THE THREE BURIALS OF MELQUIADES ESTRADA (2005)

Dirigida por Tommy Lee Jones.

Son pocos los actores que se animan a dirigir y que les sale bien su incursión en esta nueva faceta. Algunos quizá tengan la experiencia de haber chambeado al lado de grandes directores, otros simplemente sorprenden por hacer cosas totalmente distintas a proyectos en donde han actuado (el caso de Ben Affleck). En esta oportunidad tenemos una película que es dirigida por el veterano actor Tommy Lee Jones, basado en un guión de Guillermo Arriaga, quien ha escrito "Amores Perros", "Babel" y otras tantos guiones más que han sido elogiados por la crítica.

Llevando el cadaver para su segundo entierro.

La cinta está ambientada en la frontera entre Estados Unidos y México, y protagonizada por el propio Tommy Lee Jones, quien demuestra su buen dominio del idioma español. Él es Pete, un gran amigo de Melquiades Estrada, un mexicano que es asesinado por error, de un disparo hecho por la patrulla de frontera. Mike Norton es el policía que se equivocó al dispararle, ya que creía que era un delincuente....

La cinta está ambientada en la frontera entre Estados Unidos y México, y protagonizada por el propio Tommy Lee Jones, quien demuestra su buen dominio del idioma español. Él es Pete, un gran amigo de Melquiades Estrada, un mexicano que es asesinado por error, de un disparo hecho por la patrulla de frontera. Mike Norton es el policía que se equivocó al dispararle, ya que creía que era un delincuente....

Lo entierran en el desierto primero, luego en un cementerio del pueblo, a pedido de las autoridades, hasta que Pete se entera de que el verdadero asesino es el policía Mike. Decide secuestrarlo, desenterrar el cadáver de su amigo y llevarlo a su México natal para darle el entierro que se merece.

Melquiades y Pete.

oda una odisea tendrán que vivir ambos, ya que la policía lo busca a Pete por secuestrar al policía, de quien no se sabe que fue el asesino (de casualidad) de Melquiades Estrada.
Es una historia que tiene todos los guiños de los guiones de Arriaga, ya que nos muestra demasiado sobre la cultura propia de un pueblo (en este caso en el de México) y la manera como se proyecta la misericordia y el perdón. En este caso son dos hombres los que viajan con un cadáver hasta México, montados en caballos y buscando aquel lugar que Melquiades siempre mencionó, donde le gustaría que lo entierren.

Toda una odisea tendrán que vivir ambos, ya que la policía lo busca a Pete por secuestrar al policía, de quien no se sabe que fue el asesino (de casualidad) de Melquiades Estrada.
Es una historia que tiene todos los guiños de los guiones de Arriaga, ya que nos muestra demasiado sobre la cultura propia de un pueblo (en este caso en el de México) y la manera como se proyecta la misericordia y el perdón. En este caso son dos hombres los que viajan con un cadáver hasta México, montados en caballos y buscando aquel lugar que Melquiades siempre mencionó, donde le gustaría que lo entierren.

Sorprendió el buen trabajo de Lee Jones detrás de cámaras, ya que es una historia pausada pero no aburrida, con un buen final y actuaciones que soportan el peso de la trama. Lo justo y necesario para un debut auspicioso como director.

Tommy Lee Jones ganó un Cannes como mejor actor y Arriaga como mejor guión.

Puntaje: 7 puntos.

LABIOS ROJOS (2011)

Dirigida por Rafa Lara.

La chamba del publicista es jodida. Dependiendo en que tipo de empresa, agencia se encuentre, la carga laboral es pesada y quizá mucho depende de la creatividad, paciencia y esmero que el profesional le ponga a su trabajo, para que todo salga bien. También depende mucho la calificación de los clientes, quienes por lo general son el principal dolor de cabeza de todo publicista. De las pocas carreras en donde se exprime al máximo el cerebro. 

Este tipo de labor, ocasiona el stress y la mala vida que a veces se suele llevar y que causa diversos males tanto en hombre como mujeres. En esta película mexicana nos hablan un poco de eso, centrándose en la vida de la pareja que conforman Ricardo y Blanca. A él le va bien como publicista, tan bien que Blanca solo se dedica a ama de casa, viviendo en una buena casa y con todas las comodidades disponibles. Esta vida hermosa se ve alterada por un hecho en la vida de Ricardo: su pene ha muerto.

Blanca y sus masajes de nalgas.

La impotencia es quizá la peor pesadilla para un varón. La gran muestra de virilidad se ve reflejada en una erección, al no tenerla, el autoestima decae considerablemente.

Para Ricardo todo lo bien que debería irle, le irá mal debido a esa preocupación que tiene. Tendrá que saber como afrontar la situación, sin contarle nada a su esposa, ya que no lo cree conveniente y piensa que es simplemente un hecho efímero (lo cual no es así).

La cinta intenta ser graciosa pero no lo logra. Lo paso más como un divertimento de fin de semana, que no hace reír pero que tampoco aburre.

Ricardo intentará levantar el ánimo por otros lados.

Eso sí, hay situaciones que son muy tontas que quizá debieron presentarse mejor, porque se lucieron como obvias, sin causar sorpresa alguna en la trama.

Las actuaciones estuvieron regulares, aunque el papel de la bella Silvia Navarro (Blanca) como que debió ofrecer más, ya que ella era la que sufrió mucho con las supuestas escenas de "humor" (no le queda bien el rol de comedia).

En lo demás, entretiene pero no llena. Nunca supe bien porque la película llevó ese nombre, ya que la trama principal giraba en torno a la impotencia sexual de Ricardo. Lo de los "labios rojos" no se siente para nada, tan solo en algunas frases que no van acorde al contexto de la historia.

Está bueno como para ver que quizá mucho trabajo, puede ocasionar decaimientos en algunas zonas del cuerpo...

Puntaje: 5 puntos.

BAARIA (2009)

Dirigida por Giuseppe Tornatore.

Me decepcionó esta película. "Cinema Paradiso" es una obra de arte para mí, y es la película que más me ha gustado de todas las que he visto en mi vida, así que fiel al director me aventuré en ver esta película algo más de dos horas y media. La decepción es causada por una historia que recorre la historia de un hombre, Peppino, a quien se nos muestra desde pequeño, adolescente, joven y adulto, recorriendo varias etapas de la historia contemporánea italiana. La confusión campea en casi toda la película, ya que los cambios de espacio temporal son constantes, tornándose por ratos apática e incoherente.

Peppino de padre familia.

El inicio marea un poco. No me dice casi nada la primera parte de la película, ya que no logró enchufarme ni llamar mi atención. El tiempo avanza sin dar tregua y los cambios físicos de personajes, aparición de otros, hace que la historia no me deje ser la ilación como para lograr entenderla.

El error de Tornatore es el de no saber administrar bien el tiempo que le da la cinta. He visto cintas similares, como "Underground" de Kusturica, en donde se ambienta una historia en el correr de los años de un país, mostrándonos los hechos que ocurren durante las épocas que recorre la historia. En "Baaria" no puedo seguirle el rastro a la vida de Peppino y me mareo.

Peppino de niño

Se supone que se recorre la vida de tres generaciones: Peppino, su padre Cicco y su  hijo Pietro, éste último no tiene mucha relevancia en la historia, pese a que el director intentó darle cierto protagonismo sobre el final de la película. 

En este recorrido, que inicia en la Italia antes de la segunda guerra Mundial, pasando por la época de Mussolini, el fascismo, la post guerra, etc. Se va notando mucho  los cambios en el ambiente, en modas, tecnología, comunicaciones, pero se pierde un poco el rumbo del protagonista, con historias que no me comunican mucho.

"Baaria" se pierde en la ilusión de Tornatore por crear una película que supere sus expectativas y que recorra la historia contemporánea italiana, pero se pierde en el camino y me perdió a mi también.

Puntaje: 4 puntos.

FEMME FATALE (2002)

Dirigido por Brian de Palma.

Leí muchas críticas en contra de esta película y hasta ahora no entiendo en que se han basado para criticarla, ya que la obra que presento De Palma es genial, desde el punto de vista estético, la forma como cuesta la historia (los diversos planos que maneja) es impecable.

Me hizo recordar demasiado a "Ciudadano Kane", por el armado y la forma como se desplaza la cámara por todo el ambiente que cada secuencia se presenta. El juego de los tiempos también es resaltante, aunque quizá le faltó mayor tino y fuerza al director para impresionar un poco más.

Una foto cambiará la vida de Laure.

La escena de la chica corriendo por la pista, perseguida por los dos sujetos, es casi un homenaje a "Los intocables" (dirigida por el mismo De Palma), ya que la forma como se presenta la escena es tan igual como aquella de la estación del tren: cámara lenta, varios personajes metidos en la escena y el sonido pausado de la acción de cada uno de ellos, acompañados  de la música precisa que irradie cierta tensión. 

En cuanto a las actuaciones, yo diría que ese fue el punto flaco de la historia. Banderas tiene espasmos de buena actuación, pero la protagonista, Laure, no provoca mucha sensualidad, pese a que su papel le obliga a eso, ya que es la femme fatale. En realidad no la veo en el personaje, más bien se nota gélida e inexpresiva en ocasiones (demasiado alta) y Banderas a su lado parece cualquier cosa.

Usará sensualidad para varios fines

Quizá por eso la cinta cojea un poco, pero se recupera siempre por la genialidad del maestro De Palma, que sabe como mover bien sus piezas y ayuda a que cada escena sea brillante, gracias a sus planos y movimientos de cámara. Orquesta bien cada escena, deseando uno que los personajes se queden mudos.

La historia nos habla de Laure, una bella mujer que traiciona a sus cómplices (dos ladrones) con quienes ha planeado robar unos diamantes en el Festival de Cannes. Al traicionarlos, ella intenta emprender una vida alejada de lo delictivo, cosa que no podrá ser así, ya que su pasado la perseguirá a donde vaya...... hasta que nuevamente se topará con los dos ex-colegas, de quienes tendrá que ver la forma de escapar.

Una película que intenta centrarse en la belleza de su protagonista, pero que me dejó más para el recuerdo, la belleza de cada escena que De Palma dibujaba.

Puntaje: 6.5 puntos.

Q (2011)

Dirigido por Laurent Bouhnik.

Nuevamente el cine francés presenta una cinta provocativa, que puede disgustar al más conservador pero también, mostrarnos una vida que quizá no se puede tapar con un dedo. Nos muestra al amor de estos tiempos, en donde prácticamente es el sexo el protagonista principal y los sentimientos son los actores secundarios. No es una película en donde los desnudos son puestos por poner, mas bien se convierten en imágenes que plasman bien la idea que el director intenta transmitir, en una sociedad donde lo físico vale más y los deseos ocultos salen a la luz, cuando uno ve que no es pecado lo que anhela.

La bella y dubitativa Alice.

La forma como es narrada la película puede marear en algunos momentos, ya que los personajes se interrelacionan entre sí, en donde cada uno tiene un problema similar al otro en lo sexual (el amor se pone como una alternativa, como algo que no es tan necesario). 

Cecile es la chica que sirve de puente para unir varias historias. Ella es una chica que irradia deseo y provoca mucha lujuria. No sé muy bien que es lo que buscaba en toda la cinta, porque se le ve como una chica que le encanta resolver problemas sexuales y disfrutar de la provocación para sentirse importante. Como si sintiese que nole interesa a nadie, teniendo que llamar la atención de los hombres calentándolos, sin tener que llegar al acto sexual. 

Cecile y sus chicas, a vivir la vida.

Se nos muestra a la típica pareja de esposos que no puede tener relaciones por un problema en el pasado, a una pareja de jóvenes en donde se van distanciando debido al prejuicio de la chica ante el sexo y la propia historia de Cecile, que tiene novio pero éste no la desea. 

"Q" es una película con desnudos frontales, sexo explícito pero que no llega a ser abundante. No se siente una película que solo pende de las escenas de sexo, mas bien la sentí como una conjunto de imágenes que buscaban transmitir algo que en Europa se está viendo ahora último... el sexo supera al amor.

Es una quemadez total la cinta, ya que no muestra una coherencia total entre sus historias, pese a que todas apuntan a lo mismo. A veces se siente como extraño que todos los personajes estén conectados por alguien...

En fin, en el cine francés se pueden hacer esta clase de películas y todo bien.

Puntaje: 5.5 puntos.

TENGO GANAS DE TI (2012)

Dirigido por Fernando Gonzáles Medina.

Vamos por partes.

Mario Casas no actúa bien en esta secuela. La hermana de Babi quizá sea la peor actuación de toda la cinta, así como la subtrama que vive la madre de Babi me parece de lo más trivial, porque no trasciende mucho en la historia (no afecta para nada a Babi ni a la hermana ni a los demás protagonistas, si se hubiera obviado, quizá no se sentiría su ausencia).Los giros son muy obvios, pintando una historia que quizá sorprende solo en algunas escenas del final, pero no es suficiente. El director exagera demasiado con el papel de Katina, quien llora en cada escena en la que participa (depresiva total). Ahora vayamos a lo que quizá se pueda rescatar de "Tengo ganas de ti"...

Hache y Ginebra.

La actuación de Clara Lago es lo mejor de toda la película. Debo confesar que vengo siguiendo a esta actriz desde hace varias pelas ("Arena en los bolsillos" y "El juego del ahorcado", de la cual relaté mi experiencia en este blog), y aparte de que me gusta como actriz, me encanta.

Lejos de alguna preferencia, el personaje que interpreta (la no dulce "Gin") es muy bueno, porque quita a la trama toda esa dulzura empalagosa que el personaje de Babi había inundado en "Tres metros sobre el cielo". Vemos a una chica de armas tomar, que no se amilana ante nada y debe ser por eso que esas aptitudes fortalecen su personalidad dentro de la trama. Llena los vacíos que la torpe actuación de Mario Casas va dejando en cada escena que les toca juntos.

Gin es de armas tomar.

"Tengo ganas de ti" se muestra más adulta que "Tres metros sobre el cielo", ya que los personajes han crecido y son adultos. Por ende, las escenas de sexo llevan más carga erótica (sobretodo entre Hache y Gin) y ya no se esconde nada.

Igual, la película carece de muchas cosas que no la logra cuajar como "buena". Ya lo reseñé al inicio, no es necesario ahondar en más detalles.

Otro punto que quizá se destaque de la película es la ambientación. El director pareciera que escogió buenas locaciones para rodar ciertas escenas. De ahí en más, su torpeza en añadir triviales escenas, en no saber dirigir a Mario Casas y poner excesivo drama sobre el final de la película, ocasiona que no se luzca mucho al final.

La actuación de Maria Valverde pasa casi desapercibida. Su interpretación de Babi queda como fantasmal, ya que casi no interviene mucho y en lo poco que aparece.....no llega a aproximarse a lo ofrecido en la anterior cinta.

Si hay muchas fanáticas de esta cinta, es porque simplemente viven una realidad demasiado material.

Puntaje: 4 puntos.

KLASS (2007)

Dirigido por Ilmar Raag

Esta película es de Estonia, y digo ésto porque pienso que el tema que se toca en la cinta es un problema global y muy serio. El bullying últimamente es portada y noticia central de varios medios de comunicación. Asesinatos, violencia, suicidios y una serie de maltratos son producidos en escuelas de todo el mundo, y todo gracias a una especie de hábito de ciertos estudiantes de abusar de chicos débiles que no se pueden defender. Este tipo de actos ocasiona una serie de desórdenes en la mente de los afectados, que puede llegar a originar una consecuencia muy nefasta.

Joosep aguantará todo tipo de burla en su aula.

El tema no es tocado con pinzas, ya que te muestra la realidad tal y como es: cruda y violenta. Chicos de un salón de clases, abusando verbal y físicamente del más débil del aula. Joosep es introvertido, solitario y muy vulnerable. La joda y burla de sus demás compañeros, ocasiona la inseguridad de varios de sus actos, siendo visto como una especie de deforme o monstruo en su salón (hasta las flacas sienten repugnancia por él, uniéndose al bullying de los chicos con insultos). Solo un chico del salón sentirá cierta compasión y no entenderá el por qué tanta maldad sobre el pobre muchacho. Él es Kaspar, quien no duda en saltar a defenderlo,ganándose el odio del salón.

Kaspar de defensor pasará a ser una víctima
del bullying.

Viendo todo lo que padeció Joosep durante todo lo que dura la película, no puedo decir que esté mal algún tipo de reacción violenta como acto de venganza. Creo yo que todo tiene un límite en esta vida, tanto para el que jode como para el afectado. 

El que jode y se burla, debe medirse y saber que una persona no puede aguantar tanto abuso, ya que tarde o temprano se harta (así sea el más bueno y sano del mundo), pudiendo ocasionar una respuesta muy agresiva. 

El afectado sabe que en algún momento va a explotar y no se medirá. Todos sus impulsos de odio y venganza saltarán, pagando pato todo aquel que le hizo daño. No existe la piedad ni nada de eso......

"Klass" es una advertencia. Es una historia que nos muestra que tan cagados están las escuelas de casi todo el mundo, porque en el Perú también existe el bullyng y sus consecuencias (chicos que se suicidan porque no aguantan tanta joda o asesinando a los que los molestan). Es una película que nos muestra que hay algo que no está bien en la sociedad. Algo que ocasiona que los chicos se burlen y menosprecien a los más débiles.

Véanla.

Puntaje: 8 puntos.

PARANORMAL ACTIVITY: TOKYO NIGHT (2010)

Dirigida por Toshikazu Nagae.

Le tenía algo de fe a esta cinta nipona, porque soy consciente de que el terror asiático está, hoy por hoy, un escalón más arriba que el ofrecido por los gringos. Creo que esta vez los japoneses tuvieron un traspiés porque esta cinta da menos miedo que las cintas originales. Quizá esto se deba a que se está saturando tanto la saga, que ya no hay mayor sorpresa en ciertas escenas que ya uno sabe en que terminará. Otro detalle es que no me quedó bien claro la conexión entre esta cinta y las gringas, porque no lo explicaron tan bien como para poder imaginar que algo de coherencia hay en la historia como para decir que efectivamente es una secuela.

Haruka y su hermano intentarán descubrir que es lo que
sucede en su casa.

Un juego de escenas que ya suponían mucho lo que podía pasar al termino de cada una, un final que en vez de sorprender, decepcionó; y un terror asiático que no se sintió en ningún momento, dejando la sensación que esta es una secuela bastarda de toda la saga, ya que no la siento parte de ese todo que significó "Paranormal Activity".
La historia nos cuenta que Haruka ha regresado de un viaje por los Estados Unidos, en donde sufrió un accidente en San Diego, el cual la dejo temporalmente en silla de ruedas.
A su regreso, intentará rehabilitarse en su casa, solo que ciertos hechos extraños comenzarán a ocurrir desde su regreso.

Escena clásica en este tipo de pelas.

Poco a poco ella y su hermano se van dando cuenta que un espíritu maligno los acecha, hasta dar con la conclusión que dicho ente la viene siguiendo desde San Diego (unas investigaciones realiza el hermano, que le confirma esa hipótesis). Es así como vemos los clásicos planos nocturnos mientras los hermanos duermen, los hechos paranormales que van ocurriendo, así como el cambio en la conducta de la hermana, quien poco a poco se va volviendo inestable en lo emocional y conductual.
No da mucho miedo ya que el suspenso es muy notorio, no dando esa sensación de sorpresa cuando debió darla en ciertos puntos de la historia. Otro que criticar es el nombre de la película, que en muchos lugares se tituló "El Origen", cosa que no quedó muy clara luego de ver la película, ya que no se asocia en nada como para creer que es el principio de la saga (fácil no le presté la atención debida). 
Cuando una película de terror o suspenso no te produce tales reacciones (obvias), se llega a la conclusión de que es un fiasco. Esta cinta ni en lo actoral me produjo valoración.

Puntaje: 4 puntos.

PROSPERO´S BOOKS (1991)

Dirigido por Peter Greenaway.

Hay directores que no son apto para todos, ya sea por su manera algo porno de hacer cine, por su escasa distribución de cintas que dirigen o porque son demasiado artísticos, que suele ser difícil de presenciar una de sus pelas. Un director de aquellos que hacen cine del modo como lo sienten, es Peter Greenaway, al cual me cuesta mucho prestar atención en cada film que me toca ver de él. Y es que es una visión diferente, ni tan experimental.... me parece más artística, sin ser "quemada" o visualmente morbosa (sexo, sangre, violencia o algo bizarro no hay mucho en sus historias). Lo que el muestra más es el contenido, ya se visual o ya sea en su extraña forma de contar las cosas, usando planos que no son muy usuales en el cine comercial, y dejando de lado el convencionalismo para meter poesía visual en sus imágenes.

Próspero escribiendo su relato.

Esta vez Greeneway se atreve a contar, a su modo, la obra de Shakespeare llamada "La Tempestad", usando todo tipo de planos para comunicar varias ideas en torno a la historia de Próspero, ex-duque de Milán, desterrado por su hermano y su cómplice a una isla alejada de Europa, en donde vivirá con su hija.

Toda la historia es contada por el mismo Próspero. Nadie más habla. Estamos ante una especie de cuento, donde la voz en off de Próspero nos va narrando detalle por detalle, casi de forma poética, todo lo que pasó mientras estuvo viviendo en aquella isla y los años que le tocó vivir mientras su hija iba creciendo. 

Imágenes casi poéticas en toda la película.

Al llegar a la adolescencia, su hija se enamora del hijo de su pero enemigo. Aquel que lo obligo a irse de su ciudad y vivir en una isla alejada de toda familiaridad.

Los planes de venganza aparecen en la mente de Próspero e inicia así todo un proceso de revancha que busca apagar toda esa sed que padeció en el exilio.

La historia transcurre de una manera muy compleja que cuesta seguirla, ya que es contada a modo de cuento, en donde la voz de Próspero narra todos los hechos de una manera poética, acompañada de imágenes que parecen sacadas de coreografías de danza clásica. Es todo un experimento visual el que regala Greeneway, del cual poco rastro se le puede seguir, si es que no eres adepto a seguir este tipo de cine.

De todos modos, lo que se resalta del director es su perseverancia, ya que hasta el día de hoy, sigue haciendo ese tipo de cine, creyendo en sus gustos y en su punto de vista. Cine que siempre ha sido elogiado por la crítica especializada y ha estado alejado del cine comercial. Yo pienso que el cine de Greeneway es el gran polo opuesto que vemos normalmente en el cine.

Puntaje: 6 puntos.

THE DICTATOR (2012)

Dirigida por Larry Charles.

Cuanto le debe agradecer esta película a "Bananas" de Woody Allen, una cinta que se nota les ha servido de mucha influencia, ya que el humor de aquellas primeras cintas de Allen, se ve reflejado en cada escena de "El dictador". Nuevamente la dupla Charles-Baron Cohen nos brindan una comedia como debe ser, llena de gags y un altísimo humor ácido, que es lo que hace reír en los cerca de 70 minutos de duración de la misma.

Aladeen posando con Megan Fox, luego de una
"chambita".

Cuando se trata de una comedia de este tipo, no puedo juzgarla en lo artístico o en que sea una historia coherente, porque lo único que importa es que haga reír durante el mayor tiempo posible.....y eso lo cumple a cabalidad.

La historia nos muestra a un dictador de un país de medio oriente (inventado obviamente) que detesta la democracia y quiere seguir siendo autoritario en su tierra. Viaja a New York para una asamblea de la ONU, en donde dejará en claro que no cree en la democracia y que la dictadura seguirá existiendo en su país hasta que él lo permita.

El humor utilizado es muy ácido, tanto que me permitiría la opinión de decir que no es apto para todos, ya que es muy bien sabido el estilo que maneja Sasha Baron Cohen, quien no se mide en cuanto a humor.

El humor ácido reina en toda la película.

Los chistes machistas son los que más me dieron risa por la forma tan atrevida que tiene el dictador de expresarse hacía el sexo femenino:.."tendrás un varón o un aborto?"

Otra cosa que se destaca en la cinta son los cameos de varios actores conocidos, como Megan Fox o Edward Norton, quienes aparecen interpretándose así mismo en pequeñísimas apariciones.

Llega un momento en que uno le agarra tanto cariño a Aladeen (el dictador) que se pone en favor de la dictadura.......ya que toda la cinta no expresa nada serio en su contenido, mas bien se nos muestra todo de manera divertida y con escenas que quizá muchos recordarán como las más graciosas de lo que va del año.

Nuevamente recordar la gran influencia de "Bananas" en esta película, ya que aquella cinta de Allen también nos mostraba a un país ficticio, con una dictadura igual y con una narración similar a la que emplea esta cinta (copia buena siempre se destaca).

Es bueno ver cintas de humor que en verdad hagan reír, no como la de "Los Tres chiflados".

Puntaje: 7.5 puntos.

NEW YEAR´S EVE (2011)

Dirigida por Garry Marshall.

Hace unos días subí la experiencia que me significó ver una película de Robert Altman, un director acostumbrado a manejar repartos corales (elenco con muchas caras conocidas), y contar mi grata experiencia que tuve con una de sus buenas historias. Ahora me voy para la vereda del frente, para poder contar algo de la sufrible película que me tocó ver hace unos días. Y es que ya me imaginaba que algo malo me podía deparar una cinta que venía siguiendo a la anterior "Valentin´s Day", película que me pareció un bodrio.

Para esta ocasión se nota claramente todo lo mal trabajado que resulta el hecho de tener muchas caras conocidas y no saber administrar bien los roles, contando historias patéticas, ilógicas y hasta demasiado exageradas, porque hay su toque dramático que se nota interpuesto....

Bon Jovi también tiene un papel en el film.

Se desperdicia buena calidad actoral, ya que en el reparto están buenos actores como Robert De Niro, Hilary Swank o Michelle Pfeiffer, quienes se pierden en esa jungla que no supo mover bien el director. Cuando me refiero a historias patéticas, me voy al hecho de que las coincidencias son tan utópicas, que cuesta creer que a la misma flaca que te levantaste en un año nuevo, te la vuelvas a encontrar en el siguiente, sin haberla vista durante todo el año, o que un ascensor se te descompone y tardan 8 horas en arreglarlo, y oh sorpresa.... te quedas encerrado en él con una flaca y se enamoran....

La historias se van mostrando y se van entrelazando entre ellas. El factor común predominante es el que están a portas de celebrar año nuevo y todo gira en torno a la expectativa de como la pasaran cuando el reloj marque las doce.

Quizá esta sea la mejor historia de todas (o quizá la única
buena).

Cuando digo "exagerado" es porque casi en el epílogo de la cinta, se nota que el director quiso poner su cuota lacrimógena a la misma, con las escenas de la pareja comunicándose por webcam (él alejado por la guerra) o la escena en donde suena una canción como "What a wonderful world", que es la típica canción para adornar una escena tierna (que ocasiona lágrimas). Se nota a leguas la intención del director, con escenas innecesarias, historias que quizá se pudo ahorrar en no contarlas, actuaciones desastrosas (que mal actúa Ashton Kutcher!!!!) y cosas que me quedaron en la cabeza como duda: acaba tan temprano la celebración de año nuevo en New York? Porque hay una escena en donde ya se limpian las calles (luego de los festejos) y pareciera que son las 3 de la mañana.

En conclusión: una cinta que solo llama la atención por el elenco que tiene, pero que en conjunto no logran nada. Quizá emocione a las piedras, pero en serio.....hay muchas películas que superan largamente a esta. 

Puntaje: 2 puntos.

LOVE SICK (2006)

Dirigida por Tudor Giurgiu.

Esta cinta rumana me agradó por muchas cosas. Porque toca un tema tan delicado como el lesbianismo, sin usar ligerezas ni ahondar en cosas obvias o que ya uno cree verá en historias como ésta. Explora un poco más el lado sentimental, el clima emocional existente en la relación y tantas otras cosas más que quizá uno no está acostumbrado a ver en la realidad limeña.

Son dos amigas: Alex y Kiki, quienes se hacen muy buenas amigas, solo que uno lo toma con mayor intensidad, despertando en ella la atracción que de a pocos se va exteriorizando.

Kiki y Alex, dos amigas que se aman.

Quizá el título de la película, explique mucho lo que se verá: un amor que se va enfermando debido a la aparición de un tercer personaje: Sandu, quien es hermano de Alex y pareciera que vive enamorado de su hermano (sí, algo así como incesto). 

Aquello es algo que difícilmente se pueda explicar, porque creo que ya pertenece a un tema psicológico, en donde quizá lo puedan explicar de una forma más detallada y precisa.

Sandu es la manzana de la discordia, porque notará la posible relación entre su hermana y Kiki, intentando impedir a toda costa que ellas formen una pareja. Una relación lésbica que no se comporta como tal, porque vi a dos chicas que expresaban sus emociones de manera cautelosa sin llegar a ser tan expresivas en lo físico.

Sandu será parte de aquel enredo amoroso.

Como decía, las apariencias no dejarán que uno imagine que Alex y Kiki son pareja o que intentan serlo, porque en todo momento parecen dos grandes amigas (algo que uno puede ver en la calle, cuando se topa con dos flacas). Sandu es la imagen del chico soez, prepotente y autoritario que no quiere que su hermana se mezcle en ese tipo de cosas. La quiere para él y para nadie más.

Es así como estamos ante un triángulo amoroso muy particular, ya que vemos a dos mujeres que se aman y a dos hermanos que se aman, ya que lo que siente Sandu por su hermana....es recíproco.

La película pese a contar con una trama no tan convencional, se comporta de buena manera y no nos pone ante una trama amoral o que denigre ciertos aspectos de la familia o la sociedad. Se impone la seriedad que el director brinda en cada escena y en la historia en su conjunto, mostrando quizá una realidad que pueda pasar en algún lugar del mundo. Es por eso que la cinta me agradó.

Puntaje: 6.5 puntos.

DAY OF THE DEAD (1985)

Dirigida por George Romero.

Lo bueno de Romero es que siempre se ha dado con el trabajo de intentar chambear más en los argumentos que cuenta, pese a que las historias giran en torno al mismo tema de siempre: los zombies. Se nota una gran evolución entre esta cinta y "La noche de los muertos vivientes", la que inició todo este universo zombie y la que lanzó a la palestra la carrera de Romero. Y es que ahora los zombies ya pueden razonar, teniendo una fuerza descomunal (arrancan extremidades humanas como si fueran plástico).

Los humanos cada vez son menos racionales, mientras que los zombies piensan mejor en grupo y se unen para pasar obstáculos y exterminar por completo a la raza humana, que es mostrada como primitiva en mentalidad.

Bob, el zombie que podía pensar.

Científicos y militares conviven en una base militar, la cual se encuentra varios metros bajo tierra. Su seguridad e invulnerabilidad no los hará inmunes a su desunión. Pareciera que el encierro los ha trastocado psicológicamente, porque ambos bandos se dividen entre los que piensan de una forma cerrada y ortodoxa (militares) y los que intentan buscar soluciones coherentes y sin violencia (científicos). 
Bob es el nombre del zombie que los científicos tienen como "experimento", ya que lo han adiestrado de tal forma, que no ataca a los humanos. Exploran en él su inteligencia y la manera que tiene para comunicarse con el resto de humanos. Esto a la larga servirá a la cinta de Romero para mostrarnos que la nueva estirpe de zombies, puede tener alguna reacción racional, lo cual no es buen indicativo...

Los zombies y su sorprendente fuerza.

La poca humanidad existente en la fortaleza subterránea, hace que cada bando sobreviva a su modo, lográndose así un camino libre para que los zombies puedan reinar en el lugar. Esto es una muestra que Romero nos quiere hacer notar sobre la poca coexistencia de pensamientos e ideales que existen en el mundo, lo que originan guerras y demás conflictos bélicos que tantas veces han devastado países y borrado por completo todo significado de la palabra paz.
"El día de los muertos" es una cinta que da un giro completo a lo que se venía viendo sobre zombies, cuyo gran creador, George A. Romero, se animó a variar  algunas cosas sobre lo que se venían viendo, como la poca inteligencia de los zombies, el aspecto físicoy la fuerza que tenían (como si nada arrancaban brazos y piernas).
Una película de zombies muy digna. Si Romero fue el creador, no creo que haga una cinta mala sobre este subgénero de terror.

Puntaje: 6.5 puntos.

SHAKESPEARE IN LOVE (1998)

Dirigida por John Madden.

La película no es mala, pero no mereció llevarse tantos elogios y premios inexplicables, cuando tenían como competidoras (en los premios Oscar) a películas como "La vida es bella", Salvando al soldado Ryan" o "La delgada línea roja", que eran largamente mejores. El tiempo ha sido justo y ha demostrado que esta cinta se perdió en el olvido, mientras que los otros títulos son recordados numerosas veces por cinefilos que han sabido apreciarlas.

Shakespeare y su musa, su inspiración.

La historia es demasiado sencilla y casi no existe mucha sorpresa en su trama, notándose a leguas que no es un film que maraville o que emocione tanto. Pero si no la comparamos con otras cintas, pienso que pasaría el examen de manera correcta, porque no tiene errores, está bien ambientada y esta correctamente dirigida, sin llegar a ser extraordinaria ni tener atributos como para ser recordada. La actuación de Gwyneth Paltrow también deja con la duda si mereció o no el Óscar que le dieron por su actuación, ya que no fue tan genial ni tan resaltante.

Lady Viola será el ingrediente primordial para
activar la creatividad del escritor.

Lo que si debo resaltar es la suerte que tuvo Miramax, ya que colocó a otra de sus pelas en lo más alto del cine mundial. Una trama que nos muestra a William Shakespeare intentando escribir una obra nueva, pero que no encuentra la inspiración necesaria que le ayude a inventar otra genialidad. Tras muchos castings, presiones, apuros y descubrimientos, conoce a Lady Viola y conoce al amor, logrando así que su cabeza se concentre y empiece a crear lo que sería su nueva obra: Romeo y Ethel, la hija del pirata.

Una historia que no me llamó mucho la atención y no me llenó del todo, ya que esperaba algo más convincente, algo que me marcara más y que en cierta forma me emocione (como lo hizo "La vida es bella"), pero fue como ver cualquiera cinta de comedia romántica, ambientada en el siglo XVI. 

El tiempo borró del mapa a la película, hizo olvidable el nombre del director y premio a las cintas perdedoras de aquel año, que en la actualidad son grandes títulos del cine contemporáneo.

Puntaje: 5 puntos.

EL BÚFALO DE LA NOCHE (2007)

Dirigido por Jorge Hernández Aldana.

Un reparto netamente juvenil el que utiliza este director, película que fue su ópera prima y que contó con un guión escrito por Guillermo Arriaga, escritor de  películas como "Amores Perros" o "Babel". Pues bien, es algo interesante esta cinta porque explora un tema que quizá no muchos conozcan pero que pasa en la actualidad, en este mundo moderno que conforme transcurre el tiempo, cambian muchos aspectos en la juventud. Una historia que nos muestra como la juventud de ahora afronta con más pesimismo un hecho emocional, que puede devastarlos por completo, afectando a su salud mental y física. Y es que la cinta por momentos confunde pero luego nos muestra algo que parece reinar en todo momento: inestabilidad emocional.

Los impulsos dominarán a Manuel.

Esto tiene que ver mucho con los impulsos, con las indecisiones, con la forma tan drástica que la juventud de hoy afronta ciertos vaivenes emocionales, modificando en gran parte su conducta y afectándolos de muchas maneras.

La historia gira en torno a dos amigos: Manuel y Gregorio, este último tiene problemas mentales, por lo cual es internado en un hospital psquiátrico. Manuel comienza una relación con Tania, la novia de Gregorio, dando comienzo a un turbio romance que implicará más de un problema para cada uno de los implicados. Y es que en este tipo de cosas reina la culpabilidad, ya que las consecuencias que ocurran a partir de este tipo de relaciones que se generan de una manera poco normal, tienden a ser perjudiciales para la pareja y para el ambiente que los rodee.

Tania y Manuel, una pareja destinada a morir.

La culpabilidad aumenta más cuando ocurre algún tipo de desgracia, haciendo que la pareja comience a resquebrajarse hasta el punto de separarse o lastimarse alguna u otra forma (verbal o fisicamente).

Esto vemos mucho en la historia, en donde Manuel y Tania viven un infierno que no pueden controlar, sus reacciones no son precisamente coherentes y poco a poco van cayendo en un abismo del cual no podrán escapar.

Es una historia con mensaje ya que nos pone en una realidad, en donde los jóvenes al enfrentarse ante un desliz emocional, siempre tienden a ceder y a escoger opciones tan ilógicas, como el suicidio, la violencia o aquellos impulsos que a futuro los lleva a perderse.

Interesante película que casi podría describirla como experimental, en donde Manuel tendrá que cargar con la culpa de haberse metido con la flaca de su mejor amigo y con todas las consecuencias que le vendrán en el futuro.....se volverá loco?

Puntaje: 6.5 puntos.

GREAT EXPECTATIONS (1998)

Dirigida por Alfonso Cuarón.

Este director mexicano es uno de los más suertudos, porque con tan solo una cinta hecha en su tierra natal, saltó a dirigir una producción hollywoodeense, que tenía en el reparto a los conocidos Robert De Niro, Gwineth Paltrow y Ethan Hawke, quienes conformaban la historia de Charles Dickens llevada al cine, de nombre "Grandes Esperanzas".

La película en sí no me dejó mucho para el recuerdo, sintiendo que quizá se debió aprovechar mejor al elenco y notando aún la inmadurez del director, a quien le quedó algo grande el puesto para este película (luego llegarían buenos films de él, logrando dejar en el olvido esta cinta).

Quizá la escena más recordad de la película.

Bueno, la historia es de aquellas típicas de amor entre un muchacho de condición económica humilde y una flaca que tiene algo de status. El chico tiene la vocación de pintar y su musa inspiradora es la chica. Mientras la pinta, va creciendo en él el sentimiento del amor y una fuerte atracción que poco a poco va adueñándose de su ser. Aquel sentimiento se ve cortado cuando el chico viaje, para forjarse un camino, dejando a la chica.

Con el tiempo el pata se convierte en un pintor renombrado en Nueva York, con la ayuda de un tipo desconocido que se convierte en su mentor. Pero lo único que él quiere es ganarse el amor de la chica, de nombre Estela, por quien se jugará por completo, sin importarle todos los factores que están en su contra.

El tipo desconocido que ayudará en todo al pequeño
Finnegan.

"Grandes Esperanzas" no me convence porque me parece algo obvia en algunos pasajes, pese a que intenta pasar piola con algunas escenas románticas que solo buscan generar recordación. En mí, no lo logró.

Aún así, la historia por ratos es entretenida, pero no llena lo suficiente como tantas otras pelas de romance, que emocionan y enternecen más.

Quizá sea porque el viejo recuerdo del chico pobre, la chica linda (e imposible) y el "hada madrina" ya es muy usado, pese a que esta historia está basada en una novela de Dickens. Igual....no me llenó por completo, pero sé muy bien que hay varios que adoran esta película.

Luego de esta cinta, Cuarón tuvo una gran mejora con "Y tu mamá también", para luego pasar a dirigir la mejor película de Harry Potter (la del prisionero de Azkaban) y la muy alabada "Hijos de los hombres", con lo cual se ganó el respeto de la crítica comercial y la no tan comercial.

Puntaje: 4 puntos.