TAKE THE MONEY AND RUN (1969)

Dirigido por Woody Allen.

Los principios de Woody en el cine (como dije en "Bananas") fueron de full comedia. Un estilo lleno de gags y con un mismo personaje en común: el despistado y algo ingenuo protagonista, a quien interpretaba el mismo Woody. En otra oportunidad subiré la que fue su primera película en realidad, solo que esta es considerada x muchos, como el verdadero inicio en la dirección cinematográfica de este gran director norteamericano. El inicio, porque en su primer film, "Lily, la Tigresa", solo usa imágenes prestadas de un film asiático, a las cuales les cambia las voces, transformando la historia original, una pela gangster, en casi una comedia.

Virgil perseguido x un gorila.

"Toma el dinero y huye" se convirtió en su primera película dirigida por el mismo, ya que fue participe del guión, de la dirección y con un equipo a su disposición, lo que normalmente se usa en la grabación de una pela, no? Pues esta comedia es muy graciosa, ya que nos relata la historia de un ladrón demasiado lorna.

La manera como comienza la película, con una especie de biografía de quien es exactamente nuestro personaje principal. Desde su niñez, llena de niños que lo lornean a cada rato, pasando x la juventud, en donde se repite la misma situación hasta que decide "avivarse" y pasar al bando de los ladrones, solo que como tiene todo lo lorna pegado en su cuerpo, la para cagando a cada rato.

Uno de los tantas momentos graciosos de la película.

En realidad es demasiado inútil para todo, pero pese a eso intenta sobresalir en el mundo del hampa, aunque jamás se vea algún logro. Todo esto es narrado en formato documental, algo que Woody ha repetido en pelas posteriores y que buenos resultados le ha dado.

El personaje interpretado x Woody se llama Virgil, y como dije, es un broder demasiado inútil, a quien todo le sale mal. Tiene una esposa a quien intenta mantener de alguna manera u otra, con la promesa de un gran robo, que sirva como soporte económico para toda una vida, algo que suena difícil de creer, ya que Virgil no le puede robar un globo a un niño siquiera.

Los padres de Virgil.

Un montón de gags demasiado graciosos y un Virgil que tiene una cara demasiado graciosa. De hecho Woody hace reír con solo hablar. Su modelo de cine, muy al estilo de los hermanos Marx, es un tributo homenaje a aquellas películas que hicieron reír a muchos, en los años 20s o 30s.

La anécdota cuenta que Woody estrenó esta pela en un pequeño cineclub de la ciudad de Nueva York, pero fue tal la acogida del público (quienes llenaban la sala día tras día) que tuvo cierta difusión en circuitos comerciales de la ciudad, logrando Allen el suficiente apoyo para poder financiar su posterior película, que sería "Bananas" (de la cual ya hemos hablado).

Woody Allen inicia así su larga carrera en el cine, tanto como actor y director. He visto el 98% de sus películas, así que es probable que vean demasiado de este director neoyorkino en este blog. 

Los dejo con el trailer.

TAKE THE MONEY AND RUN: Movie Trailer. Watch more top selected videos about: Janet Margolin, Louise Lasser

TRANSFORMERS (2007)

Dirigida por Michael Bay.

"Autobots transfórmense y avancen!!"

De todas maneras esta es una película y no por ser masiva, o mal llamada comercial, voy a dejar de subirla a mi blog, más aun si la tengo en mi repisa de pelas.
Basada en un dibujo ochentero, que un montón de mi generación conoce y es fiel devoto, "Transformers" es la adaptación cinematográfica de aquel dibujo, que bien o mal nos parezca, hemos tenido que verla para luego salir decepcionados o salir conformes. Yo creo que sí Michael Bay dejara de lado ciertos estereotipos (que siempre pone en todas sus películas) y omitiera personajes que solo estorban en la trama, sus películas serían otra cosa.

Megan Fox y Shia Lebouf, protagonistas humanos
de la historia.

Y más que un resumen de la película o una apreciación de lo que fue para mí, me centraré solo en quitarle ciertas escenas o ciertas cosas que en verdad, entorpecieron la trama o la hacen muy....previsible.

Por ejemplo, la típica comunicación vía web cam, en donde la esposa muestra al bebé, sabiendo que al otro lado el esposo puede morir. Es una escena demasiado usada, que a veces ya cae espesa y muy trivial. Tranquilamente se pudo omitir la escena y no se hubiese sentido nada. El negro hacker es un personaje demasiado trivial. La escena en su casa, con su familia (humillada racialmente, de manera subliminal) es una parte de la película que se pudo omitir tranquilamente. Al igual que la "experta" en sistemas que puso Bay en la cinta, una rubia que no tiene pinta de serlo, pero yo sentí el mensaje del director: "Para que vean que no todas las rubias son tontas".

La escena que le dio "fama" a Megan Fox.

La actuación de Megan Fox no es pésima, se debe mas que todo a que aún no era conocida y fácil no tenía la cabeza caliente y pudo hacer un papel al menos rescatable. 

Tarde tiempo en asimilar que la película que vi, tenga que ver con los dibujos que veía de pequeño. Si es que en aquellos dibujos veía a Megatrón transformarse en una pistola, a Bumblebee en un carro tipo Tico o que Jazz no podía morir de la forma en que murió.

Al final entendí que Michael Bay quería hacer una historia basada en una de las tantas historias que salieron de los Transformers, que no llegué a ver, porque solo me limité a ver los dibujos y no a otras cosas más.

Optimus Prime, el viejo líder autobot.

Mérito para los efectos visuales y para el sonido, en donde se ve la gran calidad de los técnicos que tiene el equipo de Michael Bay. La historia es entretenida, pero tiene ciertas banalidades que la hacen tonta en algunas escenas. En la 2da entrega, el director quiso mejorar eso, pero empeoró y nos puso una trama..... que bueeeeno, mejor la describo cuando toque hablar de ella.

Transformes entretiene en cierto modo, pero no es como para verla como una película de gran recordación. Michael Bay y sus estereotipos chancados hacen que se me vengan a la mente películas como "Armagedon" o "Día de la Independencia", que solo son recordadas x sus buenos efectos especiales.

La lucha entre Autobots y Decepticons es lo que predominó en el dibujo. En la película también, solo que se le dio relativa importancia a la participación humana en la historia. Es increíble ver como se bajaron a un decepticon. La lucharon, es cierto, pero igual.... fue increíble. 

No sé si recomendarla. A mi no me gustó del todo, pero es bueno siempre verla para que uno se de una idea y pueda opinar con bases. Los dejo con el trailer.

LEJOS DE LA TIERRA QUEMADA (2008)

Dirigida por Guillermo Arriaga.

Y siguiendo con los estrenos en cartelera, de películas que tienen 2 años de estrenadas a nivel mundial (inclusive en nuestra región), nos llega una película que ha sido muy mal traducida x estos lares con el nombre de "Corazones ardientes", nada que ver con lo que ofrece la historia.

El director de esta película es un viejo conocido, ya que ha trabajado junto a Alejandro Gonzales Iñárritu, siendo Arriaga el escritor de los guiones de las pelas "Babel", "21 gramos" y "Amores perros". Osea, no es un desconocido en la materia, así que decidió lanzarse como director, filmando esta película, en donde contó con la participación de buenos actores.

Una pareja que no puede ser feliz junta.

Como dije, el título que le han dado a la película en su estreno (tardío) en Lima, es el peor que le pudieron poner. Uno se imagina que tal vez es una historia con un sentido erótico, cuando es casi todo lo contrario. Existe un conflicto pasional, pero el giro que le intenta dar Arriaga a su película, desvía un poco la atención de aquella parte erótica, centrándose más que nada en un conflicto emocional, que no pasa x lo físico, sino mas bien, por los sentimientos y las decisiones que hay que tomar frente a ciertas confusiones sentimentales.

Arriaga, fiel a su estilo en las historias que fueron dirigidas por Iñárritu, entrelaza historias con un orden secuencial. En total son 3 historias que van transcurriendo paralelamente, solo que lo temporal la distancia. La forma como 

Sylvia y un pasado que la atormenta.

vemos a una mujer con serias alteraciones sexuales y con un pasado que no la deja vivir en paz (Charlize Terón), una joven que busca ser feliz al lado del chico que ama y que le es prohibido querer (Jennifer Lawrence) y una madre que vive un romance peligroso y atrevido con un hombre casado (Kim Bassinger), son las 3 historias que nos presenta el director mexicano.

La manera peligrosa como ambas transcurren, nos hacen ver que viven al ras del fuego, en vidas que no son felices del todo, pero que luchan por alcanzar aquella felicidad que tal vez exista en sueños, pero que en su vida real, esta presente en una tierra llena de fuego encendido, en donde corren peligro de quemarse.

Gina y Nick viven un romance prohibido.

El sueño de cada uno de ellos es encontrar el espacio perfecto para vivir alejadas de esa vida llena de tormentos y sufrimientos. El estar alejadas de aquella tierra que solo les ha impedido ser felices. Para ello, encuentran nichos en donde son felices, pero el hecho de intentar buscar sonreír x dentro y x fuera, origina que estén al borde de la muerte, no solo física, sino también interna. Muchas cosas prohibidas y peligrosas se ponen en la palestra, y cada una verá la forma en como reacciona ante ellas.

Arriaga nos pone una historia compleja y atractiva a la vez (aunque suene contradictorio). Pese a que existe un desorden aparente en la forma como se ve la película, cada pieza, cada escena, encaja bien con la idea final del director. Tal vez sea una efímera incursión del mexicano en la dirección, pero para ser el inicio, esta bien.

El trailer os dejo. Véanla en el cine, se las recomiendo.

NOWHERE BOY (2009)

Dirigida por Sam Taylor Wood.

Sabemos muchas cosas sobre The Beatles, como que son una de las bandas más influyentes de todos los tiempos, que la gran mayoría de sus discos son obras de arte que perduran hasta la actualidad, que experimentaron con drogas, que creían en aquella magia espiritual, que ocasionaron toda una revolución en su época, que Yoko Onno tuvo cierta culpa en su separación, que Lennon fue asesinado en 1980, que Harrison falleció de cáncer, que Mccartney viene a Lima (!!!!!!!), que Ringo era el mimado, tantas cosas sobre ellos. Pero pocos conocen la historia antes de. La historia de cuando aun no conocían de fama y eran simples mortales.

Paul, John y George, los Beatles de chibolos.

"Nowhere boy" gira en torno a la vida de John Lennon antes de formar The Beatles. El título de la cinta tiene que ver con una canción hecha x los mismos Beatles llamada "Nowhere Man", que obviamente fue modificada en la última palabra por obvias razones (creo que se sobrentiende).

La vida de Lennon es marcada por dos mujeres quienes desarrollaron su personalidad, que hoy en día todos los que gustamos de su música conocemos. 

Basado en una obra biográfica escrita por la media hermana de John, llamada Julia Baird, así que hay cierta realidad en esta película. Vemos a un Lennon joven, colegial, sin ningún tipo de pasión hacia la música. Tiene que ocurrir un hecho lamentable para que el destino ponga en el camino a su madre, quien lo había abandonado de pequeño, y quedó bajo el cuidado de su tía Mimi.

Paul y su madre Julia, la principal inspiradora de su carrera
como músico.

Julia, el nombre de su madre, es la fuente de inspiración para el Lennon que se hizo conocido con los Beatles. Tanto en lo musical como en lo lírico, Lennon basa todo lo aprendido tras la aparición de su madre. Si bien es cierto, no fue fundamental en su crecimiento, sí lo fue en el desarrollo de su carrera musical y en la pasión que le puso a ésta.

Ella le enseñó la música desde el punto de vista como ella lo veía. Una escena cuando van a un bar y ella pone en la rocola una canción de rock an roll y le dice: "Mírame". Se pone a bailar loca y desenfrenadamante y le dice..."Que ves?". John se queda mudo, sin saber que responder, a lo que su madre replica: "Esto es rock an roll".

Macca y Lennon en lo mejor que le dieron al mundo:
su música.

También podemos ver la aparición de Paul Mccartney en la vida de Lennon. Un chico que perdió a su madre y quien enseña ciertos secretos de la guitarra, ya que John no sabía tocar muy bien. Una vez dentro de la banda que ellos armaron, The Quarrymen, Paul hace ingresar a George, a quien lo presenta como un gran guitarrista que prefiero tenerlo en su banda, a que otra banda lo tenga.

En un principio, vemos a un Lennon algo rebelde y desenfadado con todos. Poco a poco el ingreso de su madre a su vida, irá enderezando su visión y su forma de ver las cosas. Julia es fundamental en el carácter que Lennon dio a conocer al mundo luego, con los Beatles y mucho después en solitario. 

Es una película que me encantó, porque pude conocer algo más de la vida de uno de los integrantes de la banda que amo demasiado (son 5 bandas que amo: Blur, Soda Sterero, The Beatles, The Ramones y G-3). 

Si te gustan los Beatles, y te gusta Lennon, DEBES ver la película. Si te gustan los Beatles, tendrías que ver la película. Si no te gusta mucho los Beatles, te la recomiendo, ya que viéndolo desde el punto de vista de un drama, la cinta se defiende bien y logra atrapar con su trama y su desenlace.

Se estrena en Lima en estos días (a pesar que ya tiene dos años de estrenada). Nunca es tarde, menos aún con la próxima llegada de un Beatle a Lima.

Los dejo con el trailer:

EASY A (2010)

Dirigida por Will Gluck.

Por lo general veo todo tipo de pelas que me llame la atención para ver. Muy pocas veces me guío de referencias de terceros, salvo que estos sean de mi total admiración o respeto (que los hay en su mayoría, como amigos o profesores, o gente de trabajo). "Easy A", que aquí se llamó "Se dice de mí", es una película que pertenece a ese nuevo grupo de comedias adolescentes, en donde destacan pelas como "Superbad" o "Adventureland". En esta entrega aparece Emma Stone, quien ya había destacado anteriormente en "Zombieland" y que hoy x hoy ya es una actriz juvenil destacada (tanto así que estará presente en la nueva entrega de Spiderman).

Emma Stone interpreta a "Olive", la chica "fácil" de
la escuela.

El lenguaje que se usa es ágil e intenta ser innovador, valiéndose del aporte narrativo que brinda Olive (E.Stone) quien nos cuenta lo que le ha sucedido en su escuela. Todo esto lo hace a través de una webcam (estimo yo que es una cuenta skype).Desde ese espacio de su dormitorio, nos cuenta que le ha ido sucediendo a través de los días en su muy alterada vida social.

Todo se debió a un mal entendido, quizá, o a una especie de mentira blanca que usó para que no la atormenten más con una pregunta o un prejuicio. 

Olive y su enemiga  Marianne.

En realidad todo nace de una mentira. Una mentira que tenía la intención, por parte de Olive, de hacer creer a su amiga que había pasado más allá de besitos y caricias en una cita con un chico universitario, al punto de perder su virginidad. Habrá ganado cierto respeto y rango en la mente de su amiga Rianhon, pero como buena mujer que es.... expandió el chisme por toda la escuela. Las bolas crecieron y crecieron, dejando a Olive como una chica fácil (hasta el punto de que sea considerada una perra). Olive lo único que hizo fue asimilar su nueva realidad y fingir ser como la gente la alucinaba.

En su vida no tan fácil, conoce lo que suelen llamar amor.

La rival de Olive, Marianne, no puede creer que ella tenga una fama tan elevada, incluso superior al de ella en la escuela. La fama que adquiere Olive, implica a que varios chicos de baja popularidad y algo lornas en la escuela, soliciten ciertos favores para incrementar su imagen en dicha secundaria. Estos favores consisten en que ellos usen el nombre de Olive, como parte de una farsa que inventarán, para hacer creer que han tenido sexo con ella. Olive se presta como las huevas. 

La vida no siempre será así para ella, tanto que los chicos no se le acercarán con buenas intenciones, cuando ella espera a alguien que en verdad la ame. Así se desenvuelve la historia, que es algo suelta, ágil y con una Emma Stone de buena performance. 

No es una gran película, pero divierte y entretiene sin ser una historia hueca o podrida. Es recomendable verla cuando la pasen en cable (si es en idioma original mejor), o sino para verla un fin de semana en tu jato, con tus patas, frente a un dvd, con chelas y algo de comida.

Y no sirve de mucho crearse una falsa imagen.

ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA (1984)

Dirigida por Sergio Leone.

Obra de arte. Película de culto. Belleza visual. Tantos adjetivos pueden rodear a esta película dirigida por el italiano Sergio Leone, y tantos de éstos cercano a lo magnífica y bella que es la película, en donde participa el gran Ennio Morricone como compositor de la bella banda sonora de la película. Es extensa en duración (pasa las 3 horas), pero lo justifica su tan bien lograda historia que tiene de todo, pero que en donde sobresale el cine de gangsters, en donde destaca la figura de Robert De Niro, quien nos muestra como era crecer en Manhatan a principios del siglo XX.

Noodle y su pandilla de niños.

Con esta película llego a las 100 que voy publicando, cantidad que no se acerca a la mitad que tengo en mi dormitorio, pero que al menos es un número importante de registradas. La cinta de Leone es una de mis favoritas, por eso que va en este importante lugar número 100.

La emoción nos atrapa desde el inicio, con una muy buena banda sonora compuesta por Morricone, que nos suelta una versión instrumental de Yesterday hermosísima, para el primer flashback de la obra. Un Robert De Niro quien interpreta "Noodles", un judío quien creció en aquellos suburbios de New York, en donde aprendió a sobrevivir.

Una joven Jennifer Conelly le da vida a Deborah, el eterno
amor de Noodles.

Luego de iniciar con la actualidad (el presente de la trama) nos sumergimos al origen de los personajes y el como llegaron a lo que son en el presente. Es en este guiño al pasado en donde encontramos a una niña aún Jennifer Conelly, quien ya mostraba cierta belleza facial, que enamoró a nuestro pequeño protagonista Noodles. Ella trabajaba en el bar/bodega de su padre, junto a su hermano Moe.  El adolescente Noodles conoce de casualidad a Max, quien le propone formar una banda, con la cual poder sobrevivir al difícil mundo que les rodea.

Noodles y los suyos.

Junto a Patsy, Dominic y Cockeye forman un quinteto que pondrá en peligro el orden establecido por el amo de la zona, un tal Bugsy, quien no permitirá que los jóvenes pilluelos se salgan con la suya.

Tras borrar del mapa a Bugsy, ocurre una desgracia en el quinteto, que pasa a ser terceto por la pérdida de dos integrantes (Noodles es encarcelado).

Esto no impide que la amistad se pierda y una vez que Noodles recobra su libertad, Max y el resto lo recogen, algo más maduros en el oficio de la delicuencia, para así retornar al peligroso mundo callejero, esta vez como cuarteto, pero con mayores ambiciones y mejores planes que los de antes.

El formato clásico impera en la película y también ciertas metáforas. Las balas, persecuciones, traiciones y amoríos transcurren durante el metraje que dura la película y, debo admitirlo, en ningún momento llega a ser pesada.

La escena del teléfono es memorable.

Actores de la talla de James Wood y Joe Pecsi, acompañan a De Niro en esta brillante película que culmina una triología que empezara Leone años atrás, y que concluía de forma magistral.

Cabe mencionar que no ganaron ningún premio de la Academia en aquel año, pero la historia se ha encargado de ubicar a la obra de Leone, en un lugar en donde varías películas no han podido llegar.

Sergio Leone falleció un año después de que la película se estrenara.

Recomiendo mucho esta obra de arte por diferentes razones que he intentado mencionar en este escrito. La música, actuaciones, el desenlace, la historia en sí, por De Niro, por la acción planteada durante la película y porque es una obra inclasificable dentro del cine de Leone.

Es imposible perderse esta película. Tres horas que no se sienten. Una Obra de arte. Así de simple.

SEVEN (1995)

Dirigido por David Fincher.

Yo diría que es la primera película de Fincher, pero ya antes había dirigido "Alien 3", lo cual a muchos sorprendió, ya que muy rara vez se le encarga un proyecto de tamaña comercialidad (la saga de Alien ya es todo un blockbuster) a un jove y novato director. Era su primera película y ya le encargaban un presunto éxito comercial. "Seven" fue su segunda película, con la cual se desenvolvió como mejor quiso y donde mostró que estábamos frente a un director que daría mucho que hablar. Si bien es cierto, contó con la participación de 3 buenos actores (Brad Pitt, Morgan Freeman y Kevin Spacey), no era el gran momento de este trío en el plano actoral por aquel entonces. Mucho dependía como lo usaría Fincher y como se adaptarían al rol que les tocaba en la película.

Mills (Pitt) y Somerset (Freeman), juventud y experiencia.

"Seven" es un extraordinario thriller, lleno de suspenso que puede transformarse en terror, dependiendo quien sea el espectador. Lo que si valoro mucho en la historia, es la forma en como se van soltando los cabos para un desenlace de lo más sorpresivo y genial a la vez. Pues la película nos narra la aparición de un asesino (un psicópata) quien mata a sus víctimas usando los 7 pecados capitales. ¿Cuáles son? Fácil me olvido de alguno:

Gula.

- Gula.

- Envidia.

- Avaricia.

- Pereza.

- Lujuria.

- Soberbia.

- Ira.

Menos mal los recuerdo. Le debo este ejercicio a la memoria a cada una de las muertes que recuerdo de la película. 

Este asesino deja pistas que deben ser resueltas por los detectives Mills y Somerset. Las pistas son bien pendejas y demoran en descubrir que es lo que intenta comunicar exactamente el asesino.

El desenlace de la película, dejará frío a más de uno.

Es de las pocas películas que he visto de este género (sobre asesinos psicópatas o seriales) que más impacto me ha generado. Y es que la manera como suceden los crímenes y la captura del culpable Jhon Doe, nunca dan un cierre definitivo de la trama. Siempre te deja alguna duda que ayuda a engrandecer a la película, ya que lo que suponías obvio, no lo es, y esto genera expectativa, algo de sorpresa, valga la redundancia y mucho suspenso. La actuación de Kevin Spacey es aterradora. Se le cree el papel de enfermizo asesino que simplemente quiere ajusticiar a los que para él, les parece pecadores. Incluso a los mismos que se supone son los que detienen este tipo de actos de "injusticia".

"Seven" significó el ingreso de Fincher al mundo del cine que le conocemos. Luego vendrían títulos como "Fight Club", "Zodiac" o "Social Network", pero ya con esta película, que en español se llamó "Pecados capitales", nos mandaba guiños de que su ingreso al séptimo día...... no sería efímero.

Si no la han visto, háganlo porque se ganarán con un thriller ESPECTACULAR.

BIG FISH (2003)

Dirigida por Tim Burton.

Ya era hora que subiera algo de Burton. La historia de esta película puede llegarle más a un hijo que a una hija, ya que concretamente es la manera en como transcurre la relación entre un padre y un hijo. Suele ser a veces medio fría o no tan cariñosa como lo es con la madre. "Big Fish" también es la historia de un soñador, un padre que como el personaje de Roberto Benini en "La vida es bella", intenta de llenar de imaginación y fantasía la vida que lleva.
Esto hace que haya un cariño especial por el personaje de Edward, el padre de Will, quien está muy delicado de salud y siente que pronto dejará este mundo.

Will lleva a su padre x el último camino.

Edward toda su vida ha sido conocido como un gran contador de anécdotas. El haber vivido mil y un aventuras y contarlas de una manera fantástica y casi en forma de cuentos, ha ocasionado que su único hijo se aparte de él. Esto en parte a la incredulidad por parte de Will de creer que su padre haya pasado x tantas aventuras, desde como conoció a su madre, hasta los viajes y personajes que fue conociendo en el camino. En estos puntos de la historia, es donde se nota con claridad el arte y la mente de Tim Burton, ya que nos recrea una historia llena de imaginación, que solo el viejo Edward saben si son real o no.

Aquel regalo de Edward para la chica de su vida.

Podría decir que el personaje de Edward representa a todos los que alguna vez vemos la vida de otra forma, con otra percepción. Algo más pegado a verlo todo con alegría y agregarle cierta fantasía para no tener que contaminarnos con la funesta realidad. Will no lo ve así y no acepta que su viejo sea tan cuentista y que en varias ocasiones haya opacado su sensatez con alguna anécdota, que no cree hayan existido como tal.
Siempre se dice que toda verdad cae por su propio peso, y es ahí cuando Will se da cuenta que su viejo, lo único que quiso hacer al contarle toda esas historias, es ayudarle a ver la vida con alegría y positivismo. 

Esta escena nos muestra lo que llaman amor.

La película es medio triste, por el desenlace cantado que ocurrirá. La forma en como lo presenta Burton es hermosa. La escena cuando Will le cuenta a su viejo como se imagina su partida, es fastuosa. Salen lágrimas porque al fin y al cabo Edward logró que su hijo valore lo que tanto le inculcó.
Una mezcla de personajes "irreales", escenarios de fantasía, anécdotas quiméricas y un narrador omnipresente (Edward) hacen de esta película, una de las joyas de Burton que deja a un lado toda su pasión gótica, por una historia con más color pero con ese toque especial que Tim le da a sus pelas.


La muestra de una relación entre padre e hijo es lo que más recuerdo de la película, que recomiendo si no la has visto, y que recomiendo verla cada cierto tiempo, si es que ya la viste.


Para muestra, un botón.

AMERICAN BEAUTY (1999)

Dirigida por Sam Mendes.

Es increíble cuando ves una película que retrata con fidelidad lo que es una familia común y normal, en una sociedad que es fiel a la realidad de acuerdo como la historia la describe. Y es que "Belleza americana" es el retrato fiel de lo que en aquel entonces, era la sociedad norteamericana, resumido en el seno de una familia típica de los barrios residenciales gringos, en donde notamos conflictos existenciales, de pareja, de familia, de amistades y de diversa índole. El trabajo de Sam Mendes es formidable. Yo creo que puede ser catalogada como una pela de humor negro (en ciertos momentos), mezclado con algo de drama. El erotismo también esta presente y ausente en ambos sentidos. Y es que el papel de Mena Suvari es de la típica chica que parece que tiene mucho por ofrecer, pero que en verdad tiende poco conocimiento de lo que quiere dar.

Lester ignorando a su esposa Carolyne.

Y en este punto es que tal vez gire toda la trama, o el centro de la historia. Lester (Kevin Spacey) es un hombre cuarenton, casado con Carolyn (Anette Benning), con la que tiene una relación de pareja casi escrita por un guión. Siguen una rutina que ambos saben que les produce asco, pero deben comportarse como marido y mujer para que la sociedad a la que pertenecen, no los juzgue mal. 

Jane es la única hija de aquel matrimonio. Jane es la típica chica noventera, que ha crecido con otros ideales y otros pensamientos con los cuales sus padres crecieron. Es por eso que se ve una marcada distancia entre los padres y la nena.

Ricky, Jane y Angela.

Lester representa a un gran porcentaje de hombres que llegada a cierta edad, sienten que su vida es una mierda total y que ven como su esposa es practicamente un maniquí y que su hija no vive lo suficiente con él. Cansado de su monótono trabajo y de la vida que él mismo ha diseñado, siente que la muerte esta próxima (una especie de stress) y que no ha hecho ni un carajo por vivir de acuerdo a lo que el soñó como "vida perfecta". Esto se acentúa más cuando conoce a Angela (Mena Suvari) la amiga de su hija Jane, quien es una porrista al igual que ella y a la que tiene presente en sus más fervientes fantasías sexuales.

La fantasía erótica de Lester, protagonizada por Angela.

La crisis de pareja entre Lester y Carolyn se puede notar cuando se observa al primero, masturbarse mientra se ducha, con lo cual se presume que en sexo.... están en cero. Otra forma de notar este rompimiento afectivo y sexual entre ambos, es cuando Carolyn conoce al que es su competencia laboral. Ella se dedica a vender casas (venta inmobiliaria), en donde tiene una competencia voraz, en el que al final se convertiría en algo más que un competidor. 

Otros personajes particulares son los vecinos de dicha familia, quienes son Fitts, familia compuesta por tres integrantes también, solo que ellos tienen a un hijo varón: Ricky. Su padre, un coronel retirado del ejercito, representa aquel porcentaje de la población racista y discriminador que predomina mucho en familias cuyos padres han sido  integrantes del ejercito. Una extraña forma de llevar la vida......

Una excelente película, llena de personajes que pintan el panorama de aquel entonces (dudo que haya variado) de la sociedad norteamericana. Una familia de clase media (para arriba) que debe sobrevivir a los problemas típicos que se presentan, y en donde a veces, la muerte parece ser la felicidad perfecta.

Ganadora del Oscar a mejor película.

CLERKS (1994)

Dirigida por Kevin Smith.

Que joyita de película. Después de tiempo que no me reía con una comedia, que no necesitó el uso de gags básicos (y convencionales) que se suelen usar en comedias, para hacer reír a los espectadores. Toda la película esta centrada en el diálogo entre personajes. Como reza el título, es la experiencia de un día en un mini-market, en donde Dante es un cajero de dicho lugar, a quien le han encargado que chambee justo en su día libre, ya que el encargado no puede.

Dante, el cajero del minimarket.

Toda la película es rodada en blanco y negro, y no existe la presencia de actores conocidos, ni se filma en otro lugar que no sea el mini-market. El costo de producción de la pela es bajísimo, cosa que se diferencia con la gran acogida que ha tenido en diversos festivales de la época, a tal punto de calificarla como una obra de gran valía para el cine independiente.

Pero, ¿por qué tantas flores para una película que parece simple, sencilla y encima, barata?

La premisa del film resume todo tipo de explicación: "La comedia real de nuestros tiempos". Yo le cambiaría esa frase, por una más que se entienda por estos lares (hablo de Lima): "Comedia de barrio". Y es que el lenguaje coloquial y algo atrevido en que se basan sus actores, hace reír demasiado. Todo es sarcasmo y lenguaje directo, no hay tabús ni se callan nada. Tal como sucede en un barrio o en la vida real, en donde la gente se expresa tal como le parece, ya que todos se entienden de ese modo. "Clerks" es así. Dante y Randal (quien es cajero de una tienda de videos al lado del mini-market) son personajes que uno puede encontrar en la esquina o en la bodega del barrio.

Dante y Randal, los personajes principales de esta
gran comedia indie.

La película esta dividida por escenas, que se pueden notar mediante una pantalla negra con una palabra que intenta resumir lo que se viene en la escena siguiente. Hay escenas memorables y disparatadas. La del funeral es un de esas, al igual que la discusión entre Dante y su novia Verónica, en donde se puede ver lo voluble que puede ser la relación de una pareja: unos minutos de amor y tranquilidad y de un momento a otro, discutir por cualquier idiotez que aparece en el momento. La forma en como se dicen las cosas, es tan natural, que da risa por la forma tan real en que uno puede sentir la escena.

Randal viene a ser como el sarcástico, enfermo y pendejo de la trama. La manera en como dice las verdades a la gente es graciosa, y  a su vez, tiende a ser un poco soez, pero a veces las personas entienden así, solo que Randal se va hacía el extremo.

Una de las mejores escenas de la pela, la discusión
entre Dante y su novia Verónica.

"Clerks" no decepcionará a nadie. Salvo a aquellos que aun mantienen un espíritu conservador, el cual les hace ver la vida de forma cerrada, ya que no se animan a ver más allá de un mundo cuadrado que ellos mismos han inventado. 

Es la ópera prima de Kevin Smith, director norteamericano quien ya lleva años repitiendo el formato de humor al estilo "Clerks", que ha tenido una buena acogida por parte del público. Con un humor ácido, directo y muy pero muy común (por decir real), ha construido un tipo de comedia que ha sido copiado por varias otras y que actualmente hacen reír no de la misma forma, pero que tienen relativo éxito.

Muy recomendable. Es muy difícil que una película catalogada como "comedia", tenga ese significado para mí, ya que no hacen reír mucho. "Clerks" es la excepción, y desde ya, tengo que comenzar a difundir una joya indie que muchos desconocen.

VÉANLA.

TOY STORY (1995)

De PIXAR.

Al fin subo algo de Pixar, y que mejor que iniciar con "Toy Story", la primera cinta animada de la historia del cine. Fue todo un suceso ya que no se había experimentado mucho con esto de la animación (salvo cortos y algún experimento). Era el primer largometraje animado de la historia y no decepcionó a nadie, y siguen en esa senda de no decepcionar con cada estreno que hacen. Pues bien, todo este fenómeno del cine de animación ha tenido tal suceso, que la Academia decidió agregar una categoría más en su premiación anual del Oscar, y esta fue "Mejor cinta animada", rubro en donde Pixar casi siempre se ha llevado la estatuilla, ya que a parte de ser el precursor en este género, ha innovado en cuanto a técnica se refiere, y cada vez sus historias son mas adultas y tienen un gran valor para la crítica, que incluso varias veces se ha dicho que debería postular a mejor película y llevarse dicho trofeo. Estamos hablando de una empresa que se ha posicionado por hacer películas animadas de gran factura y que ya son todo un clásico.

Buzz y Woody, dos personajes que ya entraron en la
historia del cine.

"Toy story" es una historia sobre juguetes. Así de simple se nos pinta la trama. Jhon Lasseter quien dirige la historia animada, nos cuenta como se desenvuelven un grupo de juguetes, tras la llegada de un nuevo huésped, quien es Buzz Lightyear, el juguete nuevo del pequeño Andy. Buzz se tiene que integrar a una comunidad de juguetes (que están en el dormitorio de Andy) quienes son comandados por Woody, a quien no le agrada para nada que este nuevo personaje, sea el engreído de Andy, intentando hacer de todo para que Buzz pase desapercibido y así poder seguir ostentando el trono de juguete preferido.

Los celos de Woody.

Comienza un sinfin de aventuras que hacen entretenida la trama y que nos muestran lo muy trabajada que fue la animación para los estudios Pixar. No es nada artesanal y se ve una calidad perfecta en cada escenario, en cada personaje (sus gestos y actos motores) y la manera en como manejan los planos de cámara.

Lo técnico es perfecto, y la historia también es buena. Una mezcla entre amistad, solidaridad y otras enseñanzas que un poco se deslindan del mundo infantil y en algunos momentos, pasan a tocar temas de adultos. De hecho que la película deja esa nostalgia de cuando eras niño y tenías tus juguetes. Casi todos tratábamos a nuestros juguetes como si fueran personajes reales. En la película, vemos como es que ellos se supone vivían y pensaban. 

Cuando Woody decide rescatar y salvar a Buzz

La pela te hace reír en muchas ocasiones, con un humor moderado y no tan simplista. A veces gestual, otras veces sarcástico. Los giros argumentales son perfectos y Lasseter varía la historia sin caer en incoherencias y siempre preservando esa consigna de la unidad familiar entre juguetes. Woody que empieza siendo el villano (x los celos contra Buzz) y dándose cuenta que eso no lo lleva a nada, decide salvar a Buzz de los líos en que el mismo Woody lo ha metido. Ahí se desarrolla la trama, en base a las aventuras de ambos y a la ayuda de sus amigos juguetes por salvar la existencia de ambos.

Pixar entra al mundo del cine animado con el pie derecho y adelantándose demasiado a otros estudios, que recién comenzaban a experimentar con este tipo de cine. Hoy por hoy, Pixar le ha sacado demasiado ventaja a los estudios competidores, ya que no solo se centra en entregar una película de calidad técnica, sino que sus historias tienen una vena adulta que ya se las etiqueta como cintas de culto.

"Toy story" es la aventura de juguetes que tal vez todos hemos soñado en alguna oportunidad. No decae en su ritmo y siempre nos trae alguna sonrisa. Es de las pocas películas en donde sus secuelas, han sido o superior o igual que su predecesora. 

El trailer esta demás, porque me imagino que la mayoría ya vio la pela. Igual es una regla ponerlo. Disfrútenlo.

BROTHERS (2009)

Dirigida por Jim Sheridan.

Muy atentos a este director inglés, quien ya ha hecho buenas películas como "Mi pie izquierdo" y "En el nombre del padre". Esta es otra película que la estrenan en Lima después de casi un año de su estreno a nivel mundial. La vi en enero del año pasado y me gustó mucho la actuación de Tobey Maguire.

Sheridan hace el remake de una pela danesa (Broder) que había tenido un gran éxito en Europa. La idea del remake de por sí no es mala, solo que no sirve compararla con la original. Si fuera una película que se deslinda de la original, diría que es muy buena, pero lastimosamente tiene la sombra de la pela danesa, así que siempre se va a prestar a las comparaciones.

Sam y Grace, una pareja que tendrá que vivir un
gran tormento.

Sam (T. Maguire) es un infante de marina quien tiene la familia perfecta. Una joven y bella esposa, y unas adorables hijas. El solo hecho de ser un infante, ya nos desvela que el futuro inmediato para el joven marín, es algún tipo de conflicto armado. 

Lo envían a la zona de Afganistán, con lo cual lo separan de su familia.

Tommy (J. Gyllenhal) es el hermano de Sam, y es casi lo opuesto a éste. Recién ha salido de la cárcel, no ha constituido una familia y no tiene un trabajo estable. Osea, es casi la otra cara de la moneda. Y es objeto de comparaciones por parte de sus padres.

Tommy intentando tomar el lugar de su hermano Sam.

Sheridan no nos cuenta una historia, porque la historia ya fue contada en su versión original (la danesa), pero sí intenta trasladarnos a la forma como sería en la sociedad norteamericana, tan afín a este tipo de cosas (el envió de marines a lugares alejados que están en guerra).

Vemos a una típica familia norteamericana modelo, bien constituida y bien desarrollada. El hermano vendría a ser el problema en una familia que ha tenido la buena suerte de su lado. El momento en que Sam se va a Afganistán es clave para el cambio de postura del Tommy. Más aún, cuando llega la noticia de que Sam ha fallecido y Tommy tiene que ayudar a Grace (N. Portman) la joven viuda, a sacar a sus hijas adelante.

El efecto de madurez que adquiere Tommy es tal, que vemos la transformación a cada instante. El papel de tío queda a un lado y comienza a sobresalir el de protector o tutor de las niñas, quienes rápidamente se encariñan con el tío y olvidan que su padre ya no volverá. Ese cambio también lo siente Grace, quien percibe el crecimiento interno de un Tommy que solo era un preso que recién cobró la libertad.

El conflicto entre dos hermanos, interpretados por Tobey
Maguire y Jack Gylenhall.

El conflicto de la película comienza cuando Sam regresa con vida de Afganistán. Aquí nos muestran las realidades desde diversos ángulos. Los sentimientos encontrados, las confusiones de por medio. El pasado que comienza a quedar en el pasado y el presente que suplanta a tal vez un pasado que fue feliz.

Y es que Sam no regresa como el pasado se lo había llevado y comienza la trama entre los hermanos. Aquel conflicto de que tú eres el bueno y yo soy el malo. Tú lograste buenas cosas y yo no logré ni mierda. Tal vez sean envidias o rencores del pasado, tal vez no lo sean. "Brothers" nos da los motivos para creer muchas cosas y la actuación de Maguire es tal, que vemos el cambio de su personaje al inicio y al final de la película.

Estrenada tardíamente en nuestro país, nunca es tarde, valga la redundancia, para poder degustar de una película de este gran director inglés. Es un remake bien logrado y sin mucho que criticar. Es probable que haya sido estrenado recién en Lima, debido a la fiebre "cinematográfica" que ha desatado Natalie Portman, que ahora inunda nuestras salas con tantas pelas. Yo pienso que es por eso que la estrenaron, porque como está de "moda", la gente quiere ver pelas de ellas. 

Es un buen gancho

Anda mírala al cine oe!!!