ANYTHING ELSE (2003)

Dirigida por Woody Allen.

Woody ha tenido cintas que no vale la pena mucho el recordar, siendo un ejemplo de este pequeño grupo esta película, con la cual el director intentó llegar a un público más joven (los protagonistas son jóvenes) y que intentó devolverle a su cine aquel tinte de comedia romántica que algunas vez exploró con éxito. Su afán de lograr este cambio repentino en su cine, no resultó del todo bien porque no es su obra más recordada y tampoco ha sido bien valorada por la crítica debido a que la historia parece que es una especie de biografía del director y nos muestra más de lo mismo: conversaciones sobre la vida, el sexo, el amor y New York.

Falk y su problemática novia Amanda

La actuación de Jason Biggs no da en el clavo. Como que el personaje a quien intenta interpretar no me convenció del todo, más aún si tiene de partner al mismo Woody Allen, quien opacó por completo a la otra supuesta protagonista: Christina Ricci.

La historia nos muestra a un joven escritor llamado Falk, quien tiene una novia medio complicada de carácter, Amanda, de quien está muy enamorado y con quien convive pese a que ella padece problemas que la hacen ver como neurótica. Como para darnos cuenta que este joven no es otra cosa que el "alter ego" del director, es un escritor de comedia y su vida transcurre paseando por New York acompañado de su mentor Dobel (el mismo Woody), quien siempre le aconseja sobre cosas relacionadas al amor, al sexo y a la vida.

Falk tendrá que sobrevivir al duro
momento creativo que atraviesa

Es como ver al mismo Allen aconsejando a su "yo" joven, ya que se nota a leguas que eso intentó graficar en la historia, el contar una historia en donde él se siente identificado con ambos personajes, solo que la experiencia del viejo se ve reflejada en los consejos que le da al joven con respecto a todo lo que ha vivido.

Como dije, la actuación de la Ricci no influye mucho en la historia, ya que el director con su personaje complica demasiado el resalte de ésta. Aún así, tiene ciertos espasmos de humor pero no logra cuajar bien, pasando como una cinta de regular recordación y que lo único que intentó mostrar era a un Allen intentando hacer una comedia dirigida por un público joven, con actores conocidos para dicho target (recordar que en ese entonces, Jason Biggs era muy conocido por su papel en la saga "American Pie").

Quizá haya sido un guión escrito bajo términos de contrato, osea, de aquellas cintas que son solamente para cumplir con lo estipulado en un contrato, pero no fue así....porque esta fue la etapa del cineasta donde no mostró nada destacable. 

Pero como reza la historia, luego vendría el renacer del genio de Allen con el estreno de "Match Point", que lo devolvió al sitial en el que está hoy en día.

Puntaje: 5 puntos

BROADWAY DANNY ROSE (1984)

Dirigida por Woody Allen.

Cuando leí comentarios acercas de la cinta, me topé con clasificaciones que nada que ver con lo que vi. Decían acerca de que es una película que parodia a la mafia y es una especie de homenaje a los "stand up comedy". Puede que este inmersa en ese universo, pero yo lo veo muy pero muy secundario, ya que lo principal que veo en la historia es aquel mundo de los agentes artísticos. Aquellos personajes que hacen de todo para que pequeños artistas logren un nombre en el mundo del espectáculo. Lo que se conoce como managers, personas encargadas de conseguir que sus patrocinados tengan donde mostrar su talento, salir en medios y mostrar una imagen adecuada para que sean recordados y tengan notoriedad.

Danny Rose hace todo por sus artistas

Y vaya que Danny Rose es uno de esos agentes que se pone la camiseta y es leal con sus artistas. Woody Allen interpreta a este peculiar agente que está en decadencia, tanto así que sus patrocinados no atan y desatan. Solo uno es el que mejores resultados está teniendo, y es sobre quien gira toda la película.

Me he reído con varias escenas cargadas de ese humor físico que Allen había aprovechado bien en sus primeras películas y que bueno resultados le da en esta historia. Porque Danny Rose hace de todo para que Lou Canova, un cantante que de a pocos se hace un sitial en el espectáculo, sea su mejor cliente y tenga mucha prosperidad. Tanto que debe ayudarlo con su amante, quien lo ha dejado y no quiere saber nada de él. Los enredos en que se mete Danny son graciosos, ya que Tina Vitale, la amante, tiene otros enredos personales, que la vinculan con el mundo de la mafia.

Danny convencerá a Tina para que
vuelva con su patrocinado

Y es aquí donde aquel universo entra en escena, pero de una manera graciosa y casi secundaria, por lo que noto más es el afán con el que Danny intenta ayudar a su cliente para que tenga una vida tranquila y feliz. Claro que para ello debe hacer que Tina esté a su lado, cueste lo que le cueste.

Me gustaron muchas escenas, como la persecución en donde Danny huye y se encuentra inmerso en un fuga de helio, que transforma las voces de él y los mafiosos en chistosos diálogos típicos de una caricatura.

Buena perfomance de Mia Farrow, quien denota una gran química con quien era su pareja en ese entonces, Woody, quien nuevamente nos muestra su díscola manera de actuar e interpretar a un personaje que le cae como anillo al dedo.

No será la "gran película" de Woody Allen, pero al menos deja un buen regalo para aquellos que amamos sus cintas de humor, que nunca decepcionan.

Puntaje: 6 puntos

TO ROME WITH LOVE (2012)

Dirigida por Woody Allen.

A nadie le quepa duda que Woody Allen es un genio, no? Y no es porque cada película que escribe y dirige sea una obra de arte, sino porque tiene aún vigente ese don de escribir historias decentes, buenos guiones (que diálogos excelentes hace) y muy buena dirección de actores. Quizá las historias sean casi repetitivas, pero sabe aprovechar demasiado bien el talento de su elenco, así como crearnos atmósferas que sí logran diferenciar a sus películas entre si. Y no estamos hablando de un hombre adulto, sino ya de un veterano director de 75 años que sigue con la lucidez intacta.

Woody Allen regresa a la actuación después
de un buen tiempo.

Esta vez le agradezco a Woody verlo actuar nuevamente, porque sus personajes son un cague de risa. Son él mismo. Se personifica tal y como es, impregnándole al personaje aquellos temores y fobias que tiene en la vida real.

Esta vez Roma es la ciudad elegida, en donde el director neoyorquino nos contará cuatro historias cruzadas protagonizadas por personas italianas y norteamericanas. Esta vez el romanticismo no se apodera de la historia, sino mas bien los hechos curiosos y hasta graciosos que ocurren en estas cuatro historias. 

Desde una señor (Roberto Benigni) que cree que su vida es aburrida hasta que de un día se vuelve famoso y experimenta el terrible día a día de una persona con fama, hasta un joven arquitecto que se enamora de la mejor amiga de su 

Penélope Cruz hace de prostituta.

flaca, viviendo un sentimiento pasajero. Todas estas historias tienen mucho de irreal, de gracioso, de satírico. Pareciera que la ciudad romana alberga historias de ese tipo, que parecieran sacadas de un sueño, por la forma tan surreal en el que suceden.

Aquella pareja de padres norteamericanos que llegan a Roma para conocer al novio de su hija, terminando el papá convenciendo a su consuegro de que sea un cantante de ópera, o un joven matrimonio que llega a Roma con la esperanza de progresar, y el primer día se distancian (ella se pierde), viviendo experiencias distintas a la vida que llevaban como pareja.

Lo bueno de "A Roma con amor" es que no repite el mismo verso de "Medianoche en París", en donde presenciamos un romance bastante particular. Esta vez Woody nos cuenta cuatro historias que ocurren en Roma. Historias muy peculiares que al verlas uno piensa que son muy difíciles de ocurrir, pero queda la sensación de que Allen nos quiere decir que a veces en la realidad suceden cosas que son increíbles de pensar que puedan suceder.

El humor, los diálogos, la atmósfera y el despliegue actoral son acertados, dejando en claro que el talento del director neoyorquino sigue intacto y espero que siga así, por el bien del cine.

Puntaje: 7.5 puntos.

ZELIG (1983)

Dirigida por Woody Allen.

Antes que se hiciera "Forrest Gump" y conociéramos su historia de una manera amena y entretenida, el genial Woody Allen había llevado a la pantalla grande la historia de "Zelig", un hombre que tiene una extraña habilidad que le permite cambiar su aspecto dependiendo en el ambiente que se encuentre, osea, es un camaleón. Esta cinta de Allen es algo experimental debido a que el director neoyorquino fabrica un falso documental, algo que no era muy usado en aquella época, y el lenguaje narrativo que se utiliza, era innovador.

Leonard Zelig en una foto de postal.

Leonard Zelig es un personaje inventado por Woody Allen, a quien él mismo caracteriza. La historia se cuenta en forma de documental, en donde se nos hace un recorrido histórico sobre la vida de este personaje, que tiene la particularidad de ser un tipo camaleónico, ya que cambia su apariencia de acuerdo al medio en que se desenvuelve.

Este sujeto es estudiado y seguido por la psicoanalista Eudora Fletcher, quien busca analizar la mentalidad de Zelig debido a que es muy extraña su forma de ser. En base a testimonios y presentación de hechos, se va contando detalles sobre la vida de este personaje, que incluye la transformación de Zelig en diversos ámbitos en los que ha estado. 

Los primeros estudios clínicos.

Esta película utiliza efectos novedosos para la época e innovación en la manera en como se cuenta la historia. Los efectos se notan cuando Zelig aparece en un video de Adolf Hitler, que debe haber servido de inspiración para que años después, Robert Zemeckis tomará esta escena para utilizarla en las diferentes apariciones que tuvo Forrest Gump en pasajes de la historia.

Otro efecto que se nota es la calidad de la imagen que se ve. Se dice que los técnicos pisotearon y ensuciaron la cinta para lograr que se vea como antigua o sucia. El resultado es efectivo.

Una buena cinta que muestra a un Woody Allen experimental e inquieto, ya que se nota que quería hacer cosas distintas por esa época. Alguna veces le salieron bien, otras no.

Puntaje: 7.5 puntos.

STARDUST MEMORIES (1980)

Dirigida por Woody Allen.

Luego de obras maestras como "Manhattan" o "Annie Hall", el genial Woody Allen se dedicó un poco a hacer películas que vayan de acuerdo a sus gustos e influencias. Dejó por completo el lado humorístico que caracterizo el cine de sus primeros años e intento no ser tan masivo, explorando terrenos que le habían sido ajenos hasta ese entonces, pero que en realidad eran caminos con los cuales creció, ya que siempre dijo que de niño gustó del cine europeo. "Interiores" había sido una muestra palpable de que Allen quería cambiar de aires y hacer un cine algo más de autor, pegado a ciertos rasgos europeos.

Sandy perdiendo la paciencia.

"Recuerdos" (como se le llamó en castellano a esta película) tiene tanto que beber de la influencia de Fellini en Woody, que sería mentira decir que es una historia sacada netamente de la cabeza del director neoyorquino.
Con esto no le quiero quitar mérito al director, ya que es normal (y bueno) que los discípulos de alguna manera u otra rindan tributo a sus maestros, en esta ocasión utilizando ciertas semejanzas con "Ocho y medio", obra de culto del director italiano Federico Fellini. Pero más allá de que la historia tenga algo que ver o no con dicha película, lo que más me agradó de la película fue la manera como Woody  gráfica una especie de autobiografía, en donde él es el foco de atracción.

La bella Daysi.

Allen pone sobre el tapete la manera como un cineasta está ya cansado de hacer películas cómica, así que intenta tomar otro camino, lo cual es impedido por los productores quienes en un afán desesperado por seguir con un cine comercial, deciden cortar el final de la última pelicula de dicho director.
Sandy Bates (el director) aparte de tener conflictos en su vida profesional, también las tiene en el amor. Perturbado por las mujeres que tiene a su lado y a las que conoce de manera inesperada, intenta dar un giro en su vida para poder así evitar la depresión y poder seguir adelante.

Sandy y su mundo: el cine.

Tal vez sea esta la película que describe realmente al realizador neoyorquino, ya que nos muestra sus obsesiones, sus inquietudes, sus miedos, sus anhelos y sus más escondidos secretos, que pueden que sean ciertos o no (total, estamos ante una ficción después de todo), pero se nota ese tufillo de crítica hacía sus espectadores y a la industria del cine en sí, ya que se nota cierto mensaje contestatario durante gran parte de la película.
El cine de Woody Allen cambió radicalmente desde "Annie Hall", siendo "Interiores" el punto de partida para saber que el giro radical ya había sido establecido. 
Yo, como tantos otros, veo a "Stardust Memories" como el gran homenaje de Allen hacía un cine que le ayudó mucho en su carrera. La escena de su personaje saliendo de la sala de cine, aplaudido por el público, es una muestra de como él observa todo desde su interior.


Puntaje: 6.5 puntos.

MIDNIGHT IN PARIS (2011)

Dirigida por Woody Allen.

Señores, el gran Woody Allen regresó nuevamente. Es sabido que el filma una película por año. Que escribe y dirige sus propias obras. Que ya no actúa hace buen tiempo y que pese a tener 75 años, sigue siendo tan lúcido como siempre. Esta vez se amparó en la bella ciudad de Paris para contar una historia que pudo haber sido ambientada tranquilamente en su natal New York, pero tal parece que la atmósfera parisina se prestaba demasiado para que su relato tenga esa alegría y belleza que me causó. El inicio es bello. Es casi un collage de imágenes de la capital francesa, con una música de fondo que se presta para admirar más aun a la ciudad y mostrarnos sus calles, sus plazas, su gente, sus monumentos, sus días, sus noches, su sol, su lluvia..... una manera de decirnos: "Este es París señores".

Gil e Inez, una pareja que no es lo que parece.

El segundo punto para destacar es la excelente participación de Owen Wilson, quien me hace recordar demasiado a Woody Allen en "Manhattan" o "Annie Hall". En ese aspecto, el actor supo capturar esa esencia de escritor harto del mundo moderno y ser adepto a aquel clasicismo que percibe de París y que espera lo influya en la obra que está escribiendo. 

Y es que su personaje, Gil Pender, es un escritor que está por terminar una nueva novela, y viaja con su prometida Inez y la familia de ella a París, antes de su boda. Ahí él se da cuenta lo maravillosa que es la ciudad, deseando quedarse a vivir ahí. El único problema es Inez, quien se siente mas segura en Estados Unidos (siendo exactos, en Malibú) y no comparte la misma percepción de la ciudad que su novio.

Adriana aparece en el París del pasado, enamorando
a Gil.

Lo bueno de Allen es que siempre mezcló la realidad con la ficción, porque hasta ahí la historia pinta a normal. El ingenio de Allen llega cuando Gil intenta desprenderse del aburrimiento que le transmite su novia y los amigos de ella (un pata pedante que se las da de sabelón), caminando por la noche parisina, descubriendo algo más de la belleza de la ciudad que no encuentra en la claridad del día. Es así que cuando dan las 12 de la noche y suenan las campanadas de la Iglesia, un carro (algo antiguo) se le aparece, abriendo sus puertas e invitándolo a que suba para ser llevado al París de los años 20s, en donde conocerá a personajes que el escritor admira en demasía, como Hemingway, T.S. Elliot, Buñuel, Dalí, Picasso, entre otros.

Breve y regular participación de Carla
Bruni en la película.

En este viaje conoce un poco más de lo que en verdad le gusta, del arte francés de aquella década, de sus costumbres, de las noches bohemias, de consejos de la novela que escribe y de la aparición de una bella Adriana (Marion Cotillard) quien lo flechará al instante, quedando en su cabeza la inseguridad de saber si está o no enamorada de su novia Inez.

La película no decae mucho y por ratos se muestra graciosa. La representación de cada personaje es divertida e interesante. Se nota en cada escena, el gusto de Woody por aquel París clásico. Aquella ciudad que tanto le influenció en sus inicios en el cine. Aquella predilección por lo que fue el pasado y su férrea crítica al presente.Una historia que convence, que es bella en cuanto ambientes y que es bien retratada en los años 20s. La actuación de todo el elenco es impecable (se nota la mano de Allen en la dirección de ellos), sobretodo de Owen Wilson, quien casi es un calco de aquel Woody actor que muchos conocemos, pero que intenta darle su sello personal, y lo llega a lograr perfectamente.

"Medianoche en París" es una película buena. Después de "Match Point" no encontraba otra cinta de Allen que me invite a seguir pensando lo genial que es este director. Un apasionado del cine, que siempre escribe y dirige una cinta por año. Esta vez se mandó un buen rollo y nos dice que Woody Allen sigue más vivo que nunca y que tiene para rato. 

Felizmente.

Puntaje: 9 puntos.

MANHATTAN (1979)

Dirigida por Woody Allen.

La obra maestra por excelencia del director neoyorkino. Si con "Annie Hall" dejó  por sentado que su etapa de creador de comedias de gags había finalizado, dando un salto hacía un cine más ingenioso y con tramas más elaboradas (sin dejar de lado el humor), con "Manhattan" inscribe su nombre en el sitial de los directores de culto del siglo XX y de la actualidad. Y es que Woody perfecciona su guión y su manera de dirigir, para enseñarnos una película que ya es considerada un clásico del cine moderno, en donde las relaciones de pareja son la verdadera protagonista no de esta cinta, sino de las cintas que vendrían después.

Ambos personajes mirando el puente,
en una escena que retrata lo hermoso que puede ser
New York.

Siempre apegado a un relato que pareciera que nos narra algo sobre la vida del mismo Allen, ya que en esta ocasión, se nos cuenta sobre un escritor de gags para televisión, Isaac Davis, quien afrontar una terrible confrontación con su ex pareja, quien esta a portas de sacar un libro contando las intimidades que tuvieron en su pasada relación.

Isaac, cuarentón él, sale con una muchachita mucho menor que él (tiene 18 años), pero se enamora de la amante de su mejor amigo Yale. Osea, tiene conflictos por todos lados.

Lo gracioso es ver como Allen nos muestra cada uno de estos conflictos, sin poner trabas ni cosas superflas que dañen la coherencia de la historia.

La bella fotografía y el espléndido blanco y negro utilizado en la película, resalta la belleza de Nueva York, con lo que Allen le rinde tributo a la ciudad que lo vio nacer.

Isaac discutiendo con su ex.

La mirada sarcástica que tiene Woody para analizar las relaciones de pareja, es única. Su personaje es él mismo, criticando a todo el mundo y analizando siempre, con una visión psicológica y filosófica, al mundo sentimental que lo rodea. 

El tener una ex, quien vive con una lesbiana, a portas de sacar un libro en donde detalla su vida sexual, es por un lado gracioso y por otro.......como que medio irónico. Allen remeda en muchos aspectos su "yo", ventila en algo su vida sentimental y personal, sin regalar mucha evidencia y destaparse de manera tan salvaje. Es por eso que la película funciona bien. Un ritmo casi que va de pareja en pareja, en donde el personaje de Allen es que el mueve todos los cambios emocionales de una y otra. Su enamorada, una chiquilla de 17 años jajaja, es tan distinta a él, que casi parece una hija.... por la manera como él le enseña sobre cultura, sobre gustos, sobre la vida en sí. Creo que esto demuestra muchas veces la verdadera psicología de una pareja, cuando te encuentras con alguien a quien terminas tratándola como una hija y no como una novia.

Dos parejas que ni saben lo que esconden una
de otra.

La obra cumbre de Woody Allen es ésta. "Manhattan" divide en dos la filmografía del genial director neyorquino, ya que dejó de lado, al fin, el humor de gags por un cine más acorde a lo que piensa y siente. No digo que haya estado mal que incursione en el género comedia, pero le sienta mejor este tipo de historias, llenas de sarcasmo y drama, en donde cuenta de manera creíble, historias que uno mismo puede vivir a lo largo de su vida. 
Vendrían películas que también serían comedia, pero usando un humor más adulto y sin aquella gracia de los primeros años. 
Con "Manhattan" se supo que Woody Allen era /y es/ uno de los mejores y grandes directores de estos tiempos.


Puntaje: 10 puntos.

LOVE AND DEATH (1975)

Dirigida por Woody Allen.

Ya con "Slepper" el genial director neoyorkino había advertido que se disponía a cambiar su tono humorístico por algo más complejo y dejar de lado los gags para meter más brillo a sus guiones. Y es que se admira demasiado el crecimiento de Allen como director en sus primeras 6 películas, antes de que dirija "Annie Hall", que sería la pieza que cambió por completo el giro argumental de su obra. Con "La última noche de Boris Grushenko", título en castellano que llevó esta película que describo, Woody terminó por convencer al público y a la crítica, que su cine ya no sería tan solo de humor físico y convencional, sino que añadiría magníficos diálogos y escenas elocuentes que dotarían de un mejor y complejo argumento a sus películas.

Un capitán moreno en el ejercito ruso. Bizarro.

"Love and death" es graciosa. Tiene un humor vivaz e inteligente, con diálogos que invitan a la sonrisa inmediata, por su humor ácido y mordaz. Es increíble, por ejemplo, ver a un oficial negro en un ejercito ruso, clara muestra del sarcasmo de Allen para armar sus escenas. O como intenta por todos los medios no enrolarse en el ejercito, pese a la insistencia de sus familiares y amigos. Obviamente me refiero a Boris, personaje principal de la película, que es interpretado por Allen y en donde pone de manifiesto sus grandes dotes como actor cómico. Como pareja tiene a Diane Keaton, quien hace de Sonja, la prima de Boris, de quien esta perdidamente enamorado debido a su inteligencia y forma tan filosófica de ver la vida. Y es que el cobarde de Boris sabe que no merece a Sonja, a quien otros la pretenden, como sus hermanos, quienes sí tienen el merecimiento de recibir el amor de ella, por ser reconocidos como valientes guerreros.

La extraña relación de Boris con la muerte.

La película está ambientada en el siglo XVIII (si mal no recuerdo), cuando Napoleon intentaba invadir Rusia, y estos no querían que aquello suceda.

Boris debe enrolarse al ejercito, pero su manera de ser tan cobarde hace que se meta en mil y un líos, tanto así que logra atrapar soldados franceses de manera accidental, siendo considerado un héroe nacional x el pueblo, consiguiendo la aprobación y respeto por parte de su familia, quienes desde aquella fortuita proeza, lo admiran y alaban. Incluso Sonja, quien pese a estar casada, tiene cierta atracción por su primito.

Sonja, el gran amor de Boris.

"Love and death" nos muestra a un Woody Allen más maduro para escribir guiones y con un humor cada vez más fino. Uno puede notar el ligero cambio con respecto a sus primeras películas, ya que deja de lado el humor físico y los gags de oficio, para darle mayor prioridad al guión y a la historia en sí. Sorprende mucho el diálogo filosófico (bien sarcástico) que tienen Sonja y Boris, en donde se ponen a discutir sobre temas diversos, empleando un rico lenguaje y denotando que hay cierto sarcasmo en su diálogo. Y es que Woody comienza a demostrar lo abierto que es para hablar de cualquier cosa en sus películas. Pone ya de manifiesto los diversos temas que le interesan, sobretodo en lo psicológico que será la arma fundamental en "Annie Hall", la cual sería su consagración definitiva.

Una película que me hizo reír y que considero la mejor comedia de ese ramillete de películas que fueron la previa a Annie Hall. 

Puntaje: 7 puntos.

SLEEPER (1973)

Dirigida por Woody Allen.

El quinto film de Woody llegaba de menos a más. Ya se le notaba cada vez más exigente con sus guiones y sus formas de hacer reír. Se le notaban las influencias y la manera tan sarcástica de intentar meter mensajes políticos en sus historias, sin ser tan directos. Esa pizca de humor sarcástico lo comenzaba a dominar bien. Pero lo que más se rescata de "El dormilón" es que ya comienza a emplear buenos diálogos y las escenas de humor ya no se basan tan solo en gags (humor físico).

Los rebeldes que apresan a Miles.

La historia se plantea como futurista e intenta ser como un "homenaje (muy entre comillas) de películas de ciencia ficción y algo del humor de grandes influencias de Allen, como lo son Chaplin y Buster Keaton.

La historia de Miles Monroe (interpretado por el propio Woody) nos muestra a un tipo que es congelado por error, permaneciendo en ese estado durante una buena cantidad de años. Al despertar se da cuenta que está en el futuro (año 2173) y que todo ha cambiado. El futuro lo toma de sorpresa y se siente como en otro planeta. Es aquí que Allen comienza a manejar los hilos de la historia de gran manera, usando un adecuado sentido del humor e intentando parodiar escenas de otras películas, con relativo éxito.

Escenas cómicas como ésta, abundan.

Lo realmente gracioso es como intenta mostrar a ciertos personajes, relacionándolos con personas de la vida real, en lo que podría llamarse una parodia. Así vemos que Miles es confundido por una horda rebelde, como el gran salvador que viene a rescatar a una nación de las fauces de un cruel dictador quien los domina hace buen tiempo.

Lo toman como el salvador, el cual eliminará al dictador y liberará a la nación. Es un pensamiento que no comparte Miles, confundiendo a los rebeldes quienes lo toman como enemigo, apresándolo e intentando que este asimile el nuevo sistema que ellos tanto detestan.

Diane Keaton en la primera película de Woody en donde
aparece.

La película cuenta con momentos hilarantes, como la del atentado contra el dictador, en donde una bomba estalla y destruye todo menos su nariz, la cual será la que continúe con la cruel dictadura. Ese humor más construido y con un mejor guión, es el que Woody iría repitiendo en sus posteriores películas, adecuándose cada vez más al giro trascendental que daría en su carrera, el cual lo consagraría como el gran director que es en la actualidad.

Puntaje: 5 puntos.

TODO LO QUE SIEMPRE QUISO SABER SOBRE EL SEXO, PERO NUNCA SE ATREVIÓ A PREGUNTAR (1972)

Dirigida por Woody Allen.

La cuarta película dirigida por el gran Woody Allen, traía consigo una estructura poco convencional en cuanto al cine de humor que venía haciendo. Y es que esta película se divide en pequeños segmentos que tienen como tema principal, algunas cuestiones sexuales que eran interrogantes para la época en que transcurren los hechos (hablamos de los años 70s).

Desde los productos afrodisiacos que ayudan a implementar el estímulo sexual, hasta la interpretación actoral de como actúa el cuerpo humano (internamente) al momento del acto sexual, con las previas y las probables dificultades que suelen ocurrir en el durante.

El bufón clásico.

En forma de parodia, Woody esta presente en la mayoría de sketches, en donde nos muestra diversas interrogantes que uno se hace y que están inmersas en lo que comúnmente se conoce como "psicología sexual".

Como el tema sobre los afrodisiacos, en donde se intenta aclarar la duda de que si estos productos son eficaces y ayudan efectivamente a la actividad sexual (aunque sea en algo).

La explicación chistosa sobre lo que significa la "sodomía", es parte de uno de las secuencias de la película, en donde Allen despliega el humor que ya es muy conocido en él, para explicar en forma sarcástica, lo que algunos conoces como sadismo.

Integrantes del organismo humano.

Otro tema tocado es la imposibilidad de las mujeres para llegar a conseguir un orgasmo, y el director expone las razones por las cuales algunas de ellas no pueden acceder a este intenso placer. Así como el tema de las perversiones sexuales, en este caso, las más particulares y extravagantes son las que se ponen de manifiesto.

El tema de los experimentos sexuales debe ser el más flojito de todos los temas tocados durante la película, ya que no hay muestras de un humor de peso y que al menos tenga cierta gracia.

Woody haciéndola de espermatozoide.

El tema de "Son homosexuales los travestis?" habla sobre los drag queen, en mi percepción. Aquellos varones que se ganan la vida vistiéndose de mujer en centros nocturnos, u otros hombres que por necesidad, deben acceder como último recurso a esta forma de vida nocturna, no dejando de lado su sexualidad x completo. Un tema muy complejo que es tocado con tino.

Por último, la secuencia más recordada es cuando se toca el tema de como actúa el cuerpo humano ante una eyaculación, sobretodo masculina. Vemos que como si fuera un robot, el interior del organismo está comandado por hombres, quienes manejan computadoras con las cual controlan cada uno de los organos del cuerpo. La interpretación de Woody como un espermetazoide, es graciosa. La forma como nos muestran al cuerpo humano varón por dentro, es original y muy chistosa.

En suma, es una película divertida y que deja por lo alto el sentido del humor del director neoyorquino. Nuevamente apuesta a seguro y consigue hacernos reír. Solo que esta vez quiso ir un poquito más allá.....aunque todavía no se arriesgaba del todo a hacer el cine que en verdad tenía en mente.

Puntaje: 7 puntos.

INTERIORES (1978)

Dirigido por Woody Allen.

Luego de ganar casi todo con "Annie Hall", pareciera que Woody buscaba algo más que un reconocimiento a su carrera. Buscaba el seguir otros caminos, el experimentar con otros ritmos a los cuales aún no había llegado a explorar. Recordar que antes de dirigir esta película, Allen había actuado y dirigido en puras comedias, que fueron bien recibidas por público y crítica, pero que al parecer no era la etiqueta en la cual se quería encasillar de por vida. "Interiores" representa el giro radical de su habitual comedia a un melodrama de tendencias europeas que sorprendió a más de uno (me incluyo).

Las tres hermana mirando el horizonte.

Aquí se resalta el valor femenino y la problemática interior que atraviesan tres hermanas cuando ven que sus padres, luego de varios años de casados, deciden separarse y reiniciar su vida.

Se conjugan aparte de las personalidades de la hermana, una atmósfera fría y desolada. Unos interiores que nos muestran la melancolía que no solo abunda en lo interno de una persona, sino también, en las gélidas paredes de los hogares de cada una de las protagonistas, así como también la distancia que comienza a aparecer entre ellas y sus parejas, en donde los miedos ocultos comienzan a ser notorios, tanto en lo que respecta al amor como en la rama profesional.

Los problemas de pareja también aparecen
en la historia.

Allen se inspira en demasía de su gran influencia (e ídolo) Ingmar Bergman, a quien asimila su manera tan silenciosa de mostrar las escenas y aquella atmósferas que pintan de cuerpo entero una secuencia. El silencio abunda en tomas largas, e incluso desde el inicio, aquel prólogo que por lo general va acompañado de música jazz, como siempre ha acostumbrado el director de "Manhattan".

Allen no busca llegar a todos con este drama, más bien, como dije al principio, toma muchos aspectos del cine europeo, al cual hizo referencia en una entrevista en donde dijo que "Interiores" iba dirigido al mercado europeo, acostumbrado a un cine algo complejo y poco convencional. Y vaya que lo es.

Geraldine Page interpreta de gran manera
a la madre de las hermanas.

A partir de "Interiores" se nota el cambio total de Woody en la dirección. La madurez que adquiere aquí, ya no se le irá en el resto de su carrera, con tropiezos o sin ellos, pero se animó siempre a explorar otros caminos y a retomar, de vez en cuando, al sentido del humor del cual tiene bastante pasta.

Una película que intenta acercarnos al interior del sentir de cada una de las tres hermanas, quienes ven como su madre enferma (una conducta obsesiva, producto de una enfermedad mental) se pierde en la neblina de su confusión, y su padre intenta retomar su vida, casándose con otra mujer "normal", a la cual.... sus hijas deben aceptar y asimilar que sus padres deben separarse.

Cada una lo siente de una manera diferente y eso nos muestra Allen en su película, la cual me pareció agradable y poco digerible para un público común por sus extensos silencios. Eso sí, los diálogos son buenos. Siempre los guiones de Allen responden. Son parlamentos tan agradables, que uno se conecta con el concepto que transmiten.

Puntaje: 7 puntos.

YOU WILL MEET A TALL DARK STRANGER (2010)

Dirigida por Woody Allen.

Es siempre un honor recibir este tipo de noticias por parte de nuestra pobre cartelera de cine limeña. El hecho de que se estrene algo de directores como Woody Allen, es un pequeño aliento para poder ir al cine confiados de que veremos algo entretenido y de calidad. Y es que el viejo Allen sabe como entretener tanto a la crítica como al público común, que siempre (sobretodo el nuestro) espera ver algo no tan complicado para sus cerebros, y que al menos, los haga pasar un buen rato. Suena discriminador o insultante, pero es la purita verdad y la completa realidad. Mientras afuera, varios films son vapuleados por el público (en su gran mayoría), acá son acogidas como grandes "films". Por eso que uno observa la cartelera limeña, y siempre se topa con películas similares entre ellas......

Sally y Greg, hija y padre respectivamente.

Últimamente Woody Allen ha decidido rodearse de repartos corales. Estos son, un buen grupo de actores reconocidos y que se reparten los papeles de una obra, sin tener alguno de ellos un rol más protagónico que el otro. Esta vez llega a Lima "Conocerás al hombre de tus sueños", que cuenta con actores de la talla de Anthony Hopkins, Josh Brolin, Naomi Watts, Antonio Banderas, entre otros. 

La vi ya hace unos meses atrás, convencido de que no sería la gran obra de Woody, pero de que al menos pasaría un rato agradable. Y es que el director neoyorquino escribe un guión por año, lo cual es la gran cualidad y virtud que tiene este genio para crear historias con suma facilidad.

Dia, la mujer que le cambió la vida a Roy.

La película se divide en varias historias que tienen mucho en común, o bueeeno, están relacionadas por algún tipo de vínculo. Si nos basamos desde la arteria mayor, este sería el caso de Alfie, un viejo que decide formalizar con su amante Charmaine (una prostituta) y dejar así a su esposa Helena, quien es una fiel creyente de todo lo que tenga que ver con el esoterismo. A causa de eso, se niega a cederle un préstamo a su hija Sally, quien vive confundida, ya que al parecer siente una fuerte atracción con el jefe de su galería: Greg. Ella siente cierto remordimiento de que confirmar esta atracción sea o bueno o malo para su vida personal en sí, ya que tendría que dejar a su esposo Roy, un escritor 

Cuando en un inicio todo era felicidad para
Sally y Roy.

venido a menos, que tuvo un "best seller" con el primer libro que publicó, y que ahora vive en una inmensa laguna creativa, ya que no puede escribir otra cosa que intente ser mejor o al menos igual que su primera obra literaria. Esta preocupación lo sumerge en una fuerte depresión, de la que saldrá al conocer a Dia, una musicóloga que vive al frente de su edificio, a la cual siempre ve tocar la guitarra de una manera sensual, logrando así que calme en cierta parte su frustración creativa.

Así como ven, todas estas historias están casi relacionada una de la otra, y la gran forma como Allen las articula las hace coherentes y entretenidas, sobretodo cuando se va acercando el desenlace y comienza a entenderse el porque del título de la película.

La película la estrenan en unos días en el cine y es una bonita oportunidad de ver la penúltima película de este genio norteamericano, quien en la actualidad ha estrenado "Midnight in Paris" (su última obra) con un gran recibimiento por parte de la crítica internacional, considerándola  una gran película desde "Match Point".

Espérenla en el cine que ya llega.

Puntaje: 7 puntos.

What's up, Tiger Lily? (1966)

Dirigida por Woody Allen.

La primera película de Woody Allen tenía que llevar un sello especial. Y aunque para muchos, ésta película no figure mucho en el bagaje cinematográfico de este gran director, hay que ser sinceros y reconocer que fue su ópera prima en dirección. Es sabido que Allen escribe sus propios guiones (es un genio en la materia, ya que crea y dirige una película por año), y con esta tuvo una particular imaginación.

La película en realidad es un film japones de espionaje, el cual fue totalmente cambiado en montaje, sonido y se le agregaron escenas extras para completar un nuevo guión.

Un afiche de la película.

Me explico mejor. Las escenas ya habían sido grabadas con anterioridad para un film japonés. Es decir, la película ya existía como tal. La idea de los productores, era tomar las imágenes y simplemente crear un nuevo guión, una nueva banda sonora y montar las escenas de acuerdo a un sentido común.

Es decir, del original que era una película de espionaje, pasó a ser una de comedia. El guión estuvo a cargo de Woody Allen, quien cambió toda la historia y simplemente grabaron nuevas voces para que pisaran las voces originales de la película.

El inicio de la película, algo raro.

Entonces hablaríamos de una "dirección" algo rara de Woody, porque el no es necesariamente quien dirigió las escenas que vi en la película, sino, su par japonés Taniguchi, quien fue el director de la cinta original.

Aparte de cambiarle las voces y la banda sonora, se le añadieron escenas extras para que tenga algo de concordancia con la nueva trama que había escrito el director neoyorquino. El detalle es que estas nuevas escenas no le agradaron para nada a Woody, desentendiéndose al final de ella, con lo cual a veces no se le relaciona mucho con el producto final. Para Woody éste no fue su primer trabajo como director, pero para críticos y para la historia, "Lily, la tigresa", es considerada su primer hijo en el cine.

Una escena de una película que solo varió en el montaje.

Que les puedo decir de la historia.....  es demasiado disparatada. El original era sobre espionaje. Ésta también trata sobre eso, solo que ahora los espías buscan las pistas para hallar a quienes se robaron la receta de ensalada de huevos duros (patético, no?). Lo gracioso es ver como un film serio, se transforma en algo tan gracioso por la forma como hablan. 

Si gustan del cine de Woody Allen, sería bueno que lo vean. Si no es así.... no hay problema. La película solo es buena para la anécdota. Nada más.