LES DERNIERS JOURS DU MONDE (2009)

Dirigida por Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu.

Sí, me encanta el cine francés y por semana veo una o dos pelas de aquel país. Tienen algo que va de acorde a mis gustos, sin ser tan convencionales ni tan complejas, siempre manteniéndose en un punto medio, con el toque especial que las caracteriza y tocando temas que se ve en el cine de Hollywood, pero tocados de una manera más real y algo más madura. Y es que el cine francés representa una cultura que es totalmente ajena a la nuestra, en donde se ve a una sociedad más libre, menos puritana, más cultural y con una visión de la vida menos convencional que la nuestra. Con eso no quiero decir que me encanta el libertinaje o "amor libre" que se representa en mucha de sus pelas (porque en el cine peruano también se ve mucho de eso, pese a que la sociedad limeña refleje lo contrario), sino que me encanta la manera como lo narran, como lo muestran, como la adecuan a su lenguaje cinematográfico, sin que luzca tan torpe o tan fingido.

Corriendo libres por toda Francia.

Esta película llamada "Los últimos días del mundo" refleja el espíritu libre que un adulto extraña de cuando era joven. Aquella nostalgia que se representa en el recuerdo de una mujer que le hizo sentir todo eso nuevamente y que la perdió porque simplemente la tomó como una aventura. 

El fin del mundo está cerca (es la atmósfera que se respira en la historia) y lo único que Robinson Laborde quiere, es encontrar a esa mujer que hizo que se arriesgase a dejar todo y vivir nuevamente amor.

El fin del mundo no podrá detener a Robinson.

Busca la oportunidad de intentarlo de nuevo, de recuperar el poco tiempo que tuvo con ella y no cagarla. Mientras el mundo se está muriendo, él solo piensa en vivir feliz aunque sea por última vez. Esto hace que recorra toda Francia en su búsqueda y que se tope con cada ser extraño en el camino (incluida su ex-esposa, a quien dejó por la flaca que tanto busca).

Una película en donde el cartel expresa "libertad". Porque al verlos desnudos y sin tapujos demuestra que él tipo es feliz. Que la flaca le cambió la vida y que desea vivir los últimos días del planeta a su lado.

Sí, es probable que sea una historia tipo así de amor, pero lo bueno del cine francés es que no desprende esa sensación cursi o romántica en toda su historia. Aborda el tema de manera tranquila, sin excesos y siempre recordándonos que el planeta.....está en sus últimos momentos.

Puntaje: 6.5 puntos

EVA & LOLA (2010)

Dirigida por Sabrina Farji.

Uno si se deja guiar por el título, pensaría que es una historia de lesbianas o de las mejores amigas que viven romances y se entremezclan sus dramas amorosos. Felizmente no tiene ninguna de las dos tramas que son fáciles de suponer. La historia de "Eva & Lola" va mucho más allá de lo que uno se pueda imaginar cuando ve el cartel, porque toca un tema difícil de superar en la sociedad argentina: los desaparecidos de la dictadura militar. 

Pero bueno, si hay algo que debo criticar de esta cinta argentina, es que la directora le mete escenas o pequeñas historias innecesarias para el desenvolvimiento de la misma, pareciendo que fuesen puestas solo con el fin de rellenar, ya que no trascienden para nada dentro de la historia.

Eva y Lola se ayudarán mutuamente
en muchas cosas.

Ambas flacas son bailarinas de un club (le llaman circo): "Cabaret punk", en donde son las dos principales bailarines o artistas del mismo. Eva es una chica algo indiferente a las relaciones sociales (no se le conoce chico alguno), con un carácter muy fuerte y no deja que le pisen el poncho. Su viejo desapareció en la dictadura militar argentina, viviendo toda su vida con su tío, quien le enseñó parte de las artes que ella aprendió cuando fue creciendo. Lola, su compañera de labores artísticas, tiene el mismo origen que ella. Sus padres también desaparecieron en aquella funesta dictadura y fue apropiada por extraños (una especie de adopción).

Para tocar este tema, tendría que explicarles parte de la historia contemporánea argentina, en donde se toca el tema de la dictadura militar. Es algo que he ido aprendiendo y conociendo al ver tantas películas gauchas que hablan del tema. Los "desaparecidos" son aquellas personas que para la dictadura, eran un estorbo o un tipo de oposición a su gobierno. Las secuestraban, torturaban y luego desaparecían de muchas maneras (las tiraban al fondo del océano o las quemaban), cosa que los cuerpos jamás aparecían.

300 son los desaparecidos en la dictadura militar
argentino.

Aquellos desaparecidos dejaban niños huérfanos, que la dictadura se encargaba de repartir entre familias de confianza, para que fueran criadas y que crezcan con una mentalidad afín a sus ideales.

Lola es parte de ese grupo de bebés que fueron apropiados por extraños. Eva entonces, al enterarse de ésto, buscará la manera de que su amiga se enteré de la verdad de su origen o que siga viviendo en medio de la mentira. Ella intentará ayudar a Lola para que se reencuentre con sus verdaderos parientes en medio de la terquedad de Lola por no querer saber nada con su pasado.

Una película que persigue un fin explícito pero que a veces se desvía por las ramas cuando se ponen escenas que nada alimentan a la trama (ese es uno de sus defectos). Romances que nada interesan se ponen en la trama (son demasiado triviales), pero que felizmente no entorpecen lo que se quiere dar a entender en el mensaje.

Puntaje: 6 puntos.

4 MONTHS, 3 WEEKS AND 2 DAYS (2007)

Dirigido por Cristian Mungiu.

El título hace referencia al tiempo de gestación de una de las protagonistas, que mediante un método clandestino, intenta someterse a un aborto. Pues bien, la historia nos ubica en una Rumania aún comunista, en donde el aborto estaba prohibido por la ley y su desacato podía tener consecuencias funestas. En esa coyuntura es que vemos a dos amigas: Otilia y Gabita, quienes son amigas de la universidad y se meten juntas en el peligroso mundo del aborto clandestino.

Otilia ayudará a su amiga en todo.

La embarazada es Gabita. Otilia se encarga de reservar una habitación de hotel y acompañar a su amiga, quien ya contactó con un sujeto quien le practicará el aborto. Todo esto es practicado en el más estricto secreto debido a la peligrosidad de poder ser descubiertas, ya que la historia está ambientada en los 80s, década en donde el comunismo rumano prohibía la práctica de este método, lo que podía tener consecuencias gravísimas para las que lo practicaban. Es por eso que la manera como el director ambienta la atmósfera de las dos flacas, es el ideal para sentir la tensión y el miedo de una época en donde las libertades estaban restringidas en Rumania.

Peor solución no pudieron elegir.

Toda la historia prácticamente ocurre en el cuarto de hotel que ambas han separado. Una habitación que se convierte en una prisión para ambos, porque no saben muy bien en lo que se están metiendo ni con quien están mediando para que el aborto se lleve a cabo. 
El título de la película tiene que ver con el tiempo de gestación que tiene Gabita. No es de importancia saber por qué quiere abortar ni quien es el padre, lo que se nos muestra es el hecho exacto: la práctica del aborto. 
Eran tiempos distintos. Quizá no esté bien visto la práctica de ésto que muchos creen que es una solución, pero si un Estado se proclama como "libre", entonces debe dejar que sus ciudadanos decidan qué es bueno y qué es malo para ellos, sin tener que imponerles nada.

La cinta del director rumano recibió muy buenas críticas, tanto que en el último festival de Cannes, su nueva película era una de las que más expectativa generó.




Puntaje: 7 puntos.

REC 3: GÉNESIS (2012)

Dirigida por Paco Plaza.

Al menos no me decepcionó tanto como la 2. 

En un principio se dijo que esta película sería algo así como una precuela de la 1, pero creo que modificaron el guión y algo más, porque al final resultó ser una historia paralela a la que ocurría en la primera película. Y es que esta cinta no explica nada de los hechos que están ocurriendo en aquella ciudad española, en donde un extraño virus está haciendo que muchas personas revivan y se conviertan en unos seres salvajes que solo desean atacar y matar humanos. En la primera película se esbozó la causa de lo que ha ocasionado ésto. En la segunda como que se siguió con el mismo argumento, solo que algunas cosas se salieron de control en el guión.

Los novios lucharan por salvar su reciente matrimonio.

Para esta tercera película, regresamos a foja cero. La celebración de una boda se ve opacada a raíz de que uno de los invitados está contagiado con dicho virus y comienza a atacar a diestra y siniestra a quien se le cruce en el camino. 

Quizá no me gustó tanto la película porque esperaba algo de respuestas al trasfondo del asunto: cómo así es que el virus apareció? 

Alguna respuesta que me guíe a la niña Medeiros, una de las principales culpables de que el virus se haya expandido por todo ese edificio de la primera y segunda cinta, de la cual sabemos que es una chica que al parecer ha sufrido algún tipo de posesión demoníaca y que ha sido tratada por la Iglesia, solo que no supieron controlarla bien y contagio el virus que porta a un perro, que luego originó todo el caos que conocemos hasta el momento.

Clara, la novia, usará de todo para luchar por su
felicidad.

Si la película no me agradó en lo que se refiere a contestar interrogantes y aclarar dudas, sí lo hizo en lo que a entretenimiento se refiere. Paco Plaza supo como entremezclar humor con escenas gore (las escenas son algo más violentas que en las otras dos películas), logrando que el ataque de los infectados sea una gesta apocalíptica impecable.

Esta vez no se excedió en cosas extrañas que lo dejen a uno perplejo por escenas absurdas que se vean, mas bien dotó de un buen ritmo a su historia. La cámara tipo documental no fue usada mucho tiempo, tan solo los primeros 25 minutos, ya que luego utilizó el lenguaje convencional de cine, ganando la película mayor ritmo, intriga y opciones para transmitir sensaciones.

Quizá la virtud de esta tercera película sea esa: romper con su modo de presentación original, que la llevó a la fama, para generarse otras opciones más de como mostrar la historia. 

Algo de humor, algo de suspenso y la clásica intriga a las que no tienen acostumbrados este tipo de historias, es lo que genera "Rec 3", que de génesis no tiene mucho (como película), pero ya dentro de la historia uno se dará cuenta el por qué del título.

Puntaje: 6 puntos.

SWIMMING POOL (2003)

Dirigida por Francois Ozone.

Qué podría tener una película para destacar? Pues bien, si la historia no es tan sorprendente (plana, por llamarlo de algún modo). el final tendría que ser un alboroto total a la coherencia. Es decir, tendríamos que ver un final que cachetee a toda la historia, dejándonos en la cabeza dudas e interrogantes que fácilmente pueden ser resueltas por la interpretación que genere la película. Eso es lo bueno del cine como arte, que genera un singular modo de interpretar conceptos, escenas e historias, no dejando como exclusiva a una sola idea, sino a varias.

Julie tomando sol, al lado de la piscina.

En esta película francesa vemos eso, y aparte vemos el nacimiento de una musa. De una joven actriz que hoy por hoy da la hora en el cine francés, con su belleza y su atractivo físico que la encumbran como una seductora de la imagen. Y es que Ludivine Sagnier tiene un algo que la hace cautivante. No tendrás las carnes de Monica Bellucci, las facciones de Angelina Jolie o la presencia de Scarlett Johansson, pero sí ese algo que la hace muy especial. Esa arrogancia y aires de "lolita francesa" que se rebela ante toda forma puritana de ver la vida. Así es ella en esta historia, en donde interpreta a Julie, una chica sin escrúpulos. Pues bien, Sarah Morton es una escritora que necesita inspiración y nuevos aires para sentirse relajada y escribir "la obra". A pedido de su editor, Sarah viaja de Londres al sur de Francia, en donde vivirá en la casa de campo de su editor, alejada de todo y de todos.

Dos mujeres que tendrán una tensa relación de
convivencia.

La tranquilidad no es eterna porque llega Julie, la hija del editor, quien decide quedarse a vivir unos días en la casa. Julie es todo lo contrario a Sarah, ya que en su vida solo busca diversión de todo tipo (cada noche lleva un hombre diferente a casa), lo cual hará que la convivencia con Sarah sea demasiado difícil.

Una película que nos sumerge en la convivencia de dos personalidades distintas. De dos personas que de diferente generación, de diferentes ideas y muy disimiles objetivos en la vida. Esto hará tensa la relación y una extraña manera de convivencia, ya que de a pocos la rivalidad va quedando de lado, porque Sarah aprovecha este tipo de "vivencia" para adaptarlo a lo que escribe.

Ozone juega bien con lo que tiene y aprovecha al máximo la peculiar sensualidad de la joven (en ese entonces) Ludivine Sagnier, mostrándose como la niña rebelde que lo consigue todo en base a su atractivo. 

Si me preguntan por qué la película se llama "La Piscina", es porque aquel lugar es el mudo testigo de la relación tan stressante entre Julie y Sarah.

Puntaje: 7.5 puntos.

THE DARK KNIGHT RISES (2012)

Dirigida por Christopher Nolan.

Esta experiencia la escribiré como tal, así que no filtraré ningún spoiler que les malogre la expectativa de la película, para que sientan las mismas emociones y tengan las mismas sorpresas (aunque para mí no hubieran muchas) cuando vayan al cine y la vean.

Pues bien, Nolan terminó de manera ejemplar su visionado sobre el súper héroe de Ciudad Gótica, y aunque no repitió la misma intensidad que se vivió con "The Dark Night" (la anterior película), decoró de buena manera el final y quizá estemos ante una película superior a varias que se suelen estrenar en nuestra cartelera. Eso es lo que valoro de este director, que sea capaz de mezclar calidad con entretenimiento. Que se esmere por crear un producto que no sea tan fácil de digerir, pero que al menos no resulte tan complejo y que solo unos cuantos se den cuenta de su mensaje. Quizá en "Inception" se le pasó la mano un poco, dejando a más de uno buscando por Internet respuestas o no entendiendo muy bien su final (hay que ver más cine de Lynch eh), pero deja esa sensación que se está ante un cine de calidad.

Batman la tendrá difícil contra Bane.

Ya había trabajado con Tom Hardy en "Inception", así que conocía sus virtudes y vaya que las supo aprovechar bien. Lo puso como "Bane" y le resultó bien, porque él es un villano que no solo en su físico transmite ese temor que hasta Batman llegó a sentir, sino también con su manera de hablar y la forma tan contundente de cerrar bocas con frases que hacían daño y producían miedo, aparte del plan maquiavélico (y muy bien creado) que tenía para el futuro de Gotham City.

Otro hecho que resaltar es la actuación de Michael Cane (el buen Alfred), quien si bien es cierto tiene un rol secundario, los escasos minutos que uno lo ve en la pantalla grande los engrandece, sabiendo transmitir emociones y mostrándonos el porque es uno de los mejores actores ingleses de los últimos 50 años. Vaya que me contagiaba su actuación cuando lo veía ahí en la hermosa pantalla XD del cine (tienen que verla en ese formato), sobretodo en los momentos de pico más alto de la historia.

Batman y Catwoman, una extraña pareja.

Como se nota cuando un director sabe dirigir a sus actores. Nolan aprovechó por completo el talento de Anne Hathaway (Catwoman) y creo un personaje que hizo olvidar (para mí) al que interpretó Michelle Pfeiffer en Batman returns, sabiendo como mezclar sensualidad con agresividad, teniendo sus puntos sarcásticos precisos y colaborando con el ritmo al que iba la película. Y de eso es lo que brevemente comentaré.

El ritmo de la historia es más ligero que el de su antecesora. Mucho tiene que ver que los primeros minutos Nolan intenta ponernos en la coyuntura actual en la que se encuentra "Ciudad Gótica", mostrándonos los logros que ha tenido la "Ley Dent" para la ciudad, viviéndose en un clima de paz que pareciera es medio careta. Una paz que pende de un hilo y que parece que solo algunos se dan cuenta. Es así como el ritmo de la historia va a paso calmado, hasta cumplir los primeros 30 minutos y comenzar a avanzar rápido, teniendo pausas que ayudan a respirar un rato y entender lo que se está viendo. Esa es la inteligencia del director: ayuda a que el espectador más distraído no se desentienda de la trama.

En suma, un digno final para "Batman", con un villano que se puso a la altura de las circunstancias, con un Christian Bale que para mí es el mejor Batman de la historia, con actores secundarios brillantes y de lujo (Gary Oldman, Michael Cane y Morgan Freeman es un tridente espectacular) y sorpresas que tienen que ver mucho con las caras nuevas.

Mi único deseo es, como le leí decir a Anne Hathaway, que si hay una continuación, el reparto continué....... y que le encuentren un reemplazo digno a Nolan, que dudo vuelva a dirigir una película de "Batman".

Puntaje: 9.5 puntos.

HANNA (2011)

Dirigida por Joe Wright.

Cuando escucho o leo: "Una película de Joe Wrigth", pienso que será una historia de época, en donde veremos algún ambiente del siglo XIX, ligado al amor y a esa época de realeza, de caballeros, damas y castillos. Al ver "Hanna" me di cuenta que este director cada vez escala un peldaño más en el mundo del cine y se está convirtiendo, de a pocos, en uno de los más importantes directores de estos últimos 10 años, ya que cada película que es estrenada bajo su cargo, se convierte en una obligación de verla.

Hanna, entrenada para matar.

Luego de películas como "Orgullo y prejuicio" o "Expiación", que eran pelas de época (ambientadas en el sigo XIX), Wrigth dirigió "El Solista", en donde ya asomaba su mirada al cine en tiempo contemporáneo. Pero con "Hanna" fue más allá todavía. Aparte de ya ambientarnos una historia en un mundo actual, nos pone en una cinta que tiene mucho de acción y algo de thriller, en donde la historia de una joven de 16 años (Hanna) es la principal fuente por la que se mueve la historia.

Quizá tiene un aire a "Nikita" o alguna de esas pelas que nos muestra a las mujeres como asesinas sin piedad y con las suficientes armas como para derrotar a una decena de hombres, usando inteligencia y fuerza física.

Erik, padre de Hanna, quien le enseñó todo
lo necesario para sobrevivir.

Wright ordena bien sus piezas, mezclando la acción de su protagonista en brillantes planos que utiliza, una excelente fotografía y un buen trabajo de edición. La frialdad que Saoirse Ronan le brinda a su personaje (Hanna) es de buena factura, notándose en su interpretación los rasgos que definen tanto a una chica de su edad como a la de una gélida y astuta asesina que calcula con exactitud los pasos que da en cada despliegue de su accionar.

Hanna vive con su padre en las frías y alejadas tierras norteñas de Finlandia, en donde sobreviven en base a un exhaustivo entrenamiento que Erik (el padre) le brinda a su hija, con la finalidad de que ella en algún momento tenga que sobrevivir en solitario. Y esto llega a ocurrir cuando miembros de la CIA inician la cacería a él y a la joven Hanna, quienes tendrán que huir por separado y encontrarse nuevamente en algún punto de Europa, sin usar medios de transporte ni algún tipo de ayuda. Es el arte de sobrevivir.

Así es como vemos una interesante historia que es brillantemente llevada a la pantalla grande por un director que ha explorado de gran forma en los terrenos de la acción. Con un inicio y un final que completan un círculo ejemplar (tendrán que verla para que se den cuenta de lo que digo), "Hanna" es otra obra más imprescindible de este buen director.

Puntaje: 8.5 puntos.

JEUX D'ENFANTS (2003)

Dirigida por Yann Samuell.

Definitivamente amo a Marion Cotillard. Y también al cine francés.

La manera como nos cuentan la historia de dos personas que se amaron toda una vida es tan ingeniosa, que por mucho romanticismo que haya en algunas escenas, no hastía como para creer que estamos ante esas típicas historias estereotipadas y cargadas de sacarina que nos muestra a cada rato el cine norteamericano. Y es que esta vez vemos una combinación de "Amelie" con "Largo domingo de noviazgo", en donde vemos como se toma en cuenta al primer amor.

Sophie y Julian esperaron mucho para gritar su amor.

La película nos muestra a Sophie y Julien, quienes se hacen amigos desde muy pequeños cuando la madre de Julien le regala una caja de hojalata. Esta caja será la gran protagonista de la historia, ya que los acompañará durante toda su vida. De niños tuvieron la costumbre de jugar a "atreverse/no atreverse" (algo así como apuestas o retos) por medio de la caja, la cual la usaban para mandarse retos. Quien tuviera la caja en su poder, retaría al otro a hacer algo (que sí o sí debería cumplir), llevándose como premio dicha caja, osea, la posibilidad de retarlo. Toda una chanfaina que los divertía y les ayudaba a permanecer como amigos de niños.
Al ir creciendo todo fue cambiando. Ya las cosas que iban apostando eran más osada y peligrosos, dejando atrás las travesuras de infantes para meterse en juegos cada vez más de adultos, los cuales cambiarían sus vidas para siempre.

La gran protagonista: la caja de hojalata.

La historia gusta desde los primeros minutos, por la forma como cuentan los sucesos que ocasionan que Sophie y Julian tengan un vínculo tan inquebrantable en sus vidas.
Se puede notar la manera como es que viven un amor casi en silencio, pero que ambos saben que existe y que está ahí entre los dos. Aquel primer amor que te marca desde niño. Aquel amor que es la mezcla perfecta de amistad y enamoramiento. Una historia que los persigue durante toda su vida hasta el emotivo y sorprendente desenlace final, en donde se aprecia la originalidad del relato (a mi me sorprendió), dando como resultado una obra interesante y recordable, pese a que era la ópera prima del director francés.


Una vez más Marion Cotillard excelente. Aún no saltaba a la fama internacional, pero ya demostraba el talento que poseía, que años mas tarde estallaría con fuerza por su magnífica interpretación en "La vida en rosa", que justamente es el título de la canción que suena durante toda la película.
Vaya coincidencia.


Puntaje: 8 puntos.

NEW YORK, I LOVE YOU (2009)

Dirigido por varios directores.

No he tenido la oportunidad de comentar algo sobre "Paris, te amo", pese a que le he visto, así que me meto de frente con la supuesta secuela, porque esta película es una especie de continuación, ya que se repite lo mismo: varias historias de amor ambientadas en la ciudad protagonista, dirigida por varios directores en pequeños cortometrajes. La conclusión final sobre este popurri de cortos es que no me dejó un buen sabor, y eso es lo malo de este tipo de películas, ya que cuando juntas varias ideas de directores distintos, tienes un sancochado que entremezcla buenas y malas historias.

Christina Ricci y Orlando Bloom protagonistas
de uno de los cortos.

Se juntan las complejas historias de directores que nos tienen acostumbrados a ese tipo de tramas, con otros que por lo general se van por la rama del convencionalismo, y otros que recién aparecen en la palestra (como Natalie Portman), quienes optan por dotar a la películas con pequeñas historias que relaten el tema en común que unen a todas en una sola: la búsqueda del amor. Aquel es el tema principal de la película en sí, obviamente que resaltando la belleza e influencia que la ciudad de New York le da a este tipo de situaciones. 

Escribir sobre cada uno de los cortos que aparecen (once en total) sería realmente tedioso. En cada uno de ellos el tema del amor está presente, con mayor o menor notoriedad (dependiendo de la influencia del director), en donde encontramos relaciones de diversas edades, géneros y en aspectos que no necesariamente deben ser convencionales.

El amor inunda las calles de New York.

Porque en New York un hombre mayor puede enamorarse de una joven, o podemos ver a una pareja de ancianos enamorados caminar por alguna calle de la gran manzana y sentir que el amor resalta en ellos.

La película junta estas pequeñas historias pero no me dejó un buen sabor como sí lo hizo la ambientada en París. Quizá sea porque repetir el mismo plato no sale a cuenta a veces, o tal vez porque esta vez los cortos no fueron tan buenos como los realizados en la capital francesa.

No confundir este tipo de películas con las que tienen un reparto coral, ya que aquí vemos un grupo de cortos que penden de un mismo tema (y una misma ciudad), con un visionado diferente y con actores distintos también.

Quizá sea la última película que haga este tipo de temáticas: el amor en una ciudad reconocida y muy elogiada.

Ojala sea la última.

Puntaje:  4 puntos.

THE RULES OF ATTRACTION (2002)

Dirigida por Roger Avary.

Este director es conocido por ser uno de los guionistas de "Pulp Fiction" (el otro fue Tarantino), con lo cual ganó cierto prestigio y le sirvió para forjar una carrera como director que le ha ido mas o menos. Ha seguido con el rumbo habitual que se le conoció con el film antes mencionado, logrando así historias entretenidas y bien dotadas de ritmo, notándose la mano del director en el guión y en la estructura al momento de editar la cinta.

Lauren conociendo a Paul.

Han pasado varios años de esta película y yo sigo pensando: "Seguiremos siempre teniendo otra mentalidad?". Es muy distinta nuestra cultura que la de Europa o la de Estados Unidos, en donde las relaciones de pareja o entre jóvenes son vistas de otra forma, sin tanto pudor ni convencionalismo absurdo.
Digamos que tener sexo con un chica no es nada del otro mundo en esas sociedades, pero vemos también que las jóvenes tienen una independencia total sobre sus decisiones y acciones, con lo cual dejan de lado algún tipo de atadura hacía el sexo masculino, o que su vida gire en torno a algo o alguien, situación que por lo general solemos ver en nuestra sociedad.

Sean y la mala suerte de encontrarse con Lara.

En "Reglas de atracción" nos topamos con tres historias de tres jóvenes estudiantes de la misma escuela de arte. Lauren es una chica virgen a quien le ha ido mal en el amor, Sean es un diller quien busca el camino correcto para cambiar su vida, y Paul es un joven gay, quien parece no tenerla muy clara que digamos.
Esos tres personajes cruzaran sus vidas en todo momento, generando atracción uno del otro que a veces no será correspondida. Esto se ambienta en una escuela en donde la fiesta es la principal protagonista de la trama, ya que  es ahí en donde las atracciones comienzan a generarse.


Una historia sobre la manera como los jóvenes viven esto de interrelacionarse con los demás de su edad, como es que surge la atracción entre ellos, como la toman, como la viven (gozan) y como es que los deja. A veces pensé que veía un mundo de cabeza, totalmente degradante, pero recordé que a veces mis fines de semana son así. No tan extremos ni tan libertinos, pero al menos... por estos lares también hay ciertas "reglas de atracción".


Puntaje: 6 puntos.

PLATOON (1986)

Dirigida por Oliver Stone.

Muchas películas sobre Vietnam han habido. Muchas de ellas siempre retratan el horror de esa guerra y lo que tuvieron que vivir muchos soldados norteamericanos en ella. Las mejores películas sobre esa cruel e injusta guerra son las que nos retratan la parte psicológica de la misma, en donde se muestra como el ser humano puede degradarse tanto.

Oliver Stone combatió en aquella guerra y su experiencia le dio la facilidad de poder contar una historia que es una muestra de lo que se vivió en aquel entonces. Una guerra originada por los mismos norteamericanos (la cual perdieron) y en donde mandaron a la selva vietnamita a varios jóvenes, quienes no sabían por qué peleaban, que vieron como su vida cambiaría por completo.

Soldados norteamericanos y las atrocidades que
cometieron

Quizá el protagonista de la historia, Chris Taylor, sea el mismo Oliver Stone, quien se valió de su experiencia para contar lo que él vivió en carne propia. Las escenas de guerra no son las más importantes, mas bien lo son aquellas consecuencias que mellan en la personalidad del combatiente, quien de a pocos va distorsionando su mentalidad humana para convertirla en una mentalidad animal que destruye, asesina y comete atrocidades sin piedad ni dándose cuenta que el supuesto enemigo también es un ser humano. En "Platoon" vemos como los jóvenes soldados norteamericanos no solo se enfrentan al ejercito vietnamita, también a la dificultad del terreno, 

La muerte era la solución.

una selva inhóspita para ellos, y lo más jodido de todo es que se enfrentan a ellos mismos.

El joven Chris Taylor (interpretado por un joven Charlie Sheen) tendrá que enfrentarse a la desdicha de ver como sus propios compañeros de armas cometen atrocidad y media. Como es que violan mujeres, torturan niños, asesinan civiles inocentes y destruyen todo a su paso sin importarles razón alguna. Una guerra que destruye vidas humanas y conciencias a futuro. Una guerra que mató a una generación de jóvenes, porque les trajo secuelas que las acompañó (o acompañan) por el resto de sus vidas, atormentándolos en cada recuerdo o en cada guiño del pasado.

Stone dirigió una película con mucho mensaje. Que no basó su historia en una simple trama bélica, sino que exploró más allá aún. Luego harías dos películas más relacionadas con Vietnam, que tocarían otros temas y que también serían importantes para su carrera como cineasta. Con "Platoon" inició esta senda y dejó una historia que ocurrió y que no debe repetirse.

Puntaje: 7.5 puntos.

TUYA SIEMPRE (2007)

Dirigida por Manuel Lombardero.

Cuando una película no te llena lo suficiente, ni siquiera como para pasar el rato, es muy probable que pasado un tiempo ni te acuerdes de que trataba la historia ni sobre que giraba la trama. Muy pocas veces me ha pasado eso, porque siempre recuerdo alguna película siquiera por algún tipo de pista o guiño, o alguna anécdota que me haga recordarla de manera rápida. En este caso, con "Tuya siempre", no recuerdo casi nada de la historia, ni como es que llegué a verla. La tenía en mente para postearla en estos días pero es la primera vez que me sucede que no recordaba siquiera haberla visto.

Lola perseguida por su realidad.

Es ahí cuando te das cuenta que sirve demasiado la sinopsis que aparece en la contratapa de los dvds, en donde te resumen de que trata la película. Pues eso hizo que al menos la recordase en parte, llegando a mi mente algunas imágenes de lo que fue la historia, y poco o nada de lo que significó para mi el film en su totalidad conceptual.
Una historia de supervivencia, por así decirlo, en donde te muestran que la calle está dura y que se vale de todo para salir del averno y pisar tierra firme. Y es que a veces a una persona lo caga tanto el amor, que en verdad que esa frase de "te sigo a todas partes" suena más a suicidio que a amor.

Lola conocerá otros personajes que la harán ver
otro lado de la vida.

Así les sucedió a Lola y Ramón, quienes son una pareja metida en todo tipo de líos y que están juntos pese a todo (es por eso nombre de la película), hasta que ella se da cuenta que hay otras formas de vivir en el mundo, que no sean robar ni engañar gente. Ella se da cuenta más de esta realidad cuando Ramón es mandado a la cárcel y se queda sola, ¿dónde queda el amor entonces? Ahí es cuando se despeja un poco el cerebro y se puede razonar mejor, separando utopías de realidad.
Una historia que no recordaba en su totalidad pero que en algún momento me llegó a interesar, por la trama, pero que es muy probable que me haya decepcionado al momento de verla, porque cuando olvidas algo en el tiempo es por jamás te llenó.


De todas formas, el cine español siempre tiene sus buenos y malos ratos para mi mente. Quizá la veo de nuevo en estos días y así, probablemente, la recuerde más tiempo.


Puntaje: 4 puntos.

NO COUNTRY FOR OLD MAN (2007)

Dirigida por los Hermanos Coen.

El peinado de Javier Bardem será recordado de por vida, porque a parte que da a vida a uno de los asesinos más fríos que ha visto el cine, el look que tiene es demasiado particular, llegando incluso a resaltar en algo más la soberbia actuación del español, quien se llevó con toda justicia el Oscar a Mejor actor de reparto. Y es que los Coen se terminaron por consagrar con esta película, ya que su filmografía estaba llena de grandes títulos que no habían sido merecedoras a una estatuilla dorada aún.

Bardem interpretando de gran forma al gélido asesino
Anton Chigurgh

Conjugaron de mejor forma lo que venían haciendo, que era un cine inspirado en aquellos años 40s-50s, en donde primaba el famoso "cine negro", del cual se ven varios rasgos en la mayor parte de sus películas.

En esta historia podemos ver aquella influencia que ha marcado siempre al cine de los Coen, en donde nos muestra a un veterano de Vietnam llamado Llewellyn Moss, quien de manera azarosa se encuentra un maletín con 2 millones de dólares, producto de una disputa entre dos grupos de contrabandistas de drogas. Él se encontraba tranquilamente cazando animales, cuando de la nada se percata de esa trifulca, que una vez terminada dejó como saldo varios muertos y un maletín olvidado. Este maletín será la causa de todo lo que se verá en la historia.

Moss tendrá que escapar de todo
lugar.

El señor Moss se verá envuelto en una cacería, en donde él toma el papel de presa, ya que el maletín que tiene en posesión no le pertenece y los verdaderos dueños están deseosos de obtenerlo de cualquier forma. Para eso contratan a un asesino criminal llamado Anton Chigurgh (J. Bardem), a quien no le importa nada ni nadie con tal de matar gente. La excusa perfecta es recupera el maletín, que tiene una especie de Gps en su interior, con lo cual es fácil de localizar. Anton sigue a todas partes al maletín, matando a quien se le cruza en el camino de manera fría e innecesaria.

No será el único que lo persiga, porque también tras de él está Carson Wells, un experto criminal contratado por un poderoso cartel, y el sheriff Ed Tom Bell que estará tras la pista de todos los asesinatos ocurridos hasta entonces.

Lo de Bardem es excelente. Interpreta de gran manera a un criminal que se divierte asesinando a la gente que encuentra en el camino, haciéndolos pasar por un mal momento cuando saca su moneda y les dice que su vida depende de que lado de la moneda salga cuando ésta sea lanzada.

Es así como vemos una película al estilo de los Coen, con brillantez en sus actuaciones y con una historia escrita por ellos (pero basándose en un libro) que logra reunir todos los atributos que siempre se ven en el cine de estos hermanos que han merecido siempre el reconocimiento por parte de la Industria.

Puntaje: 8 puntos.

DAWN OF THE DEAD (1978)

Dirigida por George A. Romero.

Diez años después de que mostrara al mundo su primera película sobre zombies ("La noche de los muertos vivientes"), Romero lanzó lo que vendría a ser su secuela, con lo cual seguiría mostrándonos un mundo infectado en su totalidad por esta plaga de muertos vivientes. Se dice que es una de las mejores películas del género, siendo la mejor realizada por el director, que tuvo un remake en el 2004 por parte de Zack Snyder, ya que contiene escenas que son todo un clásico en el mundo del cine y una trama que no solo se basa en imágenes de muertes y zombies caminantes, sino que guarda una crítica al sistema norteamericano y a la manera como el ser humano afronta esta clase de problemas.

La lucha por sobrevivir.

Y es que muchas veces el propio ser humano no sabe como afrontar este tipo de problemas (cuando se tiene un enemigo o amenaza en común) y presa de su desesperación, terminan por atacarse entre ellos y optando por el caos, volviéndose presa fácil de su destino.

En "Dawn of the dead" tenemos una continuación de la primera película, en donde ya los zombies son una plaga mundial y el destino de la humanidad pende de un hilo. La policía y el gobierno norteamericano deciden tomar el control de la situación, intentando asesinar a la mayor cantidad de zombies, escondiendo a la población la verdadera situación de la plaga y las razones por las cuales se originó.

Esta vez los zombies son algo más fuertes.

Un grupo de personas (dos policías, una periodista y su novio) logran escapar y llegan hasta un Centro Comercial abandonado y repleto de zombies. Se alojan en la parte superior (último piso) del lugar e intentan sobrevivir ante la amenaza zombie. 

Al margen de lo difícil que resulta el hecho de convivir con personas diferentes a uno y no tener el control de las emociones para siquiera llegar a un ideal en común (sobrevivir), se ve también una forma de crítica hacía la sociedad de consumo norteamericana de entonces, ya que en varios pasajes de la cinta se ve la manera como Romero esgrima imágenes con algo de sátira sobre el consumismo (tendrían que verlas para que se den cuenta).

A mi me gustó, pese a que los efectos visuales, el maquillaje y algunas escenas de acción se noten algo anticuadas, pero era con lo que se contaba en aquel entonces. Valoro entonces lo que se contaba en 1978 y la transcendencia que tuvo la película tanto para el cine zombie como para el género terror en su totalidad.

Puntaje: 7.5 puntos

THE PEOPLE VS. GEORGE LUCAS (2010)

Dirigida por Alexandre O. Philippe.

Si existe algo realmente frikie, es ésto. Y es que el fanatismo por este director creador de la saga Star Wars ha llegado al punto de que se genere un amor/odio entre sus seguidores. Muchos le critican varias cosas, otras lo endiosan al punto de decir que es la persona que con su gran creación, les cambio la vida. No sé si es exageración o quizá el fanatismo (casi devoción) que tienen hacía la persona de George Lucas los ha cegado de tal forma.

Me animé a ver este documental porque así conocería algo sobre ese mundo al cual no soy ajeno (me encanta "Star Wars", crecí con esa saga y sigo pendiente de lo que salga), pero del cual no soy tan dependiente ya que no me considero un frikie ni un "hipster" de Lucas.

Uno de los fans, el más peculiar.

En este documental serán entrevistados fanáticos, directores, guionistas, editores, diseñadores, ejecutivos, niños, jóvenes, adultos, varones, mujeres, solteros, casados, viudos, divorciados, etc, etc...que tienen en común la devoción a Lucas por todo lo que les dio. Pero esto no es solo flores para el director norteamericano, ya que le dan con palo en varios pasajes del documental. Criticas hacía personajes banales de la saga (como Jar Jar Binks), hacía escenas fallidas de algunas de las películas, hacía el hecho de que no exista en digital el material antiguo de la saga (las tres primeras solo se encuentran en dvd con el material editado en los 90s) y otras cosas más que demuestran un extraño amor/odio hacía Lucas.

Las convenciones de Star Wars no faltan en todo el mundo.

Se convocó a fans de todo tipo, para que hablen acerca del trabajo de Lucas y expresen su malestar y admiración por este hombre que ha creado una de las sagas de mayor relevancia a nivel mundial. Aparte de las películas y series animadas, el mundo de Star Wars también está presente en el diverso merchandasing que ha sacado, tanto en el mundo de los juguetes, en colecciones, revistas y demás accesorios que el propio Lucas ha sabido como llevar adelante para formar todo un imperio comercial que colme las expectativas de sus fans. 

"Star Wars" fue una revolución en todo aspecto, ya sea como efectos visuales en película, como manejo del marketing a través de una película y como el origen de lo que ahora conocemos todos como "sagas de películas". 

Cuenta con 6 películas, series animadas, revistas, juegos de video, etc etc. Lucas es amado y odiado por sus fans, pero como se logra apreciar en todo el documental, es admirado por toda su comunidad de fans (que fácil pasa el millón) pese a errores y aciertos que haya cometido. Todos le agradecen el hecho de haber inventado "Star Wars.

Yo también.

Puntaje: 6 puntos.

RABID (1977)

Dirigida por David Cronenberg.

Si George Romero fue el precursor del cine sobre "zombies", yo atribuyo a Cronenberg que sea el primero que comenzó con este tipo de películas sobre "humanos rabiosos", que otras tantas películas han ido siguiendo su idea ("28 días después", "Resindt evil", "Soy leyenda", etc). Me baso en mi experiencia personal sobre este tipo de películas, porque he seguido la trayectoria del cineasta canadiense, quien inició su periplo en el cine con temas que justamente están ligados a los trastornos de la personalidad a causa de experimentaciones científicas.

Las personas no volverán a ser las mismas.

"Rabia" vendría a ser la primera película de Cronenberg que deja de ser un poco amateur y/o experimental, para entrar en los rangos cinematográficos que todos conocemos (el empleo de luz, de sonido, fotografía  y algo de dialogo entre sus actores). Ya había dirigido "Shivers", la cual lo hizo ganador del premio a Mejor Director en el Festival de Sitges, y que muchos la tildan como la primera parte de "Rabia", que vendría a ser su secuela, por la similitud entre ambas historias. 

"Rabia" es una película que nos muestra a personas que están siendo infectadas por un extraño virus que las vuelve unas personas violentas e irracionales, que lo único que desean hacer es matar e infectar al resto.

Médicos y policías intentarán en vano
buscar una solución.

Esta vez la locación es un hospital, en donde una chica llamada Rose ha sido internada debido a un accidente que ha sufrido. En la clínica experimentan con ella un nuevo tratamiento de cirugía estética, que según los médicos es revolucionario.

Lo que no imaginan ellos es que Rose ya no será la misma de siempre, volviéndose una persona violenta y sin conciencia, que busca asesinar a todo el personal de la clínica, logrando así que el extraño virus que lleva dentro de sí, se propague por toda la ciudad.

Es así como la rabia se expande por toda la ciudad y de a pocos se va volviendo una ciudad llena de personas homicidas.

El trabajo de Cronenberg va mucho más allá de mostrarnos una cinta de terror o de rasgos apocalípticos, nos muestra como el afán del ser humano por adelantarse en los descubrimientos científicos, merma en el carácter de sus pacientes, alterándolos y transformándolos en seres completamente irracionales y animales. Esto es algo que el canadiense ya había expuesto en sus trabajos iniciales "Stereo" y "Crímenes del futuro", que no tienen mucha técnica cinematográfica, pero sí aquel interés de Cronenberg por este tipo de cuestiones científicas.

Puntaje: 6.5 puntos