IMMORTALS (2011)

Dirigida por Tarsem Singh.

En verdad que no esperaba mucho de esta película, pese a que en su reparto contaba con nombres importantes como los de Mickey Rourke o John Hurt, ya que me daba la sensación (tan solo viendo quien la dirigía) que se trataba de otra pela basada en la mitología griega con el afán de mostrar sangre, cuerpos fornidos y épicas batallas. En esto último si que hubo ligeras falencias y cierta decepción, porque se valieron de promocionarse como una especie de nuevo "300", ya que contaban con los  mismos productores.

Teseo tendrá que luchar por salvar al mundo.

Me imagino que a cualquier persona que le interese todo ese mundo de la mitología griega, esta película le debe haber resultado un fiasco total, sobretodo por la forma como presentaron a los Dioses del Olimpo. Si bien es cierto que la historia es algo inventada (hay una ligera base de hechos reales, pero no es completa), se perjudicó demasiado a la historia con la elección de los actores que harían el rol de Dioses. Jamás me enteré quien era quien, a menos que la nombraran o que tuviera algún tipo de herramienta que los caracterice. Fue una decepción tremenda el verlos luchar y morir de la manera más tonta.....y alterar por completo el curso de la mitología (a Poseidon lo tratan peor que a un perro).

Los Dioses del Olimpo y sus trajes dorados.

Los escenarios estuvieron en algo pero creo que se abusó mucho en el drama, dejando los efectos visuales en un segundo plano. Lo único que rescato de toda la película, es la actuación de Mickey Rourke como el malvado rey Hiperión, a quien el actor dotó de una actitud malvada que tan solo con la forma de hablar se sentía. Muy bueno en ese aspecto su interpretación, pero de ahí en más......no pude ver algo que me hiciera acordar a "300", ni la fotografía,  ni la acción ni los rasgos mínimos de una historia ambientada en la mitología griega.

No me gustó por la deformación que sufrió la historia como tal y por como se mostró a los Dioses, como si fueran caballeros dorados de Atena (como los dibujos de "Saint Seiya", porque parecía que se basaban en eso).

Una película más que promete mucho y se queda sin mostrar nada. De aquellas que el futuro se encarga de dejarlas en el olvido.

Puntaje: 3 puntos.

UN AMOUR DE JEUNESSE (2011)

Dirigida por Mia Hansen-Love.

Dicen que el primer amor es algo que uno llevará en el recuerdo por el resto de su vida. Dicen que también que el sentimiento aquel es difícil de olvidar y que estará siempre presente cuando se vuelva a sentir, el recuerdo de aquel quien fue el primero. Para agregar más a esta introducción, decir también que quizá el primer amor sea el más inocente y sincero que pueda existir, ya que luego de varias experiencias, como que uno va perdiendo la autenticidad y la confianza de mostrarse tal y como es.

Una historia sobre el primer amor.

Esta cinta francesa nos cuenta algo sobre el primer amor, pero de una manera más real y menos melodramática, porque en el cine convencional existe mucha exageración sobre este tema en particular.

La directora nos expone a dos jóvenes quienes viven un amor apasionado. Camile tiene 15 años y Sullivan es algo mayor, tiene 19. Ambos están enamorados aunque no de la manera en que uno se imagina (aquí se rompen varios estereotipos). No son el tipo de chiquillos que se ven a diario o que son demasiado mimosos el uno con el otro. Tampoco hay el romanticismo banal que se ven en películas del género, en donde el drama abunda de manera insoportable. No, ellos son una pareja que intentan expresar su amor a su manera, en donde el sexo tiene un rol importante (en el mundo real, las parejas jóvenes tienen relaciones a esa edad, algo que sociedades conservadoras y cerrada no quieren aceptar aún).

Camile intentará huir del recuerdo de su primer amor.

La dificultad nace cuando Sullivan decida viajar a Sudámerica para buscar suerte e intentar encontrarse consigo mismo. Esto rompe por completo los planes de "relación larga" de Camile. 

Al partir el chico, Camile tendrá que vivir con el recuerdo de su primer amor durante los próximos años, intentando olvidarlo con citas, salidas, reuniones, estudios, etc, intentando proseguir con su vida de tal manera que el recuerdo quede en eso, un recuerdo.

Pues el primer amor siempre te deja marcado y a veces se cae en el error de comparar a todas las relaciones futuras, con el que inicio el camino del amor en una persona. Camile luchará contra eso, creciendo y viviendo en un mundo que la hará extrañar cada vez más su adolescencia.

Una buena película como para recordar que todos fuimos adolescentes y que tuvimos que afrontar la partida o finalización de aquel primer amor.

Puntaje: 7 puntos.

AWAKENINGS (1990)

Dirigida por Penny Marshall.

Que importante es la relación entre un paciente y su médico. El vínculo que va naciendo entre ambos es vital para la mejoría del enfermo y para el aprendizaje del galeno, convirtiendo a esa relación en algo más que una mera relación médico-paciente. Va algo más allá, en donde la ayuda de uno, beneficia al otro, siendo la mejoría del enfermo, la mejor ayuda profesional para un médico, porque resalta sus dotes como tal y lo incentiva a seguir investigando, a seguir insistiendo y amando a su profesión.
En "Despertares" se cuenta la historia, que está basada en un libro autobiográfico, del doctor neurólogo Oliver Sacks, quien descubrió ciertos beneficios que daba una droga en pacientes que sufrían encefalitis letárgica.

El doctor Sacks observando a Leonard y su enfermedad.

Era como una nueva oportunidad de vida para estos pacientes, quienes tenían que depender de alguien para atender sus necesidades, sin poder comunicarse ni desplazarse, viviendo prácticamente como seres inertes e imposibilitados de una vida normal.
El doctor Sacks tenía la esperanza de que con esta droga cure de aquel mal a dichos pacientes, pese a que sus colegas no creían para nada en él.
Leonard Lowe era uno de los pacientes del hospital en Nueva York, donde el doctor trabajaba. Este paciente era especial para el doctor, ya que en una acción de reflejos, le demuestra que dentro de aquella apariencia exterior que lo describía como un enfermo que había perdido todo tipo de funcionalidad motora, se escondía aún algo de razón, alguien que luchaba por dentro contra la enfermedad. Esto originó que el doctor estudiara más sobre la enfermedad, sus causas y sus probables curas, como la droga "l-dopa".

La relación médico-paciente se volverá más íntima.

La fe puesta por el doctor se refleja en la cura de Leonard, a quien se le suministra la droga en contadas ocasiones, despertando una noche como un ser normal. Esto incentiva al cuerpo médico, que dispone que todos los pacientes sean medicados con dicha droga.
La película resalta la labor del doctor y su anhelo porque estos pacientes salgan de esa terrible enfermedad. Si bien es cierto la droga tendrá solución y el doctor conseguirá el respeto de sus colegas, su lado humano y relación personal con los pacientes es más importante que los elogios que recibirá.
Para él no hay mejor premio que ver a un paciente tener una vida normal y sin complicaciones, viendo como a una familia contenta y a un amigo (porque los pacientes se convierten en amigos) feliz.

Una película enternecedora que nos regala otra buena actuación de Robert De Niro, en el papel de Leonard, y a Robin Williams como el Doctor Sacks.

Puntaje: 7.5 puntos.

GEGEN DIE WAND (2004)

Dirigida por Fatih Akin.

Esta película llamada "Contra la pared" (en español) fue el punto de quiebre en la carrera del director turco Fatih Akin, quien a base de una historia de amor, no muy convencional, ganó varios elogios y premios (entre ellos el premio a Mejor Película en el Festival de Berlín) que lograron que su carrera tomara otro rumbo y se siguiera con mayor atención cada película que estrenase.

Es muy normal que películas que ganen este prestigioso festival alemán no lleguen a nuestra cartelera, porque son cintas que no pretenden ser taquilleras ni llegar a todas las masas. Quizá en Europa peguen más, por lo que se acostumbra ver allá, pero creo que con la trama de esta película.... cualquiera pudiera interesarse y hasta divertir un poco.

Una boda con poco amor (casi nada).

No es una historia de amor típìca en donde el romanticismo inunde la pantalla y se vean muestras de amor a cada instante. No.

Esta historia es algo atípica y quizá medio extraña, pero de todo puede pasar en esta vida. Cahit luego de la muerte de su esposa, vive una atormentada vida, en donde el día a día se transforma en una dura condena. Luego de intentar suicidarse estrellando su coche contra un muro, lo único que logra es el conocer a Sibel, una chica que iba al mismo centro de rehabilitación para suicidas al que él iba.

Ambos se conocen y ella le pide matrimonio (sí, no pasó ni un minuto). La razón: Sibel estaba harta de vivir con sus padres y quería escapar de cualquier modo de su casa. Al no tener un trabajo que la ayude a solventar los gastos de vivir sola, decide casarse para poder vivir con otra persona.

Sibel intentará que su vida tenga algo de sentido.

Es así como luego de ruegos y un acuerdo, Sibel y Cahil se casan e inician un nuevo rumbo en sus vidas que cambiará por completo sus destinos.

Ella acostumbrada a acostarse con diversos chicos y vivir una vida llena de libertades, él con su bohemia de todos los días: alcohol y cocaína.

La película nos va mostrando dos vidas que iban camino a la autodestrucción, pero que cuando se juntan generan algo más de interés sobre lo que viven y sobre lo que les vendría en el futuro. Son seres que no le encuentran sentido a la vida a causa de las adversidades, pero que de algo insignificante y casi desapercibido (como lo fue su encuentro), le encuentran algo de motivación y tendrán que convivir con el hecho de que ambos no se aman, no se quieren y en cierta parte no se soportan.

Los giros que da la historia son lo mejor que tiene la cinta de Akin, quien demuestra que de una historia algo inusual, se puede trasladar a la realidad y complementarse bien con factores que ayudarían a que quizá esto veamos en alguna pareja o en alguna situación de la cotidianidad.

Puntaje: 8.5 puntos.

ZELIG (1983)

Dirigida por Woody Allen.

Antes que se hiciera "Forrest Gump" y conociéramos su historia de una manera amena y entretenida, el genial Woody Allen había llevado a la pantalla grande la historia de "Zelig", un hombre que tiene una extraña habilidad que le permite cambiar su aspecto dependiendo en el ambiente que se encuentre, osea, es un camaleón. Esta cinta de Allen es algo experimental debido a que el director neoyorquino fabrica un falso documental, algo que no era muy usado en aquella época, y el lenguaje narrativo que se utiliza, era innovador.

Leonard Zelig en una foto de postal.

Leonard Zelig es un personaje inventado por Woody Allen, a quien él mismo caracteriza. La historia se cuenta en forma de documental, en donde se nos hace un recorrido histórico sobre la vida de este personaje, que tiene la particularidad de ser un tipo camaleónico, ya que cambia su apariencia de acuerdo al medio en que se desenvuelve.

Este sujeto es estudiado y seguido por la psicoanalista Eudora Fletcher, quien busca analizar la mentalidad de Zelig debido a que es muy extraña su forma de ser. En base a testimonios y presentación de hechos, se va contando detalles sobre la vida de este personaje, que incluye la transformación de Zelig en diversos ámbitos en los que ha estado. 

Los primeros estudios clínicos.

Esta película utiliza efectos novedosos para la época e innovación en la manera en como se cuenta la historia. Los efectos se notan cuando Zelig aparece en un video de Adolf Hitler, que debe haber servido de inspiración para que años después, Robert Zemeckis tomará esta escena para utilizarla en las diferentes apariciones que tuvo Forrest Gump en pasajes de la historia.

Otro efecto que se nota es la calidad de la imagen que se ve. Se dice que los técnicos pisotearon y ensuciaron la cinta para lograr que se vea como antigua o sucia. El resultado es efectivo.

Una buena cinta que muestra a un Woody Allen experimental e inquieto, ya que se nota que quería hacer cosas distintas por esa época. Alguna veces le salieron bien, otras no.

Puntaje: 7.5 puntos.

A BRONX TALE (1993)

Dirigida por Robert de Niro.

La primera película dirigida por De Niro tuvo que ver bastante con el tipo de películas que lo  habían encumbrado como uno de los mejores actores de todos los tiempos: el género gangster. Y es que no podía escapar de aquella trama por mas que quisiera, ya que sus grandes papeles han tenido que ver con el hecho de interpretar a personajes de la mafia o estar simplemente envuelto en una trama donde la mafia sea la tácita protagonista.

Lorenzo y su familia viven en un barrio algo
peligroso.

De Niro está delante y detrás de cámara en este proyecto,ya que interpreta a un padre que trabaja honradamente por el bienestar de su familia, viviendo en un barrio italiano, en donde las mafias callejeras gobiernan el lugar. Pese a todo eso, Lorenzo (De Niro) se gana la vida de la manera más honrada que puede, sacrificando de todo para que a su familia no le falte nada y para que su hijo crezca de manera educada y sin tener ningún tipo de influencia callejera.
Ahora, lo del niño me hace recordar  tanto a "Goodfellas" y "Erase una vez en América", porque es un chiquillo que crece en un barrio lleno de mafiosos que se muestran con sus lujos y poder, atrayendo la atención de chicos como él, quienes ven a esos tipos como seres intocables.

Sonny educando al joven Calogero, en la escuela
de la calle.

El dinero fácil, los coches de lujos, el respeto en base a disparos, las noches de bohemia y tantas otras cosas, van llamando la atención del niño, quien ve como los magnates de la mafia viven tranquilamente, mientras que su padre sufre demasiado para llevar el pan a la casa.
Es así como el niño crece en medio de dos pensamientos totalmente distintos: el de su padre y el de Sonny, un mafioso local quien se encargaría luego de apadrinar al niño de nombre Calogero.
"Una historia del Bronx" intenta reflejar en sus escenas lo que ocurre en ciertos barrios de aquella zona llamada Bronx, en donde la inocencia infantil es capturada por aquellos mafiosos o gente de mal vivir, inculcando en ellos una vida llena de problemas, asesinatos y lujos efímeros.

Calogero al ir creciendo, se dará cuenta que no todo en la vida es fácil, y lo que llega de manera sencilla, es porque antes se pagó un precio alto por ellos. Lo que muchos llaman decisiones.

Puntaje: 6 puntos.

ALIENS (1986)

Dirigida por James Cameron.

Muy pocas veces una segunda parte puede ser mejor o idéntica en calidad a su antecesora. No quiero decir con esto que "Aliens" sea mejor que la película dirigida por Ridley Scott, quien inició todo este universo alienígena, pero si debo destacar la chamba de Cameron quien dotó a la secuela de una calidad impresionante (para la época) y la colocó en el sitial en la que está en la actualidad: una de las mejores cintas de ciencia ficción.

El largo viaje y el sueño de los tripulantes.

Aparte de sorprender a todos con buenos efectos visuales y continuar con aquella atmósfera claustrofóbica y oscura que tenía la primera cinta, Cameron se dedica también a contestar algunas preguntas que habían quedado sin respuesta en el anterior film y que ahora sí pudieron ser esclarecidas del todo.

"Aliens" continua la historia de Ripley, quien luego de escapar con vida de Nostromo, nave espacial que sufrió la invasión de un alien, quien acabó con toda la tripulación pero que no pudo vencer a la joven astronauta.

Ripley escapó y fue hallada por otra nave terrestre, quienes luego de realizar varias preguntas y no creerle el floro del alien, decidieron mandar una expedición a una colonia (planeta) en donde no pueden establecer comunicación, necesitando saber qué es lo que sucede.

Ripley tendrá que enfrentarse de nuevo a su peor
pesadilla.

Otro viaje, nuevos peligros. Así es como de antemano sabemos que en este nuevo viaje, el viejo temor de Ripley volverá a aparecer, pero esta vez ya no solo será uno.

Muy buena la forma en como Cameron presenta la cinta, agarrándose del suspenso que provoca un lugar desolado y espacios oscuros para joder a todos con el temor de que aparezca un alien en medio de la oscuridad. Ese juego de suspenso y acción es lo mejor de la película, que responde a ciertas interrogantes sobre el mundo alien y sobre cómo es que estos seres nacen. Su ciclo de vida es contado con detalles, cambiando la percepción que tenía Ripley sobre aquello, en la primera cinta.

Eso alteró  en algo lo que había creado (e imaginado) Ridley Scott en la primera cinta, con lo cual se da un vuelco terrible a la historia y que sirve como guía para posteriores secuelas, que hasta ahora no han podido igualar en calidad a estas dos primeras cintas.

El mundo alien aún puede ser explorado.

Puntaje: 8 puntos.

THE EDUKATORS (2004)

Dirigida por Hans Weingartner.

No es una película de profesores. Tampoco de personas que se dedican a dictar clases o que enseñan algún tipo de arte o ciencia, nada que ver. Estos educadores vienen con la enseñanza de la vida, explicándolo de cierta manera. Y es que como si fueran una especie de Robin Hood moderno, aunque ellos no robaban a ricos, sino que en base a acciones diversas, van metiéndose a viviendas de familias adineradas, a enseñarles que su tiempo de abundancia ya está por terminar.

Julie, Peter y Jan.

Se pone de manifiesto algo que siempre ocurre en las generaciones jóvenes de cada época o de cada década, ese afán de perseguir ideales rebeldes que van acorde a una actitud antisistema, que busca creer más en lo no material y un repudio total ante los ricos. En primera instancia, Jan y Peter eran dos jóvenes que se autodenominaban "Los Educadores", que fieles a los ideales en los que creían, se metían a casas de gente rica y la alborotaban de pies a cabeza. Una vez que la familia llegaba y veía que su hogar había sido profanado, se daban cuenta que no les habían robado nada, pero que alguien les había dejado una especie de lección.

Pintando un mensaje que dice mucho de lo
que piensan.

La llegada de Julie al dueto no es casualidad, ya que ella es enamorada de Peter, quien siempre la mantenía al margen de sus acciones y guardaba en secreto la identidad de "Educador" que tenía. Todo cambia cuando él se va de viaje y Julie se queda con Jan, surgiendo entre ambos una atracción. Jan le confiesa el secreto que guarda con Peter, y todo comienza lentamente a cambiar, al punto de que sus vidas corren peligro. Al regreso de Peter, Julie se encuentra en una gran disyuntiva ya que siente el mismo amor por ambos (un poliamor). 
El trío de muchachos tendrá que decidir bien que hacer de aquí en adelante, ya que sus acciones se salieron de los parámetros escogidos por "Los Educadores", quienes no se metían directamente con sus víctimas, sino que solo se dedicaban a asustarlas y darles una lección, sin estar frente a frente de ellos. Todo cambia cuando Julie conoce el secreto.

Es una historia sobre los ideales en la juventud y que tan coherentes pueden ser en esta vida real.

Puntaje: 6.5 puntos

THE EXPENDABLES 2 (2012)

Dirigida por Simon West.

Si en la primera reclamé que Stallone se excedió con escenas de dramas y que quizá debió aprovechar mejor a Schwarznegger y Willis, la productora a cargo de hacer "The Expendables 2" contrató los servicios de un nuevo director y le cambió la cara totalmente a la película. Se notó el giro en la trama, la mejoría en las escenas de acción y, lo importante, que se explotara más la acción y hubiera una muy buena dosis de humor.

Los tres rudos en acción.

Esta vez pudimos ver en acción a Bruce Willis y a Arnold Schwarznegger, algo que se extraño en la primera entrega. Los vimos como en sus viejas épocas, en donde se bajaban a ejércitos enteros, con su clásica arrogancia (sobretodo en Willis). Esta vez llenaron la pantalla a punta de balazos, sangre y alguna que otra broma, acompañando a Stallone y verlos por fin a los tres juntos en una escena de acción. Para esta ocasión la historia no mostró mucho drama ni tanta escena ilógica para una cinta de acción. Se redujo al 5% lo relacionado a ésto y quizá ni se sintió en demasía. Tal vez fue el momento en que Stallone y sus amiguitos juraron vengar a un amigo caído, en que pudimos ver algo de drama que se ajustaba a la historia, ya que aquello desencadenaría la ola de sangre y matanza que se vería.

La aparición del gran Chuck Norris.

Mención aparte merece la aparición del mítico Chuck Norris, ya que fue lo mejor (para mí) de toda la película. Y es que se ha mitificado tanto la imagen de este actor, que los memes en las redes sociales lo pintan como un ser inmortal y que nadie le puede hacer frente. Norris aprovechó esta imagen mediática que tiene para darle a su personaje esa presencia. Solo aparece entre 15 y 20 minutos en la película, pero son suficientes para dejar escenas imborrables en la cinta (la anécdota de la cobra es un cague de risa).

En conclusión, estamos ante una notable mejora en historia y ritmo que la anterior. "The Expendables 2" supera largamente a la primera, ya sea por su buena dosis de acción, porque brinda lo necesario y no aburre, y porque trae de vuelta a los héroes del pasado para que exterminen todo lo que les sale al frente.

La frase que uno piensa luego de ver la película es: Chuck Norris es el puto amo.

Puntaje: 6 puntos.

THE EXPENDABLES (2010)

Dirigida por Sylvester Stallone.

Si bien es cierto que con "Rocky" (1977) se ganó el Óscar a Mejor Película, no significa que Stallone sea un referente del cine como director o actor, porque pareciera que aquella mítica película del boxeador (que tuvo 5 secuelas) fue un buen golpe de suerte para la carrera del actor/director. Lo que si debo destacar es la manera como Stallone lleva a cabo un proyecto y lo encumbra en lo más alto de la taquilla, logrando así la suerte de que alguna productora financie futuras secuelas y tener, al menos, una pequeña mina de oro que le servirá en los próximos años. 

Lee, Barney y Toll, los "Indestructibles".

Y es que "The Expendables" no es una gran película por muchos factores. Primero porque Stallone combina más el drama que le injerta a algunas escenas, con las sangrientas y violentas imágenes de acción. Aquellas escenas "dramonas", como la del personaje de J. Statham y su novia, tranquilamente no pudieron se colocadas en el metraje final y nadie se daría cuenta de la modificación.

Otro punto al que quizá debió darle más fuerza, fue al hecho de reunir a Arnold Schawwarznegger y Bruce Willis en una sola escena (la mejor de la película) junto a él (Stallone) y protagonizar un dialogo que muchos celebraron, porque son los máximos referentes del cine de acción de los 80s - 90s. Tal vez hubiera resultado darle más tiempo a estos dos primeros personajes, que tan solo hicieron un cameo en la película.

Stonce Cold y Eric Roberts son del bando de los malos.

Algunos diálogos mal estructurados y pequeños errores en escenas de acción, es lo que pude observar en una película que su única misión es entretener y devolvernos a aquellos héroes del pasado, que solo se valían de puños y fuerza para lograr exterminar ejércitos enteros.

Otra cosa más, Stallone ya está demasiado viejo para protagonizar escenas románticas como las que se ven en esta película de acción. Es otra cosa que quizá se pudo omitir o quizá bajar el grado de protagonismo, porque lo que espera más el público de este tipo de cintas es acción por doquier y vértigo. No es lo que ofrece al 100%, notándose que a Stallone le faltó mayor experiencia como para dirigir una cinta de acción de este calibre.

Como dije al inicio, lo bueno es que para Stallone algunos se dieron cuenta que esta película podía tener una continuación y explotar de una mejor manera la historia. Es así como para el 2012 apareció la secuela, esta vez no dirigida por Stallone y superar por lejos a la primera.

La historia creo que es sencilla. Los buenos son Stallone y sus amiguitos, y hay de aquellos que se atrevan a enfrentárseles.

Puntaje: 5 puntos.

NEW MOON (2009)

Dirigido por Chris Weitz.

Vi la primera y no me dejó una grata sensación. Ya para la segunda me habían advertido que sería peor que la anterior, así que avisado del asunto, no le di tanta expectativa y lo bueno de todo, es que no salí decepcionado, porque la película era mala tal como me lo advirtieron.

Quiero ver este tipo de películas para poder tener derecho a opinar y criticar luego de la experiencia de ver este tipo de cintas y no basarme en dimes y diretes de terceros. En el cine existen películas malas y buenas. Al margen de todo eso se encuentra el gusto de cada uno, porque pese a que uno le guste tal cinta, no significa que la película sea buena (he ahí el criterio conceptual de cada uno). La saga "Crepúsculo" hasta ahora va por el sendero de las películas malas.

Jacob aprovechará la ausencia de Edward.

Probablemente la historia del libro no de para contar algo mejor, pero quizá si los directores a cargo tuvieran algo de tino, cambarían algunas cosas como para hacer un buen producto (acordarse de la vez que Cuaron dirigió "El prisionero de Azkabam" de la saga de Harry Potter, lo bien que lo hizo). 

Nuevamente Robert Pattinson no actúa bien, intentando en vano mostrarnos un personaje gélido y casi antisocial como lo es Edward, el vampiro protagonista de la historia. Cada vez que lo veo en alguna escena, no me queda claro bien de quien es la culpa, de él como actor o de quien lo dirige (quiero ver la película de Cronenberg para ver que tal actúa en serio).

Nuevamente me parece que Kristen Stewart se lleva mis mejores referencias, ya que ella si demuestra que algo de actriz tiene.

Los Vulturi, la realeza vampiresca.

El otro personaje que completa el trío de protagonista de esta nueva película de "Twiligth" es Taylor Lautner, que lo único que hace es mostrar su físico, de ahí nada más. Como actor..... lo mejor que hizo fue transformarse en lobo. Lo único.

Esta vez la pareja que conforman Edward y Bella deben separarse para que ella no corra peligro. En este periodo de separación, Bella pasará más tiempo con Jacob (el lobo), quien de a pocos irá mostrándole su verdadera identidad: es un hombre lobo.

Es así como esta nueva historia nos pondrá en la decisión de Bella: insistir en el amor que tiene a Edward, o cambiar de rumbo con Jacob.

Me faltan dos películas más por ver de esta saga juvenil, que hasta ahora no entiendo como es que ha captado el interés de tantos jóvenes. Por experiencia puedo decir que cuando es joven (13 a 18 años) siempre tiende a tener gustos que con el tiempo resultan vergonzosos. Por eso que en Estados Unidos esta saga tiene éxitos en ese público objetivo. Lo raro sería que alguien entre 23 a 27 años (o más) guste de este tipo de películas y la valore como una genialidad. Que le guste está bien, pero catalogarla como una buena película.....  

Puntaje: 3 puntos.

C.R.A.Z.Y. (2005)

Dirigida por Jean-Marc Valée.

Después de Christian, Raymond y Antoine, en la navidad de 1960 nace Zachary, al que seguirá su hermano Yvan. La familia de Zac es una familia católica y conservadora normal, con una madre que les quiere y un padre orgulloso de sus hijos. La película nos llevará a través de las vivencias de Zac, el favorito, hasta que sus tendencias sexuales lo separan en su adolescencia de su padre, debido a la homofobia de éste, llegando a su madurez, en un viaje cuyo fin no está muy claro.

Los cinco hermanos, cada uno diferente del otro.

Entonces, la historia se cuenta desde la perspectiva de Zac, su crecimiento, despertar sexual, adolescencia y posterior juventud, siempre acompañada de sus padres, cuya madre siempre pensó que él tenía un don especial de curar a la gente, algo que lo convertía en el "raro" de la familia.

"C.R.A.Z.Y." es una película que a mí me dejó la sensación de ver aquella clásica relación entre un padre y su(s) hijo(s) varón(es), ya que esta afinidad siempre es especial y muy diferente al que se siente por una hija. Se torna algo fría y distante, sin muchas expresiones de por medio pero siempre con ese respeto y esa figura de "intocable" que un padre va adquiriendo con el pasar del tiempo. Pues bien, en esta historia son 5 hijos varones los que tiene la familia, cada uno con una personalidad diferente y actitud diferente a la vida, lo cual ocasiona en contadas ocasiones un terrible dolor de cabeza al padre.

Zac tendrá que definir que sexualidad seguir.

Pero son Christian (el mayor) y Zac los que más líos generarán en la familia, ya que ambos se guardan un odio particular el uno por el otro. El primero se vuelve drogadicto con el correr del tiempo y Zac no se identifica aún con su sexualidad, generándole ciertas burlas en la escuela y un gran problema con su padre, quien no quiere que ninguno de sus hijos sea gay. Es así como vemos la relación de este padre orgulloso con sus hijos, que pese a todo tipo de problemas que surjan, él seguirá al lado de ellos, al igual que la madre. 

Y es que en toda familia pasan problemas de esta índole, y no importa en que tiempo fue, seguirán habiendo igual. Cabe resaltar que la historia está ambientada en los 70s y que se escuchará buena música de Pink Floyd, Rolling Stone, David Bowie y tantas otras bandas de la época y anterior a ésta.

Al final de la historia, se revela el significado del nombre de la película, cerrando de buena manera una historia de gran valía.

Puntaje: 7.5 puntos.

RICKY (2009)

Dirigida por Francois Ozone.

Cuando Katie, una mujer ordinaria, conoce a Paco, un hombre ordinario, algo mágico ocurre: se enamoran. De su amor nacerá un bebé extraordinario: Ricky, un ser capaz de volar. Y vaya que la película es una sorpresa total, sobretodo para mí que estoy acostumbrado a ver un cine francés algo más complejo y que no se torna tan ficticio.

Esta cinta francesa podría ser comparada con un cuento o algo parecido, porque intenta transmitir una moraleja o un mensaje al final de la misma, que no se llega a entender pero que se siente la intención.

Ricky no es un bebé normal. Puede volar.

Ozon de nuevo me muestra una historia con un desenlace que te deja pensando (vi "Swimming Pool" y tuve casi la misma sensación al final) y te deja creyendo que hay algo como trasfondo que se intenta comunicar. Quizá la libertad, quizá el amor fiel de los padres o quizá simplemente Ozon no quiso comunicar nada.

Me gustó la manera tan real como nos muestra a un bebé que vuela, con todo el alboroto que generaría en una ciudad y en un mundo en donde ahora todo se informa a través de personas comunes, con las herramientas de las redes sociales, en donde cuelgas un video y todo el mundo lo puedo ver, generándose así una noticia.

La familia completa.

Otra de las cosas que me gustó es la actuación de Alexandra Lamy, quien interpreta a la madre, mostrándose como una persona natural y ordinaria, que no se asombra con nada de lo que sucede, mostrando que las madres son así: quieren a sus hijos tal y como son. Quizá el melodrama se asoma en algunas ocasiones, pero no llega a mostrarse por completo (agradezco eso al director francés), ya que la historia camina por un sendero ligado con lo fantástico (es casi un cuento).

"Ricky" es una historia divertida que tiene mucho del cine francés que se conoce. Si alguien la ve, notará que la hija de la familia (hermana de Ricky) pareciera que esconde algo que jamás se sabrá que es, porque este director francés es de aquellos que les encanta dejar con la duda a todo aquel que se anime ver una película suya. Ya me sucedió dos veces.

Puntaje: 7 puntos.

EL FARO DEL SUR (1998)

Dirigida por Eduardo Mignogna.

Hay historias que no necesitan ser un dramón durante todo su metraje para causar cierta congoja. Es ahí donde radica la habilidad del director para clavar las emociones justo en el momento preciso y dejarte una sensación de tristeza (y quizá pena) en una historia que fue contada de manera suelta y sin mucho rodeo. Pues bien, en "El faro del sur" sucede lo mismo y de la manera más ejemplar.

Al ser una película argentina, fue rodada en algunos parajes uruguayos y tuvo como protagonista a una joven actriz española que iba en ascenso por aquel entonces: Ingrid Rubio. A su lado estuvo la debutante Jimena Barón, quien realiza un buen trabajo a pesar de contar con 12 años por aquel entonces.

Meme y su sonrisa que buscaba borrar el
pasado.

Esta historia es sobre dos hermanas y sobre la forma tan jodida como la vida las trató. Perdieron a sus padres en un accidente de tránsito (en donde ellas salieron con vida) y desde ese momento su vida fue una suerte de sobrevivencia.

Carmela, o conocida por todos como Meme, la hermana mayor, quedó coja luego del accidente e intentó ser el sostén y cuidar de su hermana menor, Aneta, con lo cual empezaron a viajar a varios lugares de Uruguay y Argentina, con la finalidad de encontrar un lugar estable que las cobije. 

La película nos muestra más el protagonismo de Meme, quien es la que carga con todo el dolor que la vida les deparará a ambas hermanas, haciéndola de escudo protector para que su hermana no sufra todo lo que ella padece.

Dos hermanas juntas en todo: Meme y Aneta.

Las consecuencias del accidente poco a poco irán mermando en la salud de Meme (la cojera) y veremos como ambas afrontan cada momento gris que el destino les tiene deparado.

No es una historia triste porque no se siente la tristeza en ningún momento de la historia. El director la pone como una historia que le puede pasar a cualquiera sin exageraciones de por medio.

Quizá ese es el punto fuerte de la película, el mostrarnos una historia fuerte en actuaciones pero sin tener que caer en un melodrama. Como escribí al principio, solo al final de la historia se siente algo de tristeza y se llega a comprender todo lo que se quiso comunicar en la misma.

Otro adicional, que confundió un poco, es la manera como se juegan con los tiempos en la historia. No sigue un orden cronológico y al principio eso me perdió un poco, pero luego fui comprendiendo hasta enlazar todo como debe ser.

"El faro del sur" cuenta con un importante elenco que no resalta tanto como la actuación de las dos protagonistas (las dos hermanas). Acompañan a ambas: Ricardo Darín, Norma Aleandro, Boy Olmi, Nolberto Díaz, entre otros.

Una historia de dos hermanas que sobreviven pese a todo y le sonríen a la vida con la fe de que la felicidad existe en algún lugar del mundo.

Puntaje: 9 puntos.

I SPIT ON YOUR GRAVE (1978)

Dirigida por Meir Zarchi.

Esta debe haber sido toda una cinta de escándalo para la década de los 70s, en donde ya se animaban por explorar otras vertientes en cine y música, siendo quizá la onda de violencia una de las más exploradas. Quizá uno cuando vea esta película, no verá tanta sangre o tanta degradación como lo que se ve ahora, pero el solo saber que una mujer es la protagonista de torturas y violaciones, es suficiente para creer que estamos ante una cinta que no es apta para todos.

Imágenes como ésta, obligaron a que la cinta sea
prohibida en varias salas del mundo.

Y es que con estos factores de ultra violencia, la película fue censurada en varios países del mundo por lo que se mostraba en gran parte de la historia: una mujer violentada a mas no poder por cuatro sujetos.
Y todo inicia como cualquier cinta que he visto de este tipo ("Eden Lake", "La última casa a la izquierda", "Funny games"), una chica se va de la ciudad, buscando tranquilidad en un casa cercana a un lago, en donde todo es paz, relax y serenidad. Jennifer se aloja en una casa alejada de todo y de todos, en donde desea escribir un libro e inspirarse mejor. Lo que parecía ser un viaje de relajo, se convierte en su peor pesadilla cuando un grupo de sujetos se dan cuenta de su solitaria presencia y deciden someterla a violaciones, humillaciones y golpes.

Jennifer en la tranquilidad del lago.

Pero los tipos cometen un grave error: uno de ellos tenía que matarla, no haciéndolo y ocasionando que Jennifer  planeé su gran venganza.
Claro, es una de esas historias en donde la persona agraviada renace cual ave fénix y se vuelve recontra peligrosa, ya que su venganza no tendrá ningún tipo de piedad, pero para la época ésto era algo muy nuevo, sobretodo si se trataba de una "vengadora" (osea, una mujer pues). 
De todos modos la historia se compone de imágenes muy violentas que hicieron que fuera prohibida en países como Irlanda, Noruegas, Alemania Occidental (en aquel entonces), Canadá, entre otros países más. Obviamente que el morbo pudo más, y luego de unos años (quince) la película pudo ser estrenada en estos países, cuando ya el cine hoy por  hoy permite cosas peores que lo que se ve en esta cinta.

De todas formas no la recomiendo para aquellos que no pueden ver como en la ficción se maltrata a una mujer. Choca demasiado (a mí me jodió un poco) el ver semejante humillación, aunque bueno.... en la venganza está la revancha.

Puntaje: 5.5 puntos.

WELCOME TO THE RILEYS (2010)

Dirigida por Jake Scott.

Vaya que la familia Scott ha dado varios directores al cine. Los hermanos que iniciaron esto, Ridley y Tony, y ahora el hijo de uno de ellos, Jake, continúa con el legado y ya por su segundo largometraje. Le va bien al hijo de Ridley Scott, ya que para esta película armó una historia que podría ser un dramón de aquellos, pero no se apega a factores que faciliten esa etiqueta. Construye una historia que no se altera en ningún momento ni deja la sensación de que estas viendo escenas perfectamente diseñadas para que el público llore o se conmueva, mas bien, pese a contar una historia ideal que conlleve a eso, el director maneja los hilos de la trama de la mejor manera.

Doug y Mallory tendrán una relación complicada

La actuación de los tres protagonistas ayuda demasiado al film. Muy buena actuación de James Galdofini (lo deben recordar por "Los Sopranos") quien interpreta a un padre que acaba de perder a su hija en un accidente. Él y su esposa Lois (la siempre estupenda Melissa Leo) viven una crisis matrimonial a causa de la perdida de su única hija. Es así como vemos los mil intentos de Doug por escapar de los recuerdos y de la infelicidad que su hogar ha contraído. En un viaje de trabajo a New Orleans, Doug conoce a una joven striptisea en un night club. La chica llamada Mallory se gana el afecto de Doug, quien decide dejar todo para cuidar de ella y velar porque su vida (totalmente en escombros) intente encontrar el camino adecuado.

Sorprendente actuación de Kristin Stewart

Sorprendente la actuación de Kristin Stewart. Pareciera que no la dejan explayarse más allá de la cuenta en la saga "Crepúsculo", que tiene que demostrar sus dotes de actriz en este tipo de películas independientes, en donde de a pocos se va mostrando como una buena interprete. Me bastaron solo los primeros 5 minutos de ella para darme cuenta que estaba ante una buena actriz.

Quizá ese sea el punto que me hará recordad más a la película: las actuaciones. La historia en sí es complicada de describir. Son muchos los casos en que padres que pierden a sus hijos, intentan buscar un reemplazo de manera involuntaria, sobretodo si encuentran a chicos o chicas de la misma edad, que no tienen esa protección paternal. Doug es uno de esos casos, que a pesar que no lo acepta al inicio, se nota que buscaba eso en su vida, una chica como Mallory.... para velar por ella, para aconsejar, para ayudarle a crecer, para educarla.

"Welcome to the Rileys" es un drama inteligente, bien diseñado por el joven Scott ya que no se alimenta de los típicos tópicos que abundan en el cine, sino que construye una historia sobre tres seres muertos de alma, que intentan revivir sus sentimientos y sentir la vida como tal. 

Puntaje: 7 puntos.