YOU WILL MEET A TALL DARK STRANGER (2010)

Dirigida por Woody Allen.

Es siempre un honor recibir este tipo de noticias por parte de nuestra pobre cartelera de cine limeña. El hecho de que se estrene algo de directores como Woody Allen, es un pequeño aliento para poder ir al cine confiados de que veremos algo entretenido y de calidad. Y es que el viejo Allen sabe como entretener tanto a la crítica como al público común, que siempre (sobretodo el nuestro) espera ver algo no tan complicado para sus cerebros, y que al menos, los haga pasar un buen rato. Suena discriminador o insultante, pero es la purita verdad y la completa realidad. Mientras afuera, varios films son vapuleados por el público (en su gran mayoría), acá son acogidas como grandes "films". Por eso que uno observa la cartelera limeña, y siempre se topa con películas similares entre ellas......

Sally y Greg, hija y padre respectivamente.

Últimamente Woody Allen ha decidido rodearse de repartos corales. Estos son, un buen grupo de actores reconocidos y que se reparten los papeles de una obra, sin tener alguno de ellos un rol más protagónico que el otro. Esta vez llega a Lima "Conocerás al hombre de tus sueños", que cuenta con actores de la talla de Anthony Hopkins, Josh Brolin, Naomi Watts, Antonio Banderas, entre otros. 

La vi ya hace unos meses atrás, convencido de que no sería la gran obra de Woody, pero de que al menos pasaría un rato agradable. Y es que el director neoyorquino escribe un guión por año, lo cual es la gran cualidad y virtud que tiene este genio para crear historias con suma facilidad.

Dia, la mujer que le cambió la vida a Roy.

La película se divide en varias historias que tienen mucho en común, o bueeeno, están relacionadas por algún tipo de vínculo. Si nos basamos desde la arteria mayor, este sería el caso de Alfie, un viejo que decide formalizar con su amante Charmaine (una prostituta) y dejar así a su esposa Helena, quien es una fiel creyente de todo lo que tenga que ver con el esoterismo. A causa de eso, se niega a cederle un préstamo a su hija Sally, quien vive confundida, ya que al parecer siente una fuerte atracción con el jefe de su galería: Greg. Ella siente cierto remordimiento de que confirmar esta atracción sea o bueno o malo para su vida personal en sí, ya que tendría que dejar a su esposo Roy, un escritor 

Cuando en un inicio todo era felicidad para
Sally y Roy.

venido a menos, que tuvo un "best seller" con el primer libro que publicó, y que ahora vive en una inmensa laguna creativa, ya que no puede escribir otra cosa que intente ser mejor o al menos igual que su primera obra literaria. Esta preocupación lo sumerge en una fuerte depresión, de la que saldrá al conocer a Dia, una musicóloga que vive al frente de su edificio, a la cual siempre ve tocar la guitarra de una manera sensual, logrando así que calme en cierta parte su frustración creativa.

Así como ven, todas estas historias están casi relacionada una de la otra, y la gran forma como Allen las articula las hace coherentes y entretenidas, sobretodo cuando se va acercando el desenlace y comienza a entenderse el porque del título de la película.

La película la estrenan en unos días en el cine y es una bonita oportunidad de ver la penúltima película de este genio norteamericano, quien en la actualidad ha estrenado "Midnight in Paris" (su última obra) con un gran recibimiento por parte de la crítica internacional, considerándola  una gran película desde "Match Point".

Espérenla en el cine que ya llega.

Puntaje: 7 puntos.

M. BUTTERFLY (1993)

Dirigido por David Cronenberg.

Lo primero que intenté hacer luego de ver esta película, era indagar sobre las razones por las cuales este genio canadiense quiso dirigir esta película. Y es que de por sí, la trama está alejada de los parámetros que normalmente suele usar Cronenberg en sus películas, como el terror y la ciencia ficción. Pero como él mismo dice, siempre plantea una transformación tanto física como interna en sus personajes principales, lo que muchas veces suele ser visto como algo terrorífico (que no es necesariamente así) y que causa esa impresión de que es un director del género. Lo destacable es que a partir de "M Butterfly", el director canadiense ha ido explorando otro tipo de historias que no van relacionadas al terror ni a la ciencia ficción como tal, y en donde se desenvuelve de gran manera, como ocurre el caso en "Promesas del este", en donde lo vemos más envuelto en una trama típica de cine de gangsters.

Jeremy Irons en el papel de Rene Gamillard.

La película es agradable en todo sentido, tanto en lo técnico como en lo actoral. Nuevamente vemos a Jeremy Irons metido en una trama de Cronenberg, y tal parece que les iba bien rodando juntos en ese entonces. Esta vez le tocó un papel difícil pero que supo interpretarlo de buena forma, sobretodo en el final de la historia, en donde hace un monólogo extraordinario.

La película esta basada en una historia real, la cual interesó mucho al canadiense para sorprender a crítica y público, saliéndose de su habitual género de terror que ya tenía acostumbrados a todos. "M. Butterfly" nos transporta a la década del 60, en la China de Mao. La China en plena revolución, en donde René Gamillard, un diplomático francés, por esos azares 

La misteriosa "Butterlfy", quien flechó a Rene.

del destino, asiste a un recital de opera, en donde queda perplejo de la cantante principal de dicho espectáculo. Al ver a la protagonista de la ópera, queda sorprendido y con una fuerte atracción hacia ella, haciendo de todo para intentar conocerla e intentar buscar algo más que una simple amistad.

Conforme pasan los días, vemos como la ligera atracción pasa a convertirse en un apasionado romance que intenta ser mesurado, a pedido de "ella", ya que las costumbres de aquel entonces le prohibían realizar ciertas cosas.

Así va pasando el tiempo y Rene para más metido en teatros y lugares de ese estilo, que en su casa con su esposa. Lo que desconoce es que se ha enamorado de una mujer que guarda muchos secretos, entre ellos, el ser un espía del régimen popular chino.

Un romance que oculta
muchas cosas.

La historia comenzó a mostrarme los cambios de conducta de Rene, quien poco a poco se fue alejando de la realidad para internarse en el juego de la mujer que lo cegó, a la que solo conocía con el sobrenombre de "Butterfly" y con la que tenía un romance extraño y misterioso, por la forma como ella lo tomaba.

La época fue muy bien ambientada por el equipo de producción de Cronenberg, sobretodo por su fotografía y sus escenarios en interiores, que fueron grabados en Canada, mientras que los exteriores lo fueron en China y en Rumania. Como dijo el canadiense en una entrevista, para él lo bueno y genial es que su equipo de trabajo lleva años juntos, y son una gran familia que pueden sacar a flote cualquier tipo de proyecto que el director se proponga hacer.

"M Butterfly" mostró el gran actor que es Jeremy Irons y la gran forma como Cronenberg puede dirigir películas que no sean relacionadas con el terror o con la ciencia ficción, géneros en los que parecía haberse encasillado en aquel entonces.

Una historia muy finita, muy bien dirigida, muy bien trabajada, muy bien protagonizada y muy bien adaptada (por lo del libro del que fue sacada). Con esta película puede decir con franqueza que el director canadiense es uno de los mejores directores de cine contemporáneo. Cerrado.

Puntaje: 9 puntos.

ENCARNACIÓN (2007)

Dirigida por Anahí Berneri.

Cercanos al inicio del Festival de Cine de Lima, vi hace unos días esta película argentina dirigida justamente por una de las directoras que se presenta en la Competencia oficial de dicho Festival. Pero "Encarnación" no es actual. Es su último trabajo previo al que ahora luce en la competencia del festival, y como último precedente, nos ofrece lo que es la directora en la actualidad y lo que es probable que nos pueda ofrecer.

Encarnación, en la soledad.

Emi Levier es una actriz venida a menos. Aparte de la edad, el peor enemigo de toda mujer, el hecho de no tener la misma fama ni la recordación, hacen que la conocida como "Encarnación", se mire al espejo a cada instante y note que el tiempo comienza a verse reflejado en su rostro y cuerpo.

Para Emi es muy difícil reconocer que ya no se tiene la juventud de hace años y que la belleza que en un pasado ella traslucía, en el presente son solo recuerdos que ella ve en fotos y afiches que tiene pegados en su casa.

Emi y Ana, tía y sobrina.

El silencio en el que se ve envuelta la película (en algunas ocasiones) es la adecuada ambientación de la soledad. Aquella que no parece afectarle mucho a Emi, pero que la empuja lentamente hacía un camino depresivo que ella misma lo acepta cuando llora en un rincón o en un espacio vacío.

Al intentar justamente no seguir envuelta en su soledad e intentar recobrar aquel lazo familiar que parece perdido en el pasado, regresa a su tierra natal (un pueblito en el interior argentino) para asistir al quinceañero de su sobrina preferida: Ana. Con ella descubre muchas cosas y termina por darse cuenta que las cosas han cambiado y que ahora se vive mirando al futuro y no basándose en el pasado.

Emi contempla como su sobrina comienza a
descubrir la vida.

Así poco a poco noté como una especie de postas generacional, entre Emi y su joven sobrina. Entre la experiencia y la inocencia. Entre la madurez y la juventud. Entre la forma tan subversiva como Emi toma las relaciones personales con el sexo opuesto, a la candidez típica de una adolescente como Ana.

Todo eso denota un conflicto dentro de Emi, que desencadena que se fije internamente nuevos propósitos para su vida, dándose cuenta que no tiene nada más que hacer en su pasado (su tierra) y que debe seguir en lo suyo sin mirar hacía atrás.

Una manera diferente de mostrar la adultez, o por decirlo de una manera más sutil, la entrada hacía una tercera edad en donde las mujeres se enfrentan a perder cosas no tan primordiales como la estética, pero que para ellas es su principal foco de preocupación. Así son y se les entiende. 

Puntaje: 7 puntos.

THE READER (2008)

Dirigida por Stephen Daldry.

La atracción de un adolescente por una mujer mucho mayor que él, siempre ha sido un tema que nos ha tocado a todos alguna vez. Y es que el hecho de ver a una mujer como tal (madura, bella y mujer), nos aleja un poco de la realidad juvenil en la cual vivimos y nos hace pensar: ¿que tal será estar con una mujer de verdad?

Pues llámenlo platónico o fantasía o amor imposible, pero alguna vez todo adolescente a tenido sus primeras pajas, gracias a conocer a una mujer que le doble la edad. Y muy de vez en cuando, alguno ha tenido la chance de tener un "affair" con su musa y vivir un tormentoso y apasionado romance.

Michal y Hanna conociéndose.

En "El Lector" pasa esto y de una manera particular. Digamos que el romance entre Hanna Schmitz, una enfermera treintañera, y Michael Berg, un estudiante quinceañero, es casi pasional y solo del tipo físico. Aunque el chico por ser muy chibolo, confunde el sexo con el amor y es obvia la ilusión que nace en él.

La situación de "The Reader" plantea aquel cobijo que encuentra un adolescente en personas del sexo opuesto mayores que él. Una especie de aprendizaje que varía en demasía el mundo que conocía como tal, a raíz de sus jóvenes amistades en su círculo social.

El romance a través de la lectura.

Pues Hanna aparece en su vida como una mujer analfabeta, en donde la época era convulsionada por la 2da guerra mundial, en aquella Europa dominada por el régimen nazi. Al conocer al joven Michael, lo primero que le pide, es que le lea. Así es, que le lea. Y no cualquier cosa, sino novelas para así entretenerse y saldar la impotencia de no saber leer.

Entre lecturas y relaciones sexuales, la rutina se apodera de ellos, y Michael ve en la jato de Hanna, el escape perfecto a su mundo de niños y triviales aventuras que para nada le satisfacían. Era ya una felicidad enorme cruzar la calle y llegar a la casa de la enfermera.

Michael siempre guardó su amor hacía Hannah.

Lamentablemente, este tipo de relaciones no tienen un futuro feliz. La ilusión de Michael acaba de un momento a otro, cuando Hanna desaparece de la nada, sin dejar rastro alguno. La interrogante quedó en el aire: "Dónde se metió la flaca?"

Muchos años después, vemos a un ya adulto Michael, estudiante de derecho, que en una de sus prácticas asiste a un juzgado en donde se esta procesando a colaboradores nazis. En medio de los acusados, encuentra a Hannah, quien se declara culpable de todos los cargos. Es aquí donde la película recobra el romance perdido en la adolescencia del joven, y se ve como él, a pesar del tiempo y de todo, ha guardado un amor intenso por la enfermera.

"The Reader" es una muy buena película, en donde por fin Kate Winslet logra obtener el merecido Oscar a mejor actriz que ya hace años debía obtener. El amor cuasi platónico, es lo que más rescato de esta película, que mezcla en algo la sexualidad, el proteccionismo, la lectura y el amor a pesar de los años.

Puntaje: 8puntos.

SLAM (2003)

Dirigida por Miguel Martí.

Esta película sin ninguna intención de generar recordación, ni pretender cierto grado artístico, es en realidad nula y fácil de olvidar en cuanto a entretenimiento, ya que la historia es demasiado hueca y hasta disparatada pero para mal. La vi con la intención de buscar un tipo de distracción que me saque del mundo tan no convencional que rodea la mayoría de pelas europeas que veo, sobretodo del mercado español, del cual me veo una pela x semana... por lo menos.

Y eso que la película es juvenil e intenta trasladarnos a ese mundo salvaje que el director intenta dibujar como "universo juvenil". Pero se le pasa mano tremendamente. 

Con un argumento fatal, unos personajes estereotipados de mala manera y escenas que dan pena (en vez de risa), consigue que al menos al más tonto le pueda dar risa. Se sale de todo el contexto que significa el cine español para intentar ser un calco de cualquier película americana de comedia juvenil que vemos a cada instante en la cartelera. El calco le sale mal, y aunque existen escenas de regular calidad, son apañadas y casi olvidadas por todo el contexto general.

La película gira alrededor de Fito, quien debe conseguir una gran entrevista para la revista en que chambea. Dicha entrevista consiste en lograr una charla con la banda del momento en el fastuoso festival llamado "Slam". Para ir al dichoso festival, tendrá que meterse un viajesote con sus amigos de ruta, Toño y Luisito, quienes representan a dos personajes que se ve en toda película: el chico ganador, buen mozo, y el nerd perdedor (como para salir de la rutina, no?). En el camino se tropezarán con problemas y con un par de chicas que serán las que adornen de romance a la película.

Natalia y Sofía son algo así como dos hippies que sacarán de sus casillas a Fito y los suyos. 

Paralelo a esto, el joven periodista tendrá una dura competencia, ya que su principal enemigo en su chamba, es otro joven periodista que buscará la exclusividad para lograr dicha entrevista.

Así es como transcurre la película, con un pésimo desenlace, que en verdad distorsiona lo que se vive en un concierto y que escapa mucho de la realidad.

Hay escenas de amor candentes y cosas que siempre habrán en este tipo de películas juveniles (para llamar la atención y generar interés en los jóvenes), drogas, alcohol y harta fiesta.

Eso es todo. A mi no me generó el mínimo estimulo y si no fuera por este blog, tendría la película olvidada por ahí. Pero como he decidido poner todo lo que tengo en mi estante de películas, le tocaba su turno a "Slam", que de salvaje solo tiene las dos primera sílabas, y eso que pide ayuda..... a caudales.

Puntaje: 3 puntos.

HARRY POTTER Y LA ORDEN DEL FÉNIX (2007)

Dirigida por David Yates.

Esta fue la primera cinta de la saga del mago que dirigió Yates. Y como ya había hablado en las "Reliquias de la muerte", se nota que algo cambió en la saga de Potter a partir de la llegada de Yates. Y es que el director inglés le dio cierto aire oscuro a las películas e intentó que estas fueran del agrado no solo de niños, sino para un público en general y que no fuese fan acérrimo de los libros. Y es que le convenía que no fuesen seguidores de los textos, porque hay cambios en la película con respecto al libro, que para muchos seguidores de éstos, fue una especie de sacrilegio.

Harry conoce a Luna, una extraña estudiante
de Hogwarts.

Pero dejando de lado dramas subjetivos y de valor emocional, me centro más que nada en lo que vi en las dos horas y cuarto que duró la película. El cambio se siente, y deja de lado un poco la magia y la candidez de los niños para ponernos algo más de trama adulta y ciertamente dark, en donde ya se nota que el gran enemigo de Harry Potter comienza a envolver al mundo mágico, en una densa capa dark que traerá consigo maldad y terror. Y es así como comienzan a aparecer personajes que no necesitan vestirse de negro ni tener horripilantes máscaras para dar cierto temor. Una de estos personajes a los que me refiero, es la aparentemente tranquila Dolores Umbrigde, quien llega a Hogwarts para encargarse de un cargo de maestra. Lo único que hará es intentar usurpar el lugar de Dumbledore como director de la escuela.

Harry y el grupo de chicos que entrenó, para luchar
contra Voldemore y sus mortífagos.

Al margen de lo que ocurre en "Hogwarts", se comienza a pintar el inicio de una batalla entre fuerzas del bien y del mal. Es así como Potter descubre una especie de cofradía llamada "La orden del Fénix", integrada por algunos magos y amigos, que se reúnen para combatir a Voldemore y a sus mortífagos, y también para proteger a Harry de ellos, ya que saben que el principal objetivo de Voldemore y los suyos es eliminar al joven mago. En este clan del bien, aparecen personajes que han estado ligados al mundo Potter en las anteriores películas. Así vemos reaparecer a Sirius Black, Ojoloco Moody, Remus Lupin, a los viejos de Ron, entre otros.

En el Ministerio de la Magia.

El lado oscuro de la trama se va apropiando cada vez más de la película, conforme pasan los minutos. No sé si el libro será o no digna fuente de inspiración del film, pero a mí si me gustó la forma como Yates nos transporta a un mundo que era antes de magia y fantasía, y que poco a poco comienza a oscurecerse. 

Pese a todo esto, Yates pone un buen porcentaje de romanticismo en la película, lo cual creo que cagó un poco la película.... ya que me hizo ver en ciertas escenas, a cualquiera de esas tonta películas de comedia romántica americana. Al parecer el afán de exagerar en ciertas escenas, era para atraer más la atención de aquellos que no han leído los libros y que le tomen más atención a la saga en cuestiones del amor entre sus protagonistas. 

Con todo esto, "Harry Potter y la Orden del Fenix" tiene menos acción que su antecesora, pero nos pone casi a un pie de lo que en verdad está por llegar. La confrontación que varios ansían ver. 

Es el comienzo de la rebelión.

Puntaje: 6 puntos.

UNE VRAIE JEUNE FILLE (1976)

Dirigido por Catherine Breillat

Sigo mucho a esta directora francesa, por su peculiar y agudo estilo por plantear el tema de la sexualidad y todas las conductas que pueden rodear a este tema en particular. Y es que la francesa desde un inicio se ha planteado la idea de analizar punto por punto, película por película la manera en como cada persona (en diferentes formas de ser) convive con su sexualidad y con ciertas dudas, problemas, creencias o tabús que éstas puedan tener con ella. Es probable que resulte medio erótico, o hasta ciertamente subido de tono, pero la Breillat no lo plantea con ese sentido, sino que hay escenas que tienen que darse para que la historia tenga cierta credibilidad.

Alice explorando los cambios que sufre su
cuerpo, típicos en su edad.

"Una chica muy joven" (título en español) resultó ser la opera prima de la primeriza Catherine Breillat. Y como todo inicio debe partir por justamente un punto de inicio, un puerto por donde se disparen todas las ideas y cuestionamientos hacía varios horizontes, no tuvo mejor que idea que presentarnos a una chica que curiosea y comienzan una relación con su sexualidad inocente y atrevida a la vez. Explora más que nada, la intimidad de una chica que podría representar, tranquilamente, a cualquier chica de su edad en aquella época, ya que sus interrogantes, sus fantasías y su ingenuidad es un calco de lo que cualquier adolescente tiene en su vida.

Una mezcla de sensualidad e inocencia.

Hablamos de Europa de fines de los 70s, una sociedad ciertamente adelantada a nuestra sociedad, que venía saliendo de un montón de "booms" mediáticos y sociales, los cuales influían de gran modo en la actitud de jóvenes y adolescentes. Es así como vemos a Alice tan deseosa por conocer mucho más de su sexualidad y explorar aquel inmenso mundo, del cual no sabía nada. Su ingenuidad contrasta con una sensualidad casual, y digo "casual" porque ni ella misma sabe que es lo que hace o que es lo que provoca. Y claro, para intentar meterse en aquel mundo, debe recibir el apoyo de alguien de mayor edad o que por lo menos tenga experiencia en el asunto, así es como comienza a coquetear con algún mayor o a sufrir de eso que en psicología se conoce como el "complejo de Electra".

Las maneras que usa para intentar acercarse a un
chico, no eran las adecuadas.

La Breillat nos representa a aquella niña que ya comienza a tener el cuerpo de toda una mujer, pero que no sabe mucho de él y que no comprende ciertos cambios típicos de la edad. Comienza a experimentar ciertos placeres en solitario, a ver como los cambios físicos se van prolongando en todo su cuerpo y el deseo hacia el sexo opuesto crece y crece cada vez más. Ella no lo puede evitar. Es una obligación fisiológica, la cual no puede detener y, que tampoco, piensa detener.

Una película inicial que explora justamente el inicio de la sexualidad en una persona, en este caso en una chica, y que pareciera que reflejara una experiencia de la propia directora, quien muchos años después sacaría un libro que justamente habla y detalla más cosas acerca de la historia de este film (en base a novela).

Puntaje: 8 puntos.

FUNNY GAMES (1997)

Dirigido por Michael Haneke.

Hablar de Haneke es hablar de un ya reconocido cineasta alemán que se ha merecido el galardón de maestro por sus grandes películas (varias ganadoras de Cannes) en donde explora la violencia de manera sutil y poética. Y es que en casi todas sus películas, la violencia esta presente y no de una manera tan explícita o bizarra (como en películas gore o de terror), sino que la vemos hasta a veces de manera tácita o como la síntesis de una enfermedad.

Pues ya le he visto hasta tres películas y no puedo negar que el tipo sabe lo que hace y tiene bien merecido los premios obtenidos a lo largo de su carrera.

Que lindos vecinos que encontraron.

Hablaré de "Funny Games" como algo general, ya que el alemán se atrevió a hacer el remake de su propia película, varios años después. Así pues la versión austriaca la filmó en 1997, lo cual le valió un prometedor ingreso al mercado del cine europeo. El remake llegó exáctamente 10 años después, con una propuesta exclusivamente para ingresar al mercado gringo (con Naomi Watts y Tim Roth como actores principales). La historia, desenlace, inicio y todo lo de la película, no cambia para nada ni en la cinta del 97 como en su remake del 2007. Es decir, una es calco de la otra, por eso que esta entrada de hoy agrupa a ambas películas por igual.

Los juegos divertidos del clan de Paul.

Y es que "Funny Games" nos presenta a un grupo de chicos a los cuales les divierte la violencia. Les entretiene y fascina vivir atormentando a la gente. Hasta que se topan con una familia, que desea pasar unos días en paz y soledad en una jato de campo. Se topan con Paul y sus amigos (quienes visten extrañamente de blanco, como Alex DeLarge y sus drugos en "La Naranja mecánica de S. Kubrik) quienes les gusta vacilarse de la gente y humillarlas de manera violenta. Es ahí que vemos un derroche de violencia casi desapercibida de manera explícita, ya que Hanneke la viste de traje de gala. Las formas como en ambas películas la describe, es casi poética. Salvando diferencias, claro está.

Paul y su bolita de golf, con la cual se divirtió
en toda la historia.

Y es que en la versión norteamericana vemos un lenguaje algo más digerible, como que para que todos lo comprendan y no caigan en algún tipo de somnolencia. En la de 1997 es todo lo contrario. Abundan los silencios (típico en el cine europeo) pero esto no estropea, para nada, la excelente labor detrás de cámara de Haneke, ni la forma como nos hace sentir la historia y su respectivo desenlace. Y es que es la película perfecta para que el bien no triunfe, y créanme que al final de la misma, nadie saldrá descontento con el final. Es algo más llevado a lo real que a otra cosa.


"Funny Games" significó el ascenso de un gran director como Hanneke, quien pese a realizar un cine algo atrevido y admirador de la conducta violenta y hasta perversa del ser humano, no decepciona en la manera como nos muestra este tipo de eventualidades propias de una persona cualquiera.
Es lógico que muchos asiduos concurrentes a salas de cine en esta ciudad, no puedan lidiar con el cine del director alemán, pero esto es más culpa de las distribuidoras (encargas de embrutecer al cinéfilo común de esta ciudad) que de uno mismo.


Lo bueno es que de vez en cuando tenemos la suerte de disfrutar de una película de esta categoría, en nuestras salas comerciales.




Puntaje (compendio entre las dos): 8 puntos.

THE VIRGIN SUICIDES (1999)

Dirigida por Sofia Coppola.

Primero voy a resumir un poco lo que significa para mí Sofia Coppola. Ella debe ser algo así como el prototipo de mujer ideal para mí. Le encanta el cine, le gusta crear historias algo diferente al interés común de las personas. Es hija de un genio llamado Francis Ford Coppola. Le encanta la buena música. No es de complicarse la vida e intentar siempre estar relax. Y lo mejor de todo, no tiene prejuicios de nada, es decir, vive feliz siendo como es y dejando vivir al resto. La amo.

Las jóvenes hermanas Lisbon.

La Coppola entra al cine con esta historia de señoritas, que son de una familia conservadora y de aparente recato social, que viven en un barrio tranquilo y moderado. Osea, no existe la más mínima idea de alteración que pueda predecir algo funesto o de estupor en dichoso barrio.

Por esto mismo es que comienza todo a desdibujarse de la manera mas trágica para la familia Lisbon. Son cinco hermanas quienes viven en una cárcel diseñada por sus ultra conservadores padres. Aparentan ser unas chicas alegres y felices por el mundo que les ha tocado vivir, pero guardan dentro de ellas, esa falta de libertad y el poco aire que pueden respirar, para sentirse realmente "jóvenes".

Cecilia intentando escapar de la tristeza.

Cecilia, una de las jóvenes hermanas, es la que da la primera voz de protesta. Intenta suicidarse cortándose las venas en una bañera, siendo rapídamente atendida por los padres y por el médico de la familia.

"Las vírgenes suicidas" es un canto de protesta bien armado por la joven, en ese entonces, directora, quien con un ritmo agradable y sutil, acompañado de muy buena música, logra orquestar una hermosa película, prometiendo un futuro grandiosa como realizadora a la joven Sofía. Mas allá de que se toque un tema demasiado espinoso, como el caso de las familias ultraconservadoras que lo único que hacen es asfixiar socialmente a sus hijos, reprimiendo ciertas cualidades de ellos que puedan hacerlos entrar en depresión y consecuencias funestas, la Coppola adorna el paisaje de la época de manera genial.

El final es demasiado poético.

Nos representa el suicidio como una salida o escapatoria hermosa para quienes cometen dicho acto. La forma como la representa es sublime. Podría estar enmarcado en un aire siniestro o poco estético visual, pero la novel directora invierte todo esos conceptos y los dibuja de una manera digerible y entendible. 

Los bandos que existen en la trama, el de los chicos afanosos que quieren conocer a las hermanas Lisbon, y el de las propias hermanas que viven encerradas en una casa y solo pueden tener comunicación con la calle (el mundo) por unas simples ventanas, son bandos que arman el cuerpo de la historia, y son los que ocasionan el desenlace entre esperado e inesperado.

Gran debut de la pequeña Coppola como directora, quien logró consagrarse luego con "Lost in Translation" y que ya depende de un nombre propio sin estar atada al nombre de su famoso padre.

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE I Y II (2010-2011)

Dirigida por David Yates.

Lo bueno de haberme visto todas las películas de esta saga llamada "Harry Potter", es que no me considero fan ni hincha tanto del libro como de la historia en sí. Me sumergí en ese mundo tan solo para comprender tanto despelote armado a su alrededor y para darme una idea de como es el cine masivo en su máxima expresión. Fui más como cinéfilo que como lector, ya que no he leído ningún libro de Rowling, así que iba veía las películas de la forma como el director las interpretaba, desconociendo si es que seguían la trama del libro o si es que por ahí, inyectaban las historias con algo de su particular estilo, para que tengan vida propia y sean reconocidas tanto por público por como crítica.

Harry, Hermione y Ron, los tres jóvenes magos.

Yates había dirigido dos de las películas más flojas de toda saga Potter. La casi "comedia romántica" que significó "El cáliz de fuego" (con un final bueno, que rescató a la película) y la malísima "El Misterio del Príncipe", que había leído y escuchado de los propios fans, que era una burla y una ofensa a uno de los mejores libros publicados por la escritora inglesa. La película me pareció medio sosa..... ya habrá tiempo para comentarla luego. Con todos estos indicativos, cualquiera tendría miedo de como este director llevaría a la pantalla grande, el capítulo final de toda una saga.

La escena en el Ministerio de la
Magia.

Y es que Yates había tenido la suerte de que le encomienden esta saga, que no pretendía ganar aceptación en la crítica, pero sí en la taquilla, y vaya que lo ha logrado. Por ende, podría simplemente basarse en los libros y dejar a cargo de lo técnico, a los especialistas. Tuvo mala fortuna con las películas ya contadas, y para el final de la saga, decidió partir (creo que fue más decisión de la productora, ya que más pelas, más plata) el libro 7, en dos partes. Con esto, "Harry Potter y las Reliquias de la Muerte" iniciaba el 2010 con la primera parte, y se cerraba en el 2011.

La primera parte fue una cachetada. Fue un "lo que viste antes de mí, no tiene nada que ver con lo de ahora". David Yates se reinventó y ofreció una hermosa transformación de lo que no habíamos visto antes de su parte.

El pequeño elfo Dobby.

Mucho le ayuda el hecho de que le dieran casi  5 horas de metraje para que complete el 7timo libro.

"Las Reliquias de la Muerte 1" es un juego de silencios, de tensión, de buenas actuaciones (Emma Stone está genial, al igual que Alan Rickman). La fotografía y la cámara en mano me gustaron mucho.

Los silencios que mete Yates en la trama, son precisos y le dan una vida propia a la película. Vida que no pudo otorgar a sus anteriores dos películas. Creo que los fans debieron salir contentos, porque la historia planteada es buenísima.

Como que presenciamos una historia que ya luce muy oscura, muy ténebre. Potter y sus amigos viven para sobrevivir, y ven como el mundo que conocieron en un inicio, es solo escombros y sus amigos y familiares, han tenido que desaparecer.

Es el inicio de la dictadura de Voldemore.

El séquito de Voldemore.

Los bandos ya están declarados. Los que siguen a Harry Potter son los que la tienen complicada. Sufren una persecución por parte de dementores, del Ministerio de la Magia y de los seguidores de Voldemore. Pero aún así, Potter con la ayuda de Hermione y Ron, logran esquivar a sus adversarios y seguir en su lucha por eliminar a los horrocruxes, los cuales debilitarán a Voldemore, volviéndolo un rival fácil de vencer.

La confrontación final.

Si la primera parte de "Las Reliquias de la Muerte" nos ofrece a un Yates que intenta llevar a otro level a la saga de Potter, en la segunda parte como que vuelve a ser el mismo. 

No digo que sea mala, pero como que es más acción y más concentrado en atrapar a la audiencia con la épica batalla en el colegio Hogwarts (a quien no se le vino la memoria "El señor de los anillos" en esta parte, es que definitivamente está en nada) y la confrontación final entre Harry Potter y Voldemore.

Los aditivos que podrían completar la saga, serían los de la parte romántica entre Harry y Ginny, y el más esperado beso de todos: el de Hermione y Ron. De ahí, su toque triste con algunas muertes y la nostalgia del final. Pero la película pudo ofrecer algo más y creo que ahí es donde falló.

Y es que Yates puso la valla bien alta en la primera parte y como que repetir tal hazaña, le costó demasiado en la dos.

De hecho que los fans están contentos y así hubiera sido una huecada total, hubieran salido felices de la película. Por eso que agradezco no ser fan y poder dar una opinión algo más subjetiva. De todos modos, el sumergirme más en este tipo de cine (al cual he intentado rehuir en ciertas ocasiones) me ayuda a tener más puertas abiertas y dejar de concentrarme en lo que dicen los demás. Que mejor que experimentar por uno mismo para luego dar una opinión.

Desde ahora, al final de cada "opinión", dejaré mi puntaje de valoración. Las dos parte de "Las reliquias de la muerte" forman una sola, así que mi puntaje va por la unión de ambos. De hecho que la primera parte le da un peso jodido al cálculo final.

7 puntos.

THE LAST HOUSE ON THE LEFT (2009)

Dirigida por Dennis Iliadis.

La idea original fue concebida en los 70s y supuso la ópera prima de este gran director de cine terror (considerado uno de los mejores directores del género) Wes Craven, quien dio el permiso respectivo al director griego Dennis Iliadis para que hiciera un remake de su primera obra. Claro está que las diferencias son demasiado resaltantes. La primera vez que se proyectó esta película allá por el año 1972, la película contaba con un precario costo de producción y un no tan sofisticado orden técnico, lo cual contrasta terriblemente con la modernidad de hoy y los alcances que se tiene en la actualidad en cuanto a tecnología. Lo que primó en aquel lejano año fue la idea creativa de Craven, de lanzar una historia buena y que colme las expectativas de todos.

Los padres de Mary observan lo que Krug y los
suyos le hicieron a su hija.

Iliadis solo intenta evocar ese estilo de terror, añadiéndole algo propio de su estilo (recordar que el dirigió la muy comentada película "Hardcore", de la cual muy pronto hablaré en este blog) y que quería respetar la trama como tal y añadirle solo algo de esa eficacia técnica de estos tiempos, cosa que no existía en los 70s. Sobretodo si es que nos referimos a la ópera prima de un director, lo cual nos pone a pensar los errores que pudo tener como primerizo que fue, y que hacer un remake de aquello, es corregir pequeños errores del pasado y entregar algo mejor, no? Falso. Siempre lo primero se rescata por lo original y verídico que fue, pese a errores y a notorios problemas en la producción.

Krug, su hijo y cia. llegan a la casa, sin saber
quienes la habitaban.

Una familia decide vacacionar en una casa ubicada a orillas de un lago, alejados de ciudad, barullo y demás cosas que permitan a uno estar cerca de lo que llaman "tranquilidad".

La mala suerte para ellos, es que un peligroso criminal acaba de escapar de la cárcel, con la ayuda de dos compinches, quienes viven prófugos buscando sobrevivir, sin importar como.

Lo raro es que Krug (el criminal) tiene un hijo llamado Justin, totalmente opuesto a la mente criminal de su padre. Justamente Justin conoce a la hija de esta familia que vive en la casa del lago, en un mini market del pueblito. Él conoce a ella y a su amiga Page, a quienes las invita a fumar unos porros a su cuarto de hotel.

Mary intentando sobrevivir.

Todo se caga cuando llegan al cuarto el padre de Justin y sus dos compinches: Francis (tío de Justin) y Sadie (la flaca de Krug). Al ver a su hijo con las chicas, se molesta demasiado Krug, porque piensa que eso puede poner en riesgo su preciada libertad que tanto le costo obtener. Así que deciden tener de rehenes a las chicas y comenzar una larga pesadilla para Mary y su familia, quienes llegan a pensar lo peor...

La historia se anima, cuando de casualidad el grupo de Krug llega a la casa de los Collingwood, sin imaginar que son los padres de la chica de la cual abusaron y dejaron muerta en medio del bosque....

Una historia de venganza e impulsos criminales que dejara boquiabiertos a los que aún no han podido ver la película. Si nos ponemos en lugar del padre, creo que a todos se nos cruzaría por la cabeza hacer lo que hizo el señor. Y es que a falta de justicia, es mejor usar las manos y poner en práctica las ideas más macabras para hacer sentir el dolor sufrido... a los mismos que lo cometieron con un ser querido.

Interesante para pasar el rato. Me quedo con la original.

HARRY POTTER Y EL CÁLIZ DE FUEGO (2005)

Dirigida por Mike Newell.

Lástima que no duró mucho la participación de Alfonso Cuarón detrás de la dirección de la saga de Potter, pero como dije en la anterior subida, el mexicano dejó diseñado los parámetros para que los directores que lo precedan, se basen en lo que el dejó como legado en dirección. Y vaya que se nota que intentaron amoldarse a su manera de percibir la saga del joven mago, ya que en esta película, se nota claramente el rumbo que se le quiere dar tanto en fotografía como en dirección de cámaras, y claro... apostando también al manejo de actores que se tenía en el reparto, para que la historia siga con ese aire algo adulto y dejará de ser tan infantil como en las dos primeras películas.

El famoso cáliz de fuego.

"El cáliz de fuego" se presentaba como una de las partes con más acción de toda la saga, debido al torneo de "Los 3 magos" que se describía en el libro. Es tal el mundo paralelo que recrea J.K. Rowling, que el trabajo para adaptar ese libro (y los otros) al cine, es sin lugar a dudas un trabajito bien pendejo.

Yo, sin ser fan de Harry Potter, pienso que las sagas van de menos a más conforme se va avanzando. Las películas las he visto en estos últimos 3 meses y me ha quedado esa curiosidad jodida de ver el desenlace final. "El Cáliz de fuego" presenta mucha acción y también el despertar e inicio del fin de la paz reinante que existía en aquel mundo de magos.

El inicio del mal está muy cerca.

Desde el comienzo de la película se observa que ya las cosas no serán la mismas. El señor siniestro poco a poco está regresando a la vida y para eso, necesitan a Harry Potter para que por fin pueda renacer y así gobernar al mundo de los magos.

Ya se ve a los actores más jóvenes. Creo que en las posteriores entradas que me resten sobre las películas de Harry Potter, hablaré sobre la belleza creciente de Emma Watson (Hermione) ya que antes me parecía una niña simpática y bonita, pero conforme avanza la historia y va creciendo, ya la niña es mujer, y como tal... ya uno no puede referirse a ella como simplemente simpática y bonita. Es toda una hermosura ahora a sus 21 años.

Un joven Robert Pattinson.

Detalle particular el nombrar a Robert Pattinson, aquel actor que ahora es conocido por ser el galán en la saga "Crepúsculo". Él tiene una participación importante en "El cáliz de fuego" como Cedric, uno de los 4 competidores del Torneo de los Tres Magos, que es el argumento esencial de esta cuarta película.

Los cuatro jóvenes magos luchan por hacerse del cáliz de fuego, intentando ganar en cada fase o competencia que se les pone al frente. Otro personaje que aparece en este capítulo es "Ojoloco Moody", quien luego será referente en las posteriores entregas. Él aparece primero como una especie de protector y consejero de Potter, pero luego........  

Lo atractivo de esta película es el torneo en mención. Newell intenta seguir con tino lo dejado por Cuarón, lo cual logra de menor manera pero que pasa piola. "Harry Potter y el cáliz de fuego" es el inicio del reinado de Lord Voldemore, quien por fin se da a conocer y es el que pone la sazón picante y maligna de la saga. Como se diría por ahí...."lo bueno está por comenzar".