grunge, a los punks y a tantos otros movimientos. La Generación Beat marcó historia, pese a que muchos no sepan de ella, pero todo su legado está ahí, en donde ves mucha bohemia.

TO ROME WITH LOVE (2012)

Dirigida por Woody Allen.

A nadie le quepa duda que Woody Allen es un genio, no? Y no es porque cada película que escribe y dirige sea una obra de arte, sino porque tiene aún vigente ese don de escribir historias decentes, buenos guiones (que diálogos excelentes hace) y muy buena dirección de actores. Quizá las historias sean casi repetitivas, pero sabe aprovechar demasiado bien el talento de su elenco, así como crearnos atmósferas que sí logran diferenciar a sus películas entre si. Y no estamos hablando de un hombre adulto, sino ya de un veterano director de 75 años que sigue con la lucidez intacta.

Woody Allen regresa a la actuación después
de un buen tiempo.

Esta vez le agradezco a Woody verlo actuar nuevamente, porque sus personajes son un cague de risa. Son él mismo. Se personifica tal y como es, impregnándole al personaje aquellos temores y fobias que tiene en la vida real.

Esta vez Roma es la ciudad elegida, en donde el director neoyorquino nos contará cuatro historias cruzadas protagonizadas por personas italianas y norteamericanas. Esta vez el romanticismo no se apodera de la historia, sino mas bien los hechos curiosos y hasta graciosos que ocurren en estas cuatro historias. 

Desde una señor (Roberto Benigni) que cree que su vida es aburrida hasta que de un día se vuelve famoso y experimenta el terrible día a día de una persona con fama, hasta un joven arquitecto que se enamora de la mejor amiga de su 

Penélope Cruz hace de prostituta.

flaca, viviendo un sentimiento pasajero. Todas estas historias tienen mucho de irreal, de gracioso, de satírico. Pareciera que la ciudad romana alberga historias de ese tipo, que parecieran sacadas de un sueño, por la forma tan surreal en el que suceden.

Aquella pareja de padres norteamericanos que llegan a Roma para conocer al novio de su hija, terminando el papá convenciendo a su consuegro de que sea un cantante de ópera, o un joven matrimonio que llega a Roma con la esperanza de progresar, y el primer día se distancian (ella se pierde), viviendo experiencias distintas a la vida que llevaban como pareja.

Lo bueno de "A Roma con amor" es que no repite el mismo verso de "Medianoche en París", en donde presenciamos un romance bastante particular. Esta vez Woody nos cuenta cuatro historias que ocurren en Roma. Historias muy peculiares que al verlas uno piensa que son muy difíciles de ocurrir, pero queda la sensación de que Allen nos quiere decir que a veces en la realidad suceden cosas que son increíbles de pensar que puedan suceder.

El humor, los diálogos, la atmósfera y el despliegue actoral son acertados, dejando en claro que el talento del director neoyorquino sigue intacto y espero que siga así, por el bien del cine.

Puntaje: 7.5 puntos.

LOL (2012)

Dirigida por Lisa Azuelos.

Últimamente cuando se dice "remake", ya se entiende como una manera de estropear o degradar una versión original. Salvo honrosas excepciones, hay remakes que simplemente han sido un desastre, no entendiéndose el por qué de su realización (a menos que la versión original sea mala o necesite alguna mejore, cosa que por lo general no sucede). Pues bien, "Lol" se basa en la película francesa del mismo nombre (escribí algo sobre ella en este blog), siendo un remake muy desafortunado, a pesar que la misma directora repite el plato, intentando trasladar la historia francesa a una realidad más americana.

Madre e hija

Esta cinta americana es un completo calco de la francesa, hasta en la música (es increíble que haya usado los mismos temas de "Keane"!!), diferenciándose en la formas vida de sociedades tan distintas. Es más, hasta creería que la versión americana intenta copiar hasta en eso a la francesa. 

Me siento raro como para contarles de que trata ésta película, si ya hice lo mismo cuando me tocó hablar de la francesa (mayor info en este link bit.ly/TgfGbg)

Las protagonistas de este remake son Demi Moore y Miley Cyrus, quienes a diferencia de la versión francesa, interpretan a una madre y una hija algo distantes, pese a que intentan demostrar que se quieren y todo eso, pero eso no se siente de la historia. No emana esa vibra que sí se puede sentir en la cinta francesa. Lamentablemente ésto es algo que debo hacer, comparar esta versión con la original.

Elenco juvenil de Lol junto a Demi Moore.

Lo malo del remake americano es que es tan idéntico en todo, que no se siente que haya algo que se pueda decir: "Vaya, lo han mejorado". Todo lo contrario. Algunas actuaciones no ayudan mucho a la cinta, así como aquel típico aire americano que siempre emanan estas películas. Miley Cyrus por momento actúa bien, por otros se siente muy fingido su personaje, llegando a la conclusión de que quizá le faltó mayor tino a la directora para saber manejar el talento de la joven actriz. De ahí en más, quizá sea una película entretenida pero no deja nada para el recuerdo.

Si has visto la versión francesa, es una pérdida de tiempo esta versión americana, porque es una copia sin roche de la original. Quizá lo único que no copia la directora, es la voz en off de inicio de la francesa, cuando nos advertían que estaríamos ante una cinta que podría considerarse como aquellas típicas pelas juveniles americanas, solo que la gran diferencia es que ésta es francesa. Ahora que podía decir?

Puntaje: 2 puntos.

ARGO (2012)

Dirigida por Ben Affleck.

No cabe duda que es mejor como director que como actor (también escribiendo guiones).  Y es que el trabajo de Ben Affleck detrás de cámaras ha ido de menos a más, notándose claramente una mejora en cada film que dirige. Si ya con "The Town" mostraba cierta destreza en la dirección, ahora logra cuajar una muy buena historia y se da el lujo de actuar bien, como para redondear la faena.

Actor y director a la vez.

La embajada norteamericana ha sido tomada por un grupo de iraníes, así que la CIA organiza un grupo de recuperación, mas que nada para rescatar a diplomáticos estadounidenses que se encuentran prisioneros. Contratan a un hombre experto en el arte del disfraz (B. Affleck) para que sea el lider del grupo rescate. La idea es recrear una película, Argo, y que en base a ese engaño, los prisioneros sean rescatados sin sufrir ningún tipo de daño.

La acción y el drama van tomados de la mano todo el tiempo, garantizando un buen ritmo durante toda la película. Lo que hace Affleck detrás de cámaras es digno de elogiarse, ya que sabe como transmitir tensión y que sea entendible (y llegue a todos) en lo narrativo.

Un gran elenco para "Argo".

El elenco también ayuda mucho al desarrollo de la trama, ya que no se puede negar el gran talento y experiencia que tienen John Goodman y Alan Arkin, actores con gran recorrido y que brindan lo mejor de sí para que la historia tenga mayor éxito. Y es que "Argo" puede ser uno de los mejores estrenos del año, aunque recién comienzan ha aparecer las películas llamadas a pelear todos los premios de fin de año.

Una película con buen ritmo, buenas actuaciones, una genial dirección y adrenalina en los momentos justos. Eso es "Argo", el nuevo film de Ben Affleck nos muestra que es un director a tener en cuenta, y que definitivamente ya se consagró como tal. Ganará algún premio? Vamos a ver como le va en los Premios que se avecinan.

Puntaje: 7.5 puntos.

CARNAGE (2011)

Dirigida por Roman Polanski.

Es ya normal que películas de grandes directores, llegan con cierta tardanza a nuestra cartelera, en donde se le da más prioridad a películas que rompen taquilla y no dejan nada para el recuerdo (salvo honrosas excepciones). Felizmente existe la piratería, que a muchos nos salva de esperar tanto a una cinta. Eso pasa con lo último hecho por Polanski, que se estrena en Lima a fines de este mes después de un año (y algo más) de su estreno mundial. Lo peor no viene por esa rama, sino que le han puesto un título algo ridículo y un cartel feo, que parece de una comedia romántica de Hollywood. De todas formas, eso concierne a lo externo, ya que la película en si dejó un buen recuerdo en mi mente.

Cuatro personas enfrentadas

Lo importante de la película es ver como los cuatro actores protagonistas se desenvuelven, ya que toda la historia transcurre en un solo lugar: la sala de los Longstreet.

Dos parejas de esposos se reúnen en el departamento de la familia Longstreet, para charlar acerca de una riña entre sus hijos, que terminó en una gresca en el parque. Cuando todo parecía ir bien, poco a poco el control de la situación se escapará de sus manos y comenzará una discusión entre ambas parejas que ninguno de ellos podrá controlar, llegando al punto de que cada uno de los personajes, se distanciará del resto.

Lo que empezó como una amena conversación.

Pareciera que estamos ante una obra de teatro en el cine, y es que es así, porque "Carnage" fue una obra de teatro que Polanski adaptó para ser mostrada en pantalla grande y se valió de la gran labor actoral de cuatro actores que interpretan de gran manera los roles que interpretaban. 

Cada uno de ellos va mostrando los defectos de sus personajes conforme transcurre la historia y vemos como se van saliendo de sus casillas al no poder controlar sus impulsos y simular un poco más que todo está bien. Lo que empieza como una conciliación entre padres de hijos que han peleado, termina siendo algo peor que lo que sus hijos hicieron. Y es que los mayores tienen errores que son captados por sus hijos y por lo general, son de mucho mayor calibre.

Es una película de buen ritmo, donde se aprecia el talento de los cuatro actores protagonistas y en donde se entremezcla humor negro y cierta cuota de drama. 

Puntaje: 7 puntos.

SLEEPING WITH THE ENEMY (1991)

Dirigida por Joseph Ruben.

Es una de esas típicas películas que sabes muy bien como va a terminar, pero que te da curiosidad como se va a ir desenvolviendo a lo largo de la historia. Y es que hay cosas que uno se pone a analizar, de tal forma que al final queda la sensación que la historia es medio tonta o bueno....tiene escenas que parecen una tomadura de pelo. 

Julia Roberts aún estaba tiernita y tenía aún la recordación de "Mujer bonita" (aún lejos estaba de merecer algún tipo de Óscar), así que había que aprovechar esa fama de la joven actriz y explotarla al máximo. Este thriller sirvió para eso y utiliza un viejo modelo de suspenso, cierta dosis de erotismo (muy pobre) y algo de drama, como para que todo se entienda.

Él que parecía un hombre normal.

Pese a que la historia es de inicios de los 90s, valgan verdades que hasta ahora uno puede observar este tipo de cosas en la vida real. Una mujer que es tratada violentamente por un marido que está loco (no me queda a elegir otro tipo de adjetivo), se hace pasar por muerta luego de fingir que se ahogó en el mar (desapareció en el océano). Inicia una nueva vida lejos de aquel lugar, en donde se sentirá más en paz y con la seguridad de que ahora sí será libre. Todo iba bien, hasta que su marido descubre su nuevo paradero y decide ir en su búsqueda.

Digamos que la historia es pasable, pero hay ciertos puntos que me dejan pensando: "será posible tanta coincidencia?". Si no la viste, será mejor que no leas lo que viene a continuación.

Laura vivirá con el temor de que su marido la encuentre.

El anillo de compromiso que Laura bota en el inodoro del baño de su casa, aparece días después y es encontrado por el marido, siendo la prueba final para que él se de cuenta que su esposa sigue viva. Tardó tanto tiempo en darse cuenta que había un anillo en su excusado? Osea, si es el baño de la casa, dónde orinaba el tipo? Porque el anillo estaba ahí flotando.... que coincidencia tan pendeja, no?

Es increíble que el tipo la haya encontrado, basándose en tan pocas pruebas..... como que ya muy Sherlock Holmes, pero en fin, la trama tenía que virar en ese sentido, sino no habría mayor sorpresa.

Como dije al principio, es una película que no ofrece mayores sorpresas, no hay mayor suspenso (fácil que en esos tiempos sí) y las actuaciones no son tan grandiosas. Muy exagerado el papel de Patrick Bergin como el esposo, ya que me parece que su caso es muy enfermizo para aparentar ser una persona normal.

De todas formas, si estás con un tipo rudo.....denúncialo. No pretendas huir y que la paranoia te acompañe durante toda la vida.

Puntaje: 5 puntos.

LES INVASIONS BARBARES (2003)

Dirigida por Denys Arcand.

En mi afán por ver películas que hayan tenido algo de relevancia en cada año, me topé con esta cinta canadiense, que tenía el palmarés de haber ganado en Cannes y el Óscar a Mejor película extranjera, entonces algo de bueno tenía que tener, aparte que llevaba consigo esa pizca de cine francés que tanto me agrada. 

El tema que toca es de por sí muy utilizado. Lo que cambia y la hace muy diferente, es la manera como lo enfoca. Sin mucha tragedia de por medio, sin mucha imagen desgarradora o escenas que inviten a la lágrima a salir, nada de eso. El director conserva un poco de la realidad para mostrarnos la historia de Remy en el epílogo de su vida, un hombre algo cascarabia, que en su juventud era socialista, mujeriego y muy bohemio.

Todos mirando el video de la hija de Remy.

Sebastien, hijo de Remy, vive en Londres, en donde tiene un buen trabajo y está alejado de su familia debido a problemas con su padre. Él regresa para estar al lado de Remy, quien sufre de cáncer terminal y está en sus últimos días. Sebastien pese a todo, decide mudarse por un tiempo a Quebec (Canadá) y permanecer al lado de su familia, en donde hará de todo para que a su padre no le falte nada, incluso reuniendo a los viejos amigos de éste y solventando todos los gastos que requiera su tratamiento.

Una película que nos muestra que pese a todo tipo de error de los padres, los hijos no tenemos derecho a juzgarlos después de tantas cosas que nos dieron. Es el error en que caemos a veces y no nos damos cuenta lo mucho que hicieron pro nosotros y que quizá no nos dimos cuenta. Lo de Sebastien es un ejemplo notorio, ya que se da cuenta que las peleas y enemistades deben dejarse a un lado y ver la realidad: Remy es su padre.

En una discusión entre amigos.

Los últimos días de Remy y sus amigos de la juventud son en una casa frente a un lago, en donde las discusiones sobre sexo, política, ideales, anécdotas juveniles, filosofía y demás cosas, son el entretenimiento de ellos. Para Remy no hay mejor final de su existencia que el estar rodeado de sus amigos y de su familia. No se le nota la agonía.

La trama pareciera muy dramática, por el tema tocado, pero es que la gran cualidad que tiene la cinta es que nos muestra esta historia como si fuera la vida misma: sin exageraciones. No hay escena que me haga dudar del mal trabajo del director, porque cada una encaja muy bien en la estructura de la trama.

El título es el significado de una de las discusiones de Remy y sus amigos, sobre la invasión de personas de otras países en su ciudad, en su país, haciendo que varios hábitos cambien y que lo que se veía en sus épocas juveniles, ya no se vean ahora. La destrucción de una realidad que se vivió en el pasado.

Puntaje: 8.5 puntos.

TACONES LEJANOS (1991)

Dirigida por Pedro Almodóvar.

El director español es un artista, no cabe duda. Tan solo viendo los créditos iniciales uno puede notar el delicado interés del director en cada minuto de su película, ya que hasta en las escenas más triviales, él ahonda en detalles artísticos y en que cada rincón del plano esté decorado como debe ser. 

Sin irme por las ramas, la historia nuevamente enfoca un tema recurrente en la filmografía del director: la madre. Y es que en varias de sus cintas hemos visto como el protagonista (o los protagonistas) son siempre una madre y un hijo(a). En este caso, el tema que se toca es un crimen y una relación algo jodida entre una hija y su madre.

Tres mujeres y un crimen por resolver.

Becky del Páramo es una artista ya consagrada, que regresa a su actual España para quedarse a vivir. En el país ibérico la espera su hija Rebeca, quien se ha casado con quien fuera uno de los grandes amores de su madre en el pasado, y quien es dueño de una empresa de TV, en donde ella es conductora del espacio dedicado a las noticias.

El retorno de Becky no le vendrá bien a la relación de pareja de su hija, ya que su esposo vuelve a posar nuevamente los ojos en su ex amor. Así pues se ve que hay una cierta tensión en el ambiente que no se quiere dar a conocer, hasta que un día, Manuel (el esposo) aparece muerto en su habitación.

Femme Letal

Antes de lo sucedido, los tres fueron a cenar y ver el show de un transformista que se hace llamar "Femme Letal", quien personifica en su show a Becky del Páramo. Este personaje algo varonil será uno de los que más intriga causará en la trama, debido a una identidad oculta y hasta doble.
Como dije en un inicio, lo que me agrada del cine de Almodóvar es la manera como embellece cada escena que pareciera estar demás en la cinta y la preocupación de que cada ambiente esté bien decorado. La casa de Becky del Páramo no les hace recordar en algo a "La piel que habito". Al igual que la manera tan particular en como se visten las presas (demasiado color en sus ropas, no?).
Una película que sigue el mismo ritual artístico del director manchego, quien poco a poco se va sumergiendo en tramas más delicadas y en donde, en esta ocasión, nos muestra que los padres hasta el final de sus días..... siempre protegerán a sus hijos.

Puntaje: 8 puntos.

SALO O LOS 120 DÍAS DE SODOMA (1975)

Dirigida por Pier Paolo Pasolini.

La última cinta que dirigió en vida este gran director, estuvo marcada por la polémica, la censura y el escándalo. Muchos dicen que esta fue la razón por la cual fue asesinado, ya que muchos no compartían las opiniones vertidas en la película y se dice que su muerte se debió a ésto. Y es que la película es muy controversial en cuanto a imágenes y en cuanto a lo que se dice, ya que nos pone ante escenas que no van acorde a lo humanístico, en donde prácticamente el ser humano es un animal.

El extraño ritual de los cuatro poderosos.

La república de Salo es en donde se ambienta toda esta historia, que nos remonta a los años 40s, época en donde los nazis gobernaban en casi toda Europa. Y es así como vemos un palacio, en donde cuatro poderosos hombres deciden casar a sus hijas, en una ceremonia bastante particular. Para ésto, secuestran a dieciocho jóvenes (9 de cada sexo) y los exponen cual animales, para jugar con ellos y que les sirvan como esclavos o algo así.

Vemos escenas bastante repugnantes, que no son otra cosa que simbólicas, ya que el director quería comunicar algo más allá de lo que se ven en imágenes (los chicos comiendo heces, es una crítica del director a la comida echa en masa, a la que llamaba "basura").

Saló refleja casi todo lo malo y detestable de la vida como tal, poniendo al hombre como el reflejo de toda aquella maldad que sucedía en el mundo de entonces.

Lo inhumano reina en varias escenas.

Está basada en el libro del mismo nombre, escrito por el Marqués de Sade, y contaba Pasolini que varias de las escenas fueron ideadas por él a causa de una experiencia previa que vivió en uno de sus viajes, en donde veía como el ejercito italiano abusaba de varios pobladores, al punto de humillarlos. 

Sus ideas comunistas y de crítica, le costaron muchas censuras a lo largo de toda Europa, y dicen que esa fue una de las razones por las cuales murió asesinado, ya que no todos compartían sus ideas.

De todas formas, esta película (pese a quien le pese) es considera una obra de culto, que nos muestra mediante escenas simbólicas, una historia que no está muy lejos de la realidad, en donde el hombre no cree en lo humanístico y es capaz de dejarse consumir por su animal interior y convertirse en un ser despiadado e insensible.

La indiferencia  la violencia y el conformismo de masas es lo que nos muestra Pasolini en este relato, que no es apto para personas que no pasan imágenes grotescas. De todos modos, me parece que es una cinta que tiene razón de ser y sus escenas son totalmente conceptuales, a diferencia de otras películas en donde ponen sangre o violencia, solo por placer.

Puntaje: 7 puntos

SLEEPLESS IN SEATTLE (1993)

Dirigida por Nora Ephron.

Cuando esta directora falleció este año, me dio mucha pena porque era una de las pocas que dirigían bien una cinta del género de comedia romántica. Y es que no era ni tan exagerada ni tan melodramática. Ponía los puntos justos para que uno creyera que la película podría suceder en la realidad y no quedarse en la mera ficción. Su influencia en las películas de los 50s, quedaban notoriamente reflejados en sus tramas, como en esta ocasión en donde puedo decir con franqueza, que después de tiempo que una cinta de este género me deja 100% conforme. Ya había leído y oído decir que ésta era una de las grandes películas del género en los 90s, y vaya que no se equivocaron.

Todos querían que Sam consiga una flaca.

Sam es un joven viudo, con un hijo de ocho años, quienes deciden mudarse a Seattle para intentar comenzar de nuevo.

Annie es una periodista, comprometida con Walter y con una vida ya decidida. Es cuando, de casualidad, escucha un programa de radio de corte sentimental, en donde la historia de un padre viudo le mueve el corazón. La manera en como él se expresa en la radio, la deja con la obsesión de conocer la voz de aquella persona que le ha abierto el corazón. Y es así como comienza una historia en donde diversas situaciones nos ponen frente a una divertida cinta que tiene sus tintes románticos pero que no los explota en demasía.

El encuentro en el Empire Strike.

La manera en como la historia va contándose, sin ver escenas melodramáticas ni sonseras por el estilo, nos va acercando hacía algo que ambos personajes quizá sentían en el fondo y que anhelaban desde mucho: encontrar su otra mitad.

Casualidades, circunstancias, obsesiones y mucho de "destino" tiene esta cinta, que es muy bien dirigida por la Ephron, quien no duda en poner a cada instante el nombre de Cary Grant y toda lo que significó para ella, las películas de aquel entonces, en donde no reinaba la exageración, sino una historia bien contada y con buenas actuaciones, como la demuestran en esta cinta tanto Meg Ryan como Tom Hanks.

"Sleepless in Seattle" nos muestra que en el amor, nada esta decidido. Que no basta vivir tanto tiempo con una persona para creer que es la persona de tu vida, cuando  en otro lugar del mundo, podría estar la destinada. Es una historia que podría ser cursi, pero tiene un adjetivo que ya muchos quisieran tener: Eterna.

Puntaje: 7.5 puntos.

ANIMAL KINGDOM (2010)

Dirigida por David Michod.

Una interesante película que ganó el Sundance en aquel año. Solo conocía a un actor, de todo el elenco, y no le daba mucha chance como para que me llenase del todo la trama. El resultado fue agradable y me sorprendió gratamente. Una cinta australiana que explora la naturaleza del crimen de una manera fría y al natural. No hay que ser tan expresivos ni tan detallosos para que se nos muestra el mundo del crimen como algo tan agresivo, solo basta observar gestos, formas de ser, ritmos de vida, para darse cuenta que una familia, en su totalidad, está inmersa en negocios sucios y que ésto a la larga deriva en violencia.

La abuela intentará proteger a Joshua.

Joshua es un joven que acaba de perder a su madre. Al quedarse solo, decide trasladarse a Melbourne para vivir en casa de su abuela y vivir al lado de sus tres tíos. Estos señores no llevan una vida normal, ya que están implicados en negocios ilegales (la abuela lo sabe y se los permite).

Joshua entra en una casa en donde no sabe bien como se llevan las cosas y poco a poco se irá metiendo en aquella forma de vida, hasta el punto de que uno de sus tíos tiene problemas con las autoridades de la ciudad y se desata una onda de violencia que implicará a toda la familia.

El sargento Leckie, quien lleva el caso, tendrá que ayudar a Joshua para que no se tan inmerso en todo eso y que colaboré con la justicia para así, llevar a a la cárcel a sus tíos tan angelitos.

Los tíos de Joshua, todos unos angelitos.

Se torna inquietante por momentos, fría y seca por otros, llena de miedo algunas veces y el carácter tan silencioso de Joshua ayuda a que presenciemos una buena película, que explora la violencia al natural y la manera como personas que parecen normal, pueden descontrolarse de un momento a otro y germinar violencia en cualquier lugar.

El debut del director es auspicioso. Una cinta que no muestra actores conocidos, salvo Guy Pearce, pero que ésto no implica que las actuaciones sean flojas. Incluso Jackie Weaver, quien hace el papel de la abuela, fue nominada al Óscar, como para darse cuenta que estamos ante una película de buenas actuaciones.

"Animal Kingdom" es una muestra de que una familia puede estar integrada por personas que no son racionales necesariamente. En donde los impulsos y la violencia son la principal forma de pensar. Un zoológico en donde un joven, tendrá que ver la forma de como sobrevivir.

Puntaje: 6.5 puntos.