BLUE VELVET (1986)

Dirigida por David Lynch.

Cuenta la historia, que David Lynch aceptó dirigir "Dune" (propuesta que le hizo llegar el productor Dino de Laurentis), con la condición que éste produciera también otra cinta para el director, que tenga mayor libertad creativa y sea de su autoría, ya que como todos saben, "Dune" era basada en un libro de ciencia ficción. Al final, el resultado de esta cinta ya saben cual fue (una de las más flojas de Lynch), contrastando con lo que fue para el mundo del cine la obra maestra llamada "Terciopelo Azul", que hoy por fin me toca comentarles. 

Y es que con esta película, pienso que comenzó la gran era de Lynch. Aquel cine surrealista que vimos en "Eraserhead" y que se quedó ahí, porque luego vinieron dos adaptaciones cinematográficas que no dieron pie para que podamos observar todo el universo de Lynch.

La bella e intrigante Dorothy

La historia no hace otra cosa más que contar las apariencias y las caretas que vemos en nuestra realidad desde siempre. Y es que las cosas bellas que vemos a simple vista, ocultan por lo general mundos parcos y sin vida que hacen dudar de que tan bello puede ser una simple apariencia física o superficial.

Lynch dirige con maestría la película, llenándola de simbolismos y toques surrealistas que no lucen complejos ni poco entendibles. Maneja muy bien su particular forma de comunicación y se nota que sus personajes se adecuan a lo que su cerebro maquina. Porque "Terciopelo Azul" es una historia que el mismo escribió y el mismo la pudo realizar.

Dorothy oculta un personaje detrás de su apariencia
de cantante

 La escena de la oreja en el jardín debe ser una de las más sugerentes e inolvidables secuencias en el universo de David Lynch. Así como el personaje de Denni Hopper, un ser retorcido y enfermizo que debe ser de los más recordados y detestables del cine gringo de los últimos 50 años. Y es que si la película dentro de su surrealismo intenta comunicarnos algo, es eso de la doble apariencia. Del no exteriorizar lo que en verdad ocurre por dentro. Aquellos deseos o fantasías ocultas que nos hacen ver seres raros y acomplejados. La escena inicial que transcurre en medio de una localidad norteamericana, visiblemente tranquila y apacible, no es otra cosa más que un referente a que no todo lo que brilla es oro, y no todo lo que parece es tranquilo..... es tranquilo.

"Blue Velvet" es una obra maestra de David Lynch y del cine norteamericano en si, que sería el inicio de una brillante carrera cinematográfica de este director, que luego sacaría más obras de igual realce que ésta.

Puntaje: 9.5 puntos

INLAND EMPIRE (2006)

Dirigida por David Lynch.

Una película de poco más de 3 horas dirigida por David Lynch merece una preocupación masiva. Y no es porque estemos ante algo malo o un bodrio de aquellos que siempre tiene la cartelera limeña, sino que puede que se presencie una historia compleja, que deje mal a más de uno o que logré espantar a los espectadores de sus butacas (retirándose de éstas).

"Inland Empire" es una experimentación de David Lynch, ya que utiliza el formato digital para presentarnos una historia que podía dividirse en sueños y no escenas.

Nikki y su conjunto.

El enredo en que nos mete Lynch es casi incoherente. Carece de guión y los actores simplemente son guiados por el director, quien les dice que deben hacer y que deben improvisar para que salga cada escena, sin libreto que aprender, sin diálogo que seguir.
Estamos ante un juego de imágenes que no sabemos si son reales o pertenecen a algún sueño. Ante personajes que podrían verse como reales y ante otros que quizá sean surrealistas, entremezclándose unos a otros en varios pasajes de la película. Lynch no sigue una línea coherente, con lo cual marea a aquel que intente entender la historia. Por ahí que sigue algún tipo de conexión entre situaciones, pero no es lo más lógica al momento de intentar comprenderla.

El surrealismo

Entonces ¿por qué mirar "Inland Empire"? Porque como experimentación que es, merece nuestra atención y posterior crítica (ya sea positiva o negativa). Es cierto que no es la mejor película del genio director, pero cuando intentas experimentar con algo, no necesariamente te saldrá una maravilla. En este caso Lynch se pasó para el lado del formato digital (cosa que si le salió bien), con una historia bastante surrealista y llena de escenas que dejarán a mas de uno con un forado en el cerebro, por lo terriblemente complejas que son y lo altamente espanta espectadores que pueden ser....

Escena de "Los Rabbits".

La trama comienza con un juego de escenas que enredad la comprensión, pero que esconden un simbolismo que pocos saben apreciar.
Se estabiliza con la aparición de Nikki, una chica la cual se prepara para una película en la cual será la protagonista, pero que tiene el escollo de tener que convencer a todos que es la indicada para dicho papel.
Vemos aparecer personajes sacados de un sueño, así como escenas que se pintan en el lenguaje del surrealismo, como queriendo ahuyentar en algo a lo poco de congruencia que existe entre escena y escena.
Lynch juega con nuestros sentidos mostrándonos un mundo aparentemente real, pero que abunda dentro del onirismo, uno del que pareciera no se tiene salida y que las simbólicas imágenes que muestra, aturden y hacen demasiado largas las tres horas de duración


Esta vez Lynch si que me quemó el cerebro.




Puntaje: 6. 5 puntos.

DUNE (1984)

Dirigida por David Lynch.

Esta es la perla negra de Lynch. Muchos le reconocer al director el fallido intento por haber llevado a la pantalla grande una famosa novela de ciencia ficción, la cual ya había sido tentada para una película en los 70s, bajo la supervisión de otro director peculiar: el chileno Alejandro Jodorowsky.

Pues bien, esta película fue de encargo para Lynch. Luego del éxito que significó para el director la dirección de "El Hombre elefante" (en la cual fue nominado al Oscar como Mejor Director), los hermanos Di Laurentis pensaron en él para que dirigiera la adaptación de la novela de Frank Herbet. 

Paul Atreides entrenando.

Lynch, sabiendo en lo que se metía, decidió correr el riesgo no sin antes asegurarse con la financiación de los hermanos  productores  para su próxima película (que sería "Blue Velvet"). Esa fue la condición por la cual aceptó dirigir dicho proyecto..... bien jugado.

Entrando a la película en sí...... pues se nota a leguas que Lynch lo hizo por encargo, porque no se notó en lo absoluto la mano del director ni esbozos del tipo de cine que tanto adora.

La película le generó más de un dolor de cabeza al norteamericano. El primer metraje que diseñó, duraba 8 horas (que pendejo, no?). Hizo el intento de reducirlo, para que pueda ser proyectado en el circuito comercial. El intento resultó fructífero para el director, ya que su película quedó reducida a 5 horas, tiempo que le tomó elaborar el grandioso mundo de "Dune".

Sting formó parte del elenco de "Dune".

Los Di Laurentis metieron su cuchara y le obligaron a cortar el tiempo, hasta reducirlo a poco más de 2 horas de duración. Es así como Lynch vio el resumen de lo que había dirigido, lo cual no le convenció en lo absoluto, desinteresándose de la película en su concepción final.

La historia intentó ser fiel al libro, pero con los cortes sufridos, no pudo ligarse con lo que la obra transmitía y Lynch reconoció que al ser una trama algo compleja, dos horas eran insuficientes para al menos intentar que el espectador comprendiera en algo de lo que se trató el libro (sobretodo para aquellos que no habían leído la obra).

Paul y su madre, cuando el peligro amenazaba con acabar con ellos.

Con todos estos problemas, la película fue un problemón para Lynch, quien estuvo tan en desacuerdo con el producto final, que decidió que su nombre no apareciera en los créditos finales de la misma. Se avocó por completo a la condición que les había impuesto a los Di Laurentis: la filmación de "Blue Velvet", que fue la otra cara de la moneda, comparándola con "Dune", ya que con esa película logró ganar respeto y ubicarse como uno de los directores de culto de la orbe cinematográfica.

"Dune" es una historia de ficción que podría situarse al lado de películas como "Star Wars" o "Blade Runner", pero que no tuvo la suficiente acogida como éstas para quedarse en la memoria de la gente y para que sea considerada una obra de culto o de interés. David Lynch hizo lo que pudo, pero cuando se trabaja para una productora, hay que ceñirse a las reglas....... es x eso que aquella vez fue la última ves que Lynch realizo un trabajo de otros.

Puntaje: 4 puntos.

THE STRAIGHT STORY (1999)

Dirigida por David Lynch.

Hay películas que cada vez que me preguntan: "Qué tal es tal película?" Yo suelo decir: "Es bonita... hermosa". Esta película de Lynch tiene esas características, y pareciera que no es de Lynch, porque conozco muy bien la forma como encara la filmación de una cinta y su percepción de las cosas. En esta, se aventuró a mostrarnos algo que tenía escondido y le salió una obra de arte. Una película que es considerada por muchos como su gran obra maestra, ya que nos muestra una historia que a cualquiera le puede llegar al corazón y a sentir lo mismo que siente el protagonista.

Alvin Straight, el gran protagonista.

Alvin Straight es un anciano con problemas en la columna, con problemas en la vista y con una licencia de conducir anulada por estos problemas, los cuales no les permite estar apto para conducir un vehículo. El viejo Alvin existió, y la historia en la que se basa esta película es de la vida real. Tomada y guionizada por la propia esposa de Lynch, es un relato sobre la experiencia que vivió el propio Alvin Straight.
A pesar de todos estos problemas que acabo de mencionar, él se decide a emprender un viaje largo para ver a su hermano enfermo. Un hermano el cual está grave y tal parece, no le queda mucho tiempo de vida. El problema para Alvin es el poco dinero con el que cuenta para costearse un pasaje vía terrestre o vía aérea (aparte que el médico le exigió reposo absoluto).

Conoce cada personaje en su largo viaje.

Pese a todo esto, decide agarrar su pequeño tractor cosechador e iniciar un largo viaje montado en él hasta llegar a Winsconsin, en donde se encuentra su hermano.
El viaje es largo.... es de un extremo a otro de Estados Unidos (Alvin se encuentra en Iowa). El viaje le tomaría 7 semanas casi y es una aventura total. Se imaginan un recorrido en un pequeño tractor como en el de la foto? Osea... es toda una odisea. Encima sumarle los peligros que corre el anciano al no tener mucho dinero en el bolsillo, una enfermedad en la columna, la poco visión y un carrito que avanza cada hora 1 km.

Vive cada percance por cada pueblo que cruza.

La forma como transcurre la película en la visión de Lynch es poética. Cada noche, cada parada de Alvin es una enseñanza de este señor. La forma como él percibe la vida y lo poco que le queda por luchar y soñar para ser feliz. Mención especial merece la música compuesta por Angelo Badalamenti para esta película, un fiel aliado de Lynch en su filmografía, quien esta vez se inspiró demasiado para componer una hermosa composición que adorna de cierta melancolía al film. Pero digamos que es una historia con un objetivo en concreto: Alvin debe llegar a la casa de su hermano, pasando lo que deba pasar. Lo que vi durante cerca las 2 horas que duró la película, fue una aventura hermosa.


Me quedo con el diálogo entre Alvin y el joven en una fiesta de un pueblo que a él le tocó como parada. Un corazón abierto el del viejo, en donde expresa lo que en verdad siente sobre la vida, y sobre lo que le queda en este mundo.
Hermosa obra de arte.


Puntaje:  10 puntos.

THE ELEPHANT MAN (1980)

Dirigida por David Lynch.

Luego de lo intrigante y sorprendente que significó su ópera prima (la surrealista "Eraserhead"), Lynch necesitaba algo de dinero y algo más de presupuesto para poder así hacer películas de acorde a su estilo. Es por esto que sus dos trabajos posteriores a "Eraserhead" son películas de encargo. La tercera de esta, llamada "Dune", significó un pacto con el productor Dino de Laurentis, con el cual llegó a un acuerdo de que Lynch aceptaba dirigir esta película a cambio de que el productor financie el siguiente largometraje del director norteamericano, film que sería aquella obra maestra llamada "Blue Velvet".

Pero vamos de plano a "El hombre elefante", película inspirada en Joseph Merrick, un hombre que existió en la Inglaterra del siglo XIX y quien tuvo este problema de deformación facial.

Joseph Marrick apenado por el mundo en
que le tocó vivir.

Lynch se encargó de la que la película tuviera ese aire clásico que la ciudad londinense tenía en ese entonces, y también algo de sombra, como una ciudad dark y algo insensible ante hechos como éste, que narra la película. 

Pues bien, el personaje principal es J. Marrick (o bien conocido como Hombre elefante) quien sufre una extraña deformación en la cara, lo cual lo hace ver como un monstruo o algo así. Tal es así su problema, que lo usan como una "especie rara" en el circo de la ciudad. Realmente insensible y patética la sociedad inglesa que nos muestra Lynch, intolerante ante este tipo de enfermedades que cualquier persona podría padecer.

El cariño de algunas personas, ayudó a Joseph a
reintegrarse a la sociedad.

Frederick Treves (A. Hopkins) es un doctor cirujano, quien descubre a Merrick en este circo y lo ayuda a recobrar su libertad. Para esto lo traslada a un sanatorio, en donde intentará que Marrick recobre la confianza y el amor hacía el mismo, y a su vez, que la sociedad lo acepte como la persona que es.

Aquí vemos el aspecto humano del doctor y otras personas que se animan a entablar amistad con Marrick, al punto de agarrarle cariño y que poco a poco él, tenga ese lazo social que le hizo mucho falta desde un inicio.

El doctor lo ayudo en todo momento. Son de ese tipo de
gestos valiosos que enaltecen a un ser
humano.

La película es bonita. Debo reconocer que a cualquier se le escaparán las lágrimas con el final y con la forma como el doctor ayuda a que Marrick se reintegre a una sociedad que no acepta su forma de ser (física) y que en base a prejuicios, lo adjetivan de monstruo o ser maligno.

Es realmente chocante ver como luego de un incidente con un niño, varias personas lo persiguen en una estación de tren a Marrick, en donde lo derriban y lo golpean, escuchándose los gritos desgarradores de él, gritando: "No, no... no soy un monstruo!!! Soy un ser humano!!!"

A veces nosotros mismos somos los animales entre nosotros mismos, ya que nos falta mucha sensibilidad para comprender y ayudar a este tipo de personas que afrontan enfermedades degenerativas, como la que sobrellevo Joseph Marrick.

Una muy buena película, por la cual Lynch recibió su primera nominación al Oscar, y en donde fue ya catalogado como un gran director de cine. Años después, demostraría con otras cintas, que era un genio.

"ERASERHEAD" (1977)

Dirigida por David Lynch.

Ópera prima del genial director David Lynch, en donde muestra todo lo que caracteriza a su cine. Aquel cine surrealista y que se influye en lo onírico en demasía. Basta solo con ver el trailer, para darnos cuenta que estamos ante un film experimental y que no será tan fácil de entender. La puesta de metáforas visuales y otros guiños lynchianos, nos muestran que pese a ser un director nóvel, Lynch sabía lo que hacía y que esto solo sería el comienzo de una gran carrera cinematográfica.

Henry Spencer.

La historia se ambienta en una ciudad industrial, en donde el personaje principal, llamado Henry Spencer, trabaja en una imprenta y tiene su novia, que lo ha invitado a cenar en casa de sus padres. El recorrido inicial, nos muestra una ciudad obrera, llena de soledad y algo parca, como si estuviésemos recorriendo algún sueño o pesadilla. Una vez en la casa de su novia (llamada Mary X) se entera que ha dado a luz a un bebé, y que el padre es él. La cena en dicha jato es de lo mas bizarra, y muestra no solo el momento célebre del pollo que se mueve, sino también, unos padres algo particulares.

El pollo moviéndose sobre el plato.

Comienzan aparecer escenas clásicas en el lenguaje Lynch. Personas con tics raros o con personalidades extrañas (el padre que se queda cerca de 10 minutos paralizado, con una sonrisa en la cara). El simbolismo del pollo, que para mí significa el miedo hacía algo, es una escena muy recordada de la película. 

Henry Spencer siempre luce asustado, como si no reconociera el mundo en el que vive. Asustado por cada momento que pasa e incrédulo de lo que ve. 

El bebé que tiene su novia, no es otra cosa que una extraña deformidad, al cual aceptan con amor y cuidan como si fuera una bebé normal. En verdad es sorprendente ver al bebé a veces, porque puede resultar hasta terrorífico ciertos momentos, sobretodo cuando el bebé grita.

Uno de los tantos personajes de la película.

Lynch expone escenas cada vez más confusas que busca hacer pensar al espectador. No llegan a ser somníferas, pero sí muy quemadas. Tan quemadas que a veces cuesta interpretar lo que nos intenta decir. La parte en donde Spencer aparece como en un escenario, donde una flaca canta, encierra un culo de significados, apegados al miedo que siente éste por la paternidad y la responsabilidad que amerita su nueva vida como padre de familia. Al ver que su hijo es una deformidad, un anormal, un ser que no es humano, comienza a incrementarse su miedo al punto de intentar eliminar todo tipo de responsabilidad.

Spencer llega a perder la conciencia.

David Lynch retrata de gran forma, ciertos miedos que abundan en su cabeza, que los refleja en el personaje de Henry Spencer, el cual llega a perderse en su  temor, y borda los términos de la locura.

Definitivamente es un comienzo alentador y experimental el de Lynch. Tardó años en terminar esta película, la cual ha sido elevada al nivel de "culto" y que es la precursora del cine surrealista (aunque muchos suelen resaltar a Buñuel en estos términos.

"Eraserhead" o "Cabeza de borrador" no es una película apto para todos, por el hecho de que no esta creada para fines comerciales o masivos. Es una obra de autor. Un mensaje. Una forma de expresión del director. 

Igual.... pondré el trailer para algún interesado que desee verla. Fácil ahí se animan. Por cierto, no se droguen antes de verla. Igual quedarán drogados.

MUHOLLAND DRIVE (2001)

De David Lynch

David Lynch

Hoy toca hablar de mi director favorito. El que me volvió adicto a ver pelas y a ir un poco más allá de lo que comúnmente se conoce como cine.
Lynch es uno de los pocos directores que siguen su propio camino sin aliarse a convencionalismos ni al prejuicio de hacer películas para atraer a las masas. Su cine básicamente está  ligado con el onirismo y lo surrealista, desde su primer film (catalogado como experimental) hasta el último en donde se alió con la confusión y presento una película de mas de 3 horas llena de incoherencias de forma pero con un fondo muy interpretativo.
"Muholland Drive" supuso la consagración de Lynch en el ámbito comercial, por decirlo de alguna manera. La academia lo nominó al Oscar a Mejor director. El festival de Cannes lo premio como el Mejor director de la edición de aquel año, así como también en el Festival de Toronto. Nominado también a los Globos de Oro, Lynch con una película genial, llena de simbolismos y sin perder su esencia, obtuvo el reconocimiento de todos por igual.

Una mirada a Hollywood por dentro.

Pues "Muholland Drive" no es una película apta para todos.  Lo digo porque es una película que Lynch la hace para que mantengas el cerebro despierto desde el primer fotograma, hasta el último. Te llena la pantalla de simbolismos, de metáforas visuales. Los personajes raros que rondan por el universo de Lynch, son bizarros, estrambióticos y podría decirse que cómicos.
Uno tiene que estar alerta a esa jodida misión de separar lo real de lo onírico. El mundo de Lynch, del mundo como lo conocemos delante de nuestros ojos.

La película nos muestra el mundo de una aspirante ha actriz, Betty, que lucha por ganarse un lugar en Hollywood. Llega a la ciudad y se hospeda en la casa de su tía. Ahí se da cuenta que la jato es habitada x una extraña mujer, quien ha perdido la memoria. Ella responde al nombre de Diane y no sabe que hace ahí ni quien es.

Naomi Watts y Laura Elena Harring

Aquí comienza lo bueno jajajaja. Betty decide ayudar a Diane. Buscan saber quien es y que sucedió para que quedase así (perder la memoria). Lynch comienza a jugar con simbolismos, que no son otra cosa que escenas que tienen un significado en la trama, y queda a criterio del espectador, interpretar la escena.
Hay escenas que no siguen a la historia, que son precisamente las pistas que da el director para que el final tenga un sentido coherente. Esto hace que la película cobre cierta genialidad, por la forma tan precisa de como presenta Lynch sus pistas o símbolos.

Todo esto le sirvió a Naomi Watts para consolidarse en Hollywood y demostrar lo gran valiosa que puede ser como actriz. La música también es genial. Es sabido que Angelo Badalamenti es asiduo colaborador de Lynch en sus películas, en cuanto a la música (ya sea creada por él o reciclada). La banda sonora de Muholland Drive es muy buena.

Una escena lésbica que dio mucho que hablar

David Lynch es mi director favorito, no solo por esta película, sino por toda su filmografía. "Muholland Drive" debe ser, considerada x muchos, su obra cumbre. Aquella que lo sitúo como uno de los mejores directores en la actualidad, cosa que le da igual al tío.
"Muholland Drive" es una película que hay que saber interpretarla bien y seguirla detenidamente.... y sumergirse al fantástico mundo surrealista de David Lynch.

Los dejo con el trailer en español. Cuando la pasen en cable o TV Perú (a veces la pasan ahí), véanla!! Es una experiencia muy wena.

LOST HIGHWAY (1999)

Dirigida por David Lynch.

El 2010 tiene a "Inception" como una de las mejores películas del año, y a Cristhoper Nolan como uno de los directores, hoy x hoy, en ascenso y en otro nivel. Pero vamos..... aquellos que hayan visto el cine de David Lynch, no van a espantarse tanto por ver la última película de Nolan. Muchos quedaron con un enorme signo de interrogación luego de ver la cinta protagonizada por Di Caprio, como intentando entender que diablos había sucedido. Bueno para ir sin muchos rodeos, Nolan depende mucho del cine de Lynch, y como seguidor del mundo de los sueños, lo hace demasiado bien, pero no llega tan alto como ha llegado el maestro Lynch. "Lost Highway" (1997) es el regreso de este director norteamericano a sus orígenes, luego de recibir duras críticas por su anterior cinta "Twin Peaks".

David Lynch

Hablar de Lynch es hablar de un director que se sumerge en el mundo de lo onírico y de lo surrealista. Es hablar de un poeta del cine. Poeta porque los simbolismos que expresa en cada fotograma, son dignos de metáforas que uno debe saber como interpretarlos para asimilar lo que te quiere decir el director. Es considerado uno de los mejores directores de cine en la actualidad, porque sigue a pie firme con su modo de hacer cine y no ha caído en facilismos ni conformismos. Como expresé, "Lost Highway" inyectó de ese aire lynchiano, a un director que parecía que venía de más a menos.  Nos sitúa en el mundo de Fred Madisson, un músico de jazz, al cual le llegan numerosas cintas de vídeo, en donde aparecen imágenes de su casa, por dentro y por fuera. Luego de contactar con la polícia (que poco o nada pudo hacer), revisa una de las tantas cintas que han llegado a su casa, y observa que en una de ellas, su esposa Reneé es brutalmente asesinada. Aquí comienza el mundo de Lynch a trabajar a toda máquina.

A Fred lo culpan por el asesinato de su esposa y es llevado a la cárcel, en donde en una mañana, uno de los vigilantes de la penitenciaria, observa que el preso que está en la celda no es Fred, sino un chico de nombre Pete. Hasta aquí nomás cuento algo de lo que podría llamarse sinopsis. Porque es acá cuando el espectador tiene que tener los sentidos bien despiertos para digerir bien la trama que propone el director. 

Un típico personaje del mundo Lynch en "Lost Highway"

Lynch mediante el uso de simbolismos y otras de sus célebres formas de metaforizar conceptos, comienza a confundir la trama de manera sutil, hasta que luego de un tiempo recorrido, mostrar que en realidad todo no es confuso, si es que no seguimos atentamente las pistas que nos ofrece el director. 

Lo que confunde más es el darnos cuenta que es real y que es irreal. Que cosa pertenece a la realidad y que cosa simplemente es una fantasía o un sueño. Algo que Nolan usó mucho en "Inception" y algo que Lynch usa siempre en sus películas, y las utiliza de manera formidable, porque logra siempre dejarnos pensando y decir: "ah manya won, eso tiene sentido".

Es de los directores que te exprime las neuronas al máximo. Él mismo lo ha dicho, que sus películas son como pinturas en movimiento, es decir, que debes quedarte un buen rato mirando las escenas y darles formas coherentes para que desarrolles bien la trama que te expone el director. Es probable que muchos se pierdan en el camino, pero eso es ya más x flojera que por otra cosa.

Patricia Arquette en "Lost Highway"

La película se divide en dos partes: el mundo de Fred y el mundo de Pete. ¿Cómo es que ambos mundos o realidades se llegan a unir? Eso queda en uno mismo por descubrir. Una película que devolvió al Lynch que el mundo descubrió en 1977 con "Eraserhead", y que ya retornó con furia y destreza, por los excelentes títulos que entregó en los siguientes años ("The Straight Story" y "Muholland Drive").

No es necesario hablar algo más de la película. La experiencia que tuve con ella fue como la de armar un rompecabezas. Puedo decir que luego de haberme visto toda la filmografía de Lynch, puedo superar a mil "Inception" (la cual me pareció muy buena) y a tantas otras películas de autor que deambulan x ahí, y que son algo complejas en su estructura narrativa.

Los dejo con el trailer de la película, que pareciera que nos vende una cinta de terror o suspenso. Pero weno......  en el mundo onírico también existen las pesadillas, no?