MIS PREDICCIONES

A diferencia de otros años en que he seguido las entregas de estos premios, esta vez noto que la competencia está muy reñida y solo en algunos rubros los premios están ya casi fijos. Pero lo que llama más la atención es que en las categorías más importantes aún no se sabe al 100% si hay una gran favorita. Es verdad que muchos dicen que hoy "The Artist" arrasará con todo, pero...¿ganará en guión, dirección y actuaciones? Ahí está lo reñido del asunto, ya que la cinta francesa tendrá dura competencia, porque tanto "Hugo" como "The Descendants" no le harán el camino fácil. 

De todas formas hoy la mayoría de cinefilos y amantes del 7timo arte estaremos pendientes de estos tan polémicos y criticables premios, que al fin de cuentas siempre atraen nuestra atención. Esta lista la he hecho de la siguiente manera: por un lado los que creo YO son los grandes candidatos a ganar, y entre paréntesis los que quisiera que ganen el Oscar.

Sin más floro, estas son mis predicciones para el Oscar 2012:

• MEJOR PELÍCULA:  The Artist (El árbol de la vida o Hugo).
• MEJOR ACTOR: George Clooney (coincido en esta predicción).
• MEJOR ACTRIZ: Meryl Streep (sería justo que se le reconozca de una buena vez a Glenn Close).
• MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Christopher Plummer (coincido jodidamente).
• MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Octavia Spencer (no hay otra)
• MEJOR DIRECTOR: Martin Scorsese (Terrence Malick)
• MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Midnight in Paris (vamos Wooddy!!)
• MEJOR GUIÓN ADAPTADO: The Descendants (coincido).
• MEJOR CINTA ANIMADA: Rango (coincido, porque no hay rivales).
• MEJOR CINTA EXTRANJERA: A separation (coincido)

En el apartado de premios técnicos, creo yo que lo que es sonido se lo debería llevar "War Horse", así como que la banda sonora de "The Artist" se debe llevar un oscar. "Hugo" debe ganar en montaje,  "Planeta de los simios" en efectos visuales y la obra de arte de Terrence Malick (El árbol de la vida) en fotografía.

La mesa esta servida. Solo queda esperar a la noche para saber quien pasa a la gloria. Pero como dijo alguna vez Spielberg...."por lo general siempre son las cintas perdedoras las que quedan eternas en el tiempo"... y hasta ahora no se ha equivocado.

The Oscar goes to...

EXTREMELY LOUD AND INCREDIBLY CLOSE (2011)

Dirigida por Stephen Daldry.

Cuando veo que una película es protagonizada por Sandra Bullock me da un mal presentimiento. Es que las películas en donde ella participa por lo general son diseñadas de una forma tan drámatica, que se percibe que son a propósito. Pero Daldry es un director que anteriormente ha ofrecido grandes películas como "Las Horas" y "The Reader", así que imaginaba que por esta vez la Bullock no sería una mala espina. 

Tengo que ser sincero en admitir que leí muchas críticas en contra de esta película, ya que es la gran sorpresa dentro de las nueve nominadas al Oscar. Primero porque no se la tenía dentro del grupo de favoritas y segundo, porque tiene solo dos nominaciones (mejor película y mejor actor de reparto), osea.... es casi imposible que se lleve el Oscar. 

Oskar aprendiendo de la vida con su padre.

La historia no me pareció buena. Denota el deseo oculto de querer un Oscar y no tener un concepto claro en su historia, que pierde ese encanto natural de una película..... porque simplemente es como una careta que se esconde en la típica trama lacrimógena familiar, para alcanzar otros propósitos. Daldry lo logra bien, eso si debo reconocerlo y darle todas mis alabanzas al respecto, pero yo buscaba algo más de historia y un poco más de emoción que no sea tan deducible. Y es que si de algo pecó esta vez el director fue de relatar una historia que busca la lágrima fácil e intentar conmover como sea al espectador, para así llevarse su aprobación, tocando un tema tan delicado de fondo, como es el del ataque terrorista del 11/9.

Luego de la muerte de su padre, su madre
intentará acercarse a él.

Oskar es un niño que vive con sus padres en New York. Su vida es tan apacible a pesar de que padece un terrible mal relacionado con el autismo. Es su padre quien lo ayuda a conectarse con el mundo exterior, haciendo que parezca un niño común y corriente (se siente poco esa enfermedad en la película), parando juntos por todos lados. Él es un padre que lo ayuda en todo sentido, creando y descubriendo cosas, lugares y situaciones diferentes cada día, siendo lo más ejemplar la manera como le pone retos cada día, intentando de que Oskar explote todo su talento e inteligencia en dichas pruebas. Ambos se llevan muy bien, pasando mucho tiempo juntos, siempre bajo la atenta mirada de su madre. Una familia feliz y unida.

Oskar y su viejo amigo sin nombre.

Los ataques del 11/9 acabarían con esa alegría y paz que la familia tenía en sus vidas. La madre cae en una terrible depresión de la que poco a poco logra salir, mientras que Oskar aún sigue pendiente de su padre, quien falleció en aquellos lamentables atentados.

Oskar tendrá que averiguar a que cerradura pertenece  la llave que encontró urgando en las cosas que padre tenía escondidas en su armario. Una llave que estaba dentro de un sobre con el nombre de "Black" (un apellido), indagando por toda Nueva York sobre el destino de dicha llave, lo cual lo llevará a una aventura, intentando descubrir el último mensaje que le dejó su padre.

En el camino descubre un montón de historias de gente que lleva dicho apellido, así como se hará amigo de un extraño viejo que vive en el departamento de su abuelo, quien será su pareja en dicha aventura.

No me logró conmover mucho la película, porque la encontré poco creíble en el desenlace (no me convencen las lágrimas de Sandra Bullock para nada) y porque creo que quizá debió ser menos evidente el director al intentar causar lágrimas a quien viera la película. Igual la actuación de Max Von Sydow no me pareció tan genial como para sacar de la nómina para los Oscar a Albert Brooks (genial en "Drive") o a Fassbender o Mortensen que la hicieron bien en "A dangerous method".

Esta es la película que tiene el 0% de probabilidades de llevarse el Oscar.

Puntaje: 5 puntos.

HUGO (2011)

Dirigida por Martin Scorsese.

Se dice mucho del cambio de rumbo de Scorsese en esta película, pero vamos...... la virtud de una persona está en el hecho de experimentar y arriesgarse a no seguir una línea, porque eso lo pone en el tramo del conformismo. Es ahí donde se valora la actitud y la personalidad de una persona, cuando intenta seguir sus instintos y gustos, mostrando otras facetas que sabe que las hará bien. Scorsese es un gran director de cine y no necesita repetir ni encasillarse en un tipo de películas, ya que como grande que es, tranquilamente puede dirigir una cinta familiar (no concuerdo que "Hugo" sea para público infantil) de la misma gran forma como lo hizo con "Taxi Driver" o "Goodfellas".

Hugo e Isabelle en el cine.

Pese a que "Hugo" está basado en un libro del mismo nombre, la historia tiene tanto de Scorsese.....que me imagino que al director le debe haber encantado filmarla.

Y es que deben saber que el neoyorquino está a cargo de una fundación que busca cuidar y preservar el material fílmico de antaño en deterioro. Esta agrupación es The film Foundation, de la que es presidente. Pues en la película se nos habla un poco de eso, ya que vemos como cintas de antaño intentan ser cuidadas para servir como ejemplo a las  generaciones futuras, para que admiren al cine en sus inicios y a directores que se esforzaron por entretener a miles de personas en el mundo, en aquellos primeros años del cine, cuando aún no era sonoro.

Hugo es un niño que vive solo en una estación de tren. Se encarga del mantenimiento de los relojes de dicha estación, sin que nadie sospeche que él es el encargado de dicha labor. 

Hugo y su padre con el autómata.

Anteriormente vivió con su padre, un maestro relojero quien se encargaba de cuidar un museo. Él le enseñó a Hugo la pasión por el cine, ya que lo llevaba a ver películas, en especial las de Georges Melieres. Su padre murió en un incendio en el museo, quedando a cargo de un tío quien era el encargado del mantenimiento de las máquinas relojeras en la estación, desapareciendo de repente, siendo Hugo el que tomó la batuta.

El padre de Hugo le dejó como herencia (por así decirlo) un hombre mecánico al que llamaban "el autómata", al cual rescató del museo e intento repararlo. Nunca pudo hacerlo en vida porque le faltaba una llave en forma de corazón que era difícil de encontrar.

Hugo tiene talento para reparar cosas y se lo demuestra al dueño de una juguetería de la estación, quien lo reprimenda por ser un pequeño ladronzuelo. El viejo tiene una ahijada, Isabelle, quien se hará gran amiga de Hugo, con quien irá seguido a la biblioteca a leer libros sobre cine, fotografía y diversos artes que a ambos les atrae, hasta que él descubre que ella tiene la llave en forma de corazón, aquella que haría funcionar al autómata.

Don George enseñándole lo que sabe a Hugo.

La historia es bien cuidada en detalles y se nota la buena labor del director y editores en el trabajo en 3D. Scorsese nos comunica sobre su amor al cine en esta película, sobre aquel cine que muchos no valoran pero que fue el precursor de lo que ahora conocemos como el 7timo Arte. 

También sobre aquellos genios que hoy lucen olvidados y que dieron tanto por vernos sonreír o intentar que nuestros sueños se hagan realidad. En ese sentido, la historia conmueve, ya que a veces el espectador de manera injusta dejar de valorar a hombres que dieron tanto por hacernos pasar un buen momento y olvidarnos un poco de la realidad. Aquellas cintas que el mismo Scorsese intenta cuidar y rescatar en su fundación. 

"Hugo" no es una simple historia sobre niños, es un canto de amor al cine y a sus primeros héroes. Cuando no existían computadoras ni una gran tecnología, solo mucho esfuerzo y demasiadas ganas por crear una obra.

Simplemente hay que "perseguir nuestros sueños".

Puntaje: 9.5 puntos.

RANGO (2011)

Dirigida por Gore Verbinski.

"Rango" es una película animada que ha sobresalido por la escasa calidad que ha habido en el cine de animación en el 2011. Tampoco es que quiera menospreciar a esta cinta, pero hay que ser sinceros......fue un mal año para Pixar y para varias, Dream Works hace trabajos que solo son para cumplir con llevarse un buen porcentaje de la taquilla y agradar a todos. En las nominadas al Oscar como Mejor Cinta Animada encontramos a una francesa y a una española, aparte de dos cinta de DW que intentarán (sin mucha opción) llevarse la estatuilla ("El Gato con Botas" y "Kung fu panda").

El western se viste de animación.

Sin duda alguna me atrevo a decir que "Rango" es la que sobresale dentro de todas las nominadas. Y es que el trabajo es muy bueno e ingenioso. Es un western animado con personajes irreales y una historia que toca de manera indirecta un problema que tarde o temprano afrontará el mundo: la escasez de agua.

La persecución a caballo en la mitad de la cinta, es lo mejor de toda la película. Tanto uno recuerda aquellas pelas western de John Ford y a su actor fetiche: John Wayne. Es que la referencia inmediata de la película es al western y a aquellos héroes que no lo son y se convierten en tales conforme va transcurriendo la historia, ya que pasan de ser una persona torpe y normal, a la de mítica y heroica.

Rango y su peculiar pareja.

Pues Rango soñó toda su vida con ser un valiente justiciero, encerrado en una especie de terrario, en donde alucinaba que luchaba contra todo mal y salvaba siempre a los suyos de que algo malo les sucediera.

La inmensa imaginación de Rango se transforma en realidad, cuando por cosas del destino aparece en medio del desierto, luego de un accidente que sufrió en la carretera.

En cierta forma el personaje de Rango hace recordar mucho al de uno de los personajes de "Fear and loathing in Las Vegas" (en donde curiosamente Jhonny Deep es uno de los protagonistas), tanto así que cuando Rango está perdido en la carretera, uno de los carros que casi lo atropella es manejado justamente por uno de aquellos dos protagonistas de la película dirigida por T. Guilliam.

El villano de la historia.

Rango llega a un pueblito habitado por seres que tienen como preciado tesoro al agua, que es regulada por el banco de la ciudad y, se supone, custodiada por el alcalde de la misma.

Rango se hará pasar por un alguacil quien tendrá a su cargo velar por la paz del pueblo y por el bienestar del agua, ya que hay muchos que desean robársela. Es así como vemos una lucha sin cuartel por adueñarse de tan fino y preciado tesoro (algo no muy lejos de la realidad de acá a unos años).

Me gustó la forma como se suceden los hechos y el estilo western que el director impregna en su cinta animada. A su vez, Depp le da tanta vida a su personaje, que por un momento pensé que era él quien en verdad actuaba, ya que Rango saca todo sus atributos como actor.

Sin duda alguna se llevará el Oscar porque tiene las dos cosas que le sirven a una cinta animada para llevárselo: entretenimiento y calidad artística.

Puntaje: 7.8 puntos.

THE IRON LADY (2011)

Dirigida por Phyllida Lloyd.

De todas maneras Meryl Streep debe llevarse el Oscar a Mejor Actriz. Es que su interpretación de Margaret Thatcher es magnífica. Quiero dejar de lado las transformaciones físicas y de voz que tuvo que hacer para interpretar a dicho personaje de la historia universal, porque la manera como afronta el reto de ponerse en el lugar de una persona que en la actualidad afronta una cruel enfermedad mental (tiene "demencia senil"), pasando por la tenacidad que irradiaba su persona cuando fue Primer Ministra de Gran Bretaña y a la típica madre de familia inglesa.

De joven ya le entraba a la política.

La película se basa en vagos recuerdos de la protagonista, sobre un pasado que ella imagina que es su presente (consecuencias de su mal), con lo cual se nos va contando un poco sobre la forma como ella se metió en la política, sobre la manera como vivió la 2da Guerra Mundial, su ascenso en el Partido Conservador británico, su vida en el Congreso, su ascenso a Primer Ministra (algo inusual que una mujer sea nombrada en ese cargo hasta ese entonces en Gran Bretaña) y los duros retos que le tocó afrontar estando en dicho cargo, pasando por pérdidas familiares y diversos gozos y tristezas que le dio la vida. La gran actuación de Meryl Streep nos muestra las diversas actitudes y conductas que tuvo la muy bien llamada "Dama de Hierro" durante su activa vida como política.

La Dama de Hierro

Y es que la muestran como una mujer corajuda que no le importó ganarse enemigos para sacar a su país adelante, demostrando rectitud y muchos huevos que varios políticos británicos no tenían.

Lo que mas recuerdo y recordaré de esta película es la forma como la Thatcher afronta el conflicto bélico con la Argentina, mostrándose firme y reacia a recuperar la colonia británica de Las Malvinas. Ella decía que pese a que aquellas islas británicas que se encuentran frente a territorio argentino, no suponía una gran importancia para Gran Bretaña como para iniciar una guerra, no podía dejar que cualquier país le falta el respeto a su tierra, así fuera mínima la causa o motivo que fuera.

Todo la rectitud de una mujer que levantó a un país.

Esto llenó de mucho patriotismo a sus compatriotas, quienes vieron esta guerra, y posterior triunfo, como un aliento para salir adelante de la crisis en la que se encontraban. 

Lo actual está presente durante toda la película, ya que las imágenes del pasado son recuerdos que la ex primer Ministra va asociando mediante noticias de Tv, fotos o algún recuerdo que le viene a la mente, mostrándonos una faceta poco descubierta sobre la "Dama de Hierro": el miedo.

Y es que en la actualidad, Margaret Thatcher sufre las consecuencias de la senectud. Vive refugiada en un albergue en donde no se le permite salir a la calle, con lo cual pierde algo de noción del presente.... viviendo atrapada en sus recuerdos y en personas que ella alucina siguen con vida.

La actuación de Meryl Streep debería ser premiada este domingo en los Oscar. No creo que la Academia se atreva a sorprendernos, porque de las que he visto hasta ahora (ya vi a Glenn Close, Rooney Mara y Viola Davis), es la Streep la que se merece el premio. Quizá la actuación de Close sea sobresaliente, pero veremos que dice la Academia.

Larga vida a la Dama de Hierro!!!!

Puntaje: 6.5 puntos

BROKEN FLOWERS (2005)

Dirigida por Jim Jarmusch.

El rey de la pasteleada. El príncipe indie. El director que jamás se aliará con la industria. Ese es Jarmusch y esta es su película más accesible, ya que tuvo una campaña publicitaria inusual y una historia que intentó llegar a todos por igual, dejando de lado su acostumbrado cine silencioso y complejo.

Con esto no digo que "Flores rotas" es una película convencional, nada que ver. Sigue teniendo sus guiños a aquel cine de Jarmusch como "Vacaciones Permamentes" o "Ghost dog", en donde el protagonista intenta encontrar la solución a su vida.

Luego de leer la carta que le dio un giro jodido a su vida.

Bill Murray interpreta a Don, un casanova total, quien en su última ruptura amorosa, recibe una carta de una ex quien le dice que tiene un hijo, del cual nunca supo nada.
Esta noticia lo cambiará por completo, obligándole a replantear su vida y analizar si lo que esta haciendo está bien o mal. Inicia así un largo recorrido, animado por su amigo Winston, en búsqueda de su hijo, quien tiene 19 años. La única pista que tiene es su pasado, ya que tuvo cuatro novias quienes podrían ser las posibles madres de aquel hijo, que lo obligará a recorrer todo Estados Unidos.
El viajes es interesante. Se descubren varios personajes que tienen algo de 

Lolita, la primera hija de sus ex.

común en el espectro de Jarmusch.
Don volverá a su pasado, llevándose cada sorpresa con las 4 novias a las que tiene buscar e investigar si son las posibles madres del hijo.
Queda como recuerdo la primera visita que hace, en donde encuentra a la hija de una de sus novia, llamada Lolita, quien luce muy atrevida y provocadora, dándole a entender a Don que muchas veces el sexo fácil resulta grotesco y degradante (al menos esa imagen se vio en su cara).
Jarmusch deja de lado lo denso que a veces resultan sus historias, para intentar darle un nuevo aire a su cine, con una especie de drama indie, en donde nuevamente la música juega un papel muy importante en la historia, sobretodo en los intermedios de viaje y viaje.

Don charlando con un chico, ¿su hijo?

En buena forma la actuación de Bill Murray, quien venía de protagonizar "Lost Traslation", con la cual había ganado una serie de elogios. Esta vez se mete en el papel de un hombre que intenta darle un nuevo giro a su vida, al buscar a un hijo que no conoce y del cual no sabe nada, haciéndola de aventurero para llegar a encontrarlo. Los diversos viajes le enseñaran un montón de cosas que hizo y que le falta por hacer, así como también la manera en como desperdició su vida en tanto juego sexual y la poca seriedad e importancia que le dio a las relaciones de amor que tuvo en el pasado.
Esta vez la vida le pone como prueba encontrar a un hijo que no tiene ni idea quien es ni cómo es. Don emprende la gran aventura de su vida y Jarmusch nos muestra su película más comercial hasta la fecha. 
Un buen elenco de actores acompaña a Bill Murray en "Flores rotas" y un final que muy pocos entenderán. A mi me dejó con la idea de que la vida le dio una buena lección al mujeriego de Don.


Puntaje: 7 puntos.

A BETTER LIFE (2011)

Dirigida por Chris Weitz.

Esta película hubiera tenido un reconocimiento importante si le hubieran mejorado un poquito el desenlace y algo de mayor emotividad en la parte final de la historia, aparte de ponerle más punche al inicio, que lo noto algo desganado...... haciendo que aquel que lo vea no se meta mucho en la historia. Mas bien, es la actuación de Demian Bichir (actor mexicano) la que se destaca más que la historia en sí. Carga con todo el peso de la trama y logra sacar adelante un tema que es muy real hoy en nuestros días: el problema de los ilegales en Estados Unidos.

Padre e hijo buscando una vida mejor.

Carlos Galindo es un mexicano, quien vive con su hijo de manera ilegal en territorio norteamericano. Él realiza labores de jardinero junto a un compatriota, teniendo una labor demasiado agitada, que le ocupa casi todo el día. Esto ocasiona que no tenga mucho contacto con su hijo (apenas lo ve un rato por las noches), teniendo miedo de que él caiga en el mal camino y se meta en pandillas, drogas o alcohol. Se preocupa mucho de que asista al colegio y que no se junte con aquellos chicos de mal vivir. Pese al poco tiempo que tiene para verlo, intenta mostrar su preocupación ya que Luis, su hijo, es un adolescente quien recién comienza a conocer al mundo como tal, caminando por las peligrosas calles de California.

Carlos Galindo observando su futuro.

Pero la vida como ilegal no es sencilla. El solo hecho de meterte en un lío y terminar en la comisaria ya significa que te has metido en un gran problema. Sobretodo sí es que no tienes documentos y no tienes alguien que te defienda. Eso lo sabe muy bien Carlos, que desea la mejor vida para su hijo, esforzándose día a día para darle lo que él nunca pudo tener: una vida mejor.

La historia es real y muy sincera. La actuación de Bichir es destacable, ya que es el personaje que aparece en toda la película y el que suelta la mayor carga emotiva posible, sobretodo en la parte final en donde se manda con un prólogo que corona su espectacular actuación.

Son muchas las veces en que sus formas de pensar chocarán.

"A better life" también muestra el conflicto entre padre e hijo, quienes han crecido en mundos diferentes. El padre con los valores que aprendió de chico y la tolerancia aprendida en la vida. El hijo que cree que uno mismo se genera justicia, siendo demasiado impulsivo y agresivo en sus actos.

Ambos chocaran varias veces, sobretodo cuando se opongan ante hechos que desprenden sus verdaderas personalidades y maneras de ser. Se nota claramente la ausencia del padre en el crecimiento de su hijo.

La actuación del mexicano es muy buena, lo malo que el ritmo de la historia no lo ayuda mucho, quedando la interrogante de que quizá pudo hacerlo muchísimo mejor.

Puntaje: 6.5 puntos

BRIDESMAIDS (2011)

Dirigida por Paul Freig.

Ya que estoy en el curso de las comedias románticas, paso a poner algo sobre esta que tiene la particularidad de que una de sus actrices está nominada al Oscar como mejor actriz de reparto.

El título que se le puso acá en Lima fue horrendo: "Damas en guerra", nada que ver con lo que la historia ofrecía. Me quedo con el título que se ganó en España: "La boda de mi mejor amiga", que tiene mucho en común con lo que la película ofrece, ya que en su título original (que tiene que ver con las damas de honor de una boda), se persigue ese tufillo de que estaremos viendo algo sobre un probable matrimonio y las damas que acompañan a la novia.

Annie y Helen peleando por la atención de la novia.

La película no me gustó, salvo por alguna que otra escena que me parecieron simpáticas pero que no hicieron lo suficiente como para formar una gran historia. Algunas actuaciones son difíciles de digerir (no le veo mérito alguno a Melissa McCarthy para que sea nominada al Oscar) y su final es demasiado predecible.

Aquí está el problema de muchas comedias románticas, las cuales repiten siempre el mismo formato, que es el siguiente: te cuentan de lo que tratará la historia, la protagonista vive momentos jodidos (todos para mal), la protagonista parece tener todo perdido, y de un momento a otro todo es felicidad plena. Así siempre son este tipo de comedias. Las que se salen de este formato, son las que quedan siempre bien paradas.

Escogiendo los vestidos para la boda.

Y es que la vida de Annie inicia bien: un trabajo decente en una joyería, su mejor amiga se va a casar y es feliz, al menos tiene buen sexo (con un idiota, pero ella es feliz) y una agradable vida de soltera independiente.

Pero la boda de su mejor amiga Lilian le traerá más de un problema, debido a que es elegida como de dama de honor, conociendo al resto de damas (una más distinta que la otra), entablando una terrible enemistad con Helen, la otra mejor amiga de Lilian, con la que tendrá un recelo jodido por acaparar la máxima atención de la novia....

Esta tensión le hará ver su realidad: una soltera que no encuentra el amor adecuado, un trabajo que no es el que soñó, un departamento alquilado que no es lo que esperaba y el ver que su mejor amiga le presta mayor importancia al materialismo de Helen.

La novia y sus damas de honor.

Las locas aventuras de las damas de honor previas a la boda, el perfil díscolo de cada una de ellas y las peleas sutiles entre Helen y Annie harán que lo que parecía una simple boda en camino, se convierta en un terrible calvario para la novia y para Annie, quien ve como toda su vida se va volviendo una patética desgracia.

Pues bien, ahora le dedicaré un poco de tiempo a la nominada McCarthy, quien interpreta a Megan, una gorda desenfadada, amante de la rudeza y de encontrarse en la vida con un tipo que folle bien. Su actuación es buena pero no me parece excelente. Se le nota fingida y exagerada en algunos momentos, llegando a caer un poco espesa en sus apariciones. Pareciera que interpreta a una lesbiana o una machona muy ruda (apariencia física y forma de comportarse), pero a la larga termina emparejándose con un tipo, lo cual me dejó con la duda de ¿a qué tipo de personaje interpretaba?

"Bridesmaids" también está nominada al Oscar de Mejor guión original (lo cual no tiene ninguna opción). Una historia que lleva un buen ritmo pero que su final es horrendo (sobretodo el musical) y con una extensión final en los créditos, que no se entiende para nada su razón de ser....

Puntaje: 4.5 puntos.

CRAZY, STUPID, LOVE (2011)

Dirigida por Glenn Ficarra y John Requa.

Este es el tipo de comedias románticas que ayudan a que el género no sea visto como hueco o irrelevante. Aparte que debo destacar la suerte que ha tenido Ryan Gossling el 2011. Apareció en tres películas y las tres han tenido una buena acogida por parte de público y crítica, dando a entender que debieron nominarlo al Oscar siquiera por su gran papel en "Drive", pero la Academia lo pasó por alto. En esta ocasión su actuación es algo ligera y sin mucha predominancia, pero igual su presencia no pasa desapercibida.

Cal y Emily no la pasan bien en su matrimonio.

Las comedias románticas ultimamente intentan ser algo originales, dejando de lado las tramas trilladas que por lo general aparecen como eje central de sus historias. Así por ejemplo, las comedias indies como "500 days of summer" o "Cyrus" han sabido explorar terrenos nuevos de este tipo de comedia con muy buenos resultados. A veces se piensa que armar una película de este tipo, con un reparto coral de figuras conocidas, conlleva al fracaso rotundo. Fracaso en el sentido de que estaremos viendo un bodrio más del montón que se estrena en cartelera, con historias repetidas y finales por demás vergonzosos.
"Loco y estúpido amor" salta la valla y con gran éxito, debido a buenas actuaciones y a una historia que intenta sacarse el rótulo de "común" para ponernos en un interesante entremés: conflicto matrimonial y venganza.

Hannah atrapará al jileraso de Jacob.

Lo agradable de la película es la forma como los personajes de la misma se van entremezclando entre coincidencias que uno mismo pudiera entender como banales, pero que con el correr de la misma, se van volviendo chistosas e inimaginables.
Cal y Emily están pasando por un momento jodido en su matrimonio: ella le fue infiel a él con un tal David Lindhagen (compañero de chamba).
Cal no puede sacarse esa espina de la cabeza, que lo atormenta a cualquier lugar que vaya. Es un bar, al que recurre con frecuencia, en donde conoce a Jacob (Gossling), un cazador de mujer nato, quien al percatarse de la deprimente existencia de Cal, decide ayudarlo para que le de una buena lección a la infiel de su esposa, y de paso darle una pequeña ayuda en su escaso curriculum de mujeres que tiene en su haber.

Cuatro hombres y una escena inolvidable.

Es así como Cal poco a poco se va convirtiendo en casi una imitación de Jacob, jileando de menos a más a cuanta mujer conocer en el bar, hasta el momento de conocer Kate, una bella maestra, con la que tendrá un encuentro sexual ocasional, lo cual elevará el autoestima de Cal y su forma de vida cambiará rotundamente.
El giro radical se da cuando Jacob se enamora de Hannah, una bella abogada que es una de las pocas que no le da bola a  los jileos que éste siempre utiliza.
Con muy buenos momentos de comedia, escenas de sexualidad prudentes y un buen ritmo, la película se muestra ingeniosa y divertida. Los momentos de romance son bien llevados junto a la comedia, dejando de lado ese sabor azucarado que por lo general tienen las comedias romántica, para dotarnos de algo de humor ácido y entretenido.
"Crazy, stupid, love" nos devuelve el estilo indie de algunas comedias románticas que pasan por nuestra cartelera y se quedan con esa etiqueta de recomendables. El pasar un buen rato, reírse un poco y ver algo coherentemente hecho, sin vacíos ni trivialidades.


Puntaje: 6.5 puntos.

TINKER TAILOR SOLDIER SPY (2011)

Dirigida por Tomas Alfredson.

Conocida como "El Topo", es una película dirigida por el sueco Alfredson, quien tuviera a su cargo la dirección de la muy recordada "Dejame entrar", la pela que hablaba sobre la niña vampira y que causó una grata impresión entre la crítica mundial y el público en general, quien estaba poco acostumbrado a este tipo de tramas (ya estaban casi habituados a los vampiros de la saga "Crepúsculo").

Pues bien, en "El Topo" se cuenta una historia totalmente distinta a los de los vampiros y sus amoríos. Esta vez estamos en los años 70s, época de mucha 

La cúpula del servicio secreto británico.

tensión política entre los dos bandos más poderosos de la Guerra Fría: Estados Unidos y la Unión Soviética.

La trama se ubica en el servicio de inteligencia británico. Algo grave ha pasado, ya que ocurrió un terrible incidente en Hungría, donde al parecer no salió todo como ellos esperaban. Esto ocasiona que se altere en algo la cúpula del servicio secreto británico, que sospecha que ha habido alguien que los traiciona y que se encuentra dentro mismo de la organización.

Para esto decide despedir ha varios agentes secretos, pero se quedan con uno en la clandestinidad para que averigüe quien es el "topo" que esta infiltrado dentro del servicio secreto. La misión es dada a George Smiley (Gary Oldman), quien tendrá que formar un equipo en secreto para iniciar así las investigaciones.

George Smiley, el encargado de descubrir al Topo.

Smiley se rodea de agentes retirados (o jubilados) para así no tener la sorpresa de encontrar otro traidor a su alrededor.

El clima que rodea a la historia es tan gélido como el comportamiento de sus protagonistas. La actuación de Gary Oldman es muy buena. La forma como interpreta a Smiley, un hombre cauteloso, calculador y hermético, irradia la sensación de estar observando a personas sin ningún tipo de sensibilidad, que simplemente realizan su trabajo de manera silenciosa y sin tener que dar muestra de algún tipo de afecto hacía sus mismos compañeros de trabajo. En ese sentido, Oldman lo demuestra excelentemente, teniendo como camaradas de actuación a grandes actores como John Hurt, Collin Firth, Tom Hardy, entre otros.

Smiley tendrá como aliado a Peter Guillam.

"El Topo" no muestra mucha acción, que pareciera que podría haber debido a la tensión que hay en gran momento de la película. El hecho de hablar de un servicio secreto, en donde por lo general el uso de un arma es casi un predominante, nos hace pensar que habrá cierta acción y algo de violencia en la historia, lo cual no es así. Se trabaja mucho en lo que es la investigación. La labor del detective Smiley quien tiene a su haber el descubrir al traidor, que está metido en la cúpula principal del "circo" (así es llamado el servicio secreto británico) y no ser descubierto por ellos mismos para que su trabajo siga una línea secreta y casi oculta.

Es un buena historia, bien contada y bien dirigida. La labor de los actores (en un 95% masculinos) es excelente, mostrando aquel lado oculto de un servicio de inteligencia.

Comentario aparte, me sigo quedando con las actuaciones de Clooney y el francés de "The Artist" de cara al Oscar.

Puntaje: 6.8 puntos

UNE VIE DE CHAT (2011)

Dirigida por Jean-Loup Felicioli y Alain Gagnol.

Nominada al Oscar como Mejor película animada, esta cinta francesa de casi una hora de duración es simplemente bella. El retrato que tiene de París (usando varios ambientes de la ciudad luz) es lo que más se resalta de una cinta animada que utiliza un estilo clásico y bien europeo, saliendo del esquema común del cine de animación actual comercial.

Zoe y su mamá almorzando.

La historia es sobre un gato que tiene una doble de vida (por así decirlo). Se llama Dino. Por el día vive en la casa de Zoe, una niña que vive con su mamá Jeanne, y que perdió a su padre en un penoso incidente. En las noches el gato ayuda a Nico a realizar paseos nocturnos, que no son otra cosa que hurtos a casas y otros lugares, siendo el gato su perfecta compañía.

No quiero ser tan técnico, porque no lo soy, pero debo admitir que el tipo de animación usado me sorprendió y agradó. Le veo mucha química a ese estilo con la ambientación de la ciudad, ya que París muestra tanto de clásico como de nostálgico, acomodándose muy bien al estilo gráfico que presenta la cinta.

Zoe conociendo a Nico.

Como el título lo señala, la historia es protagonizada por Dino (el gato), quien no tiene nunca un tiempo de descanso (así parece). Pese a que vive en dos ambientes diferentes, se muestra como un animal leal y cariñoso tanto con Zoe como con Nico, a quienes acompaña en los momentos del día ya citados.

La mamá de Zoe busca cobrar venganza por la muerte de su esposo, sabiendo que el culpable de su muerte es un mafioso de nombre Costa, quien tiene un peculiar grupo de malechores que más brilla por su tonta forma de actuar que por algún estilo brillante en el arte del robo y la delincuencia. Más parece una parodia de los "Ladykillers".

La pelea entre Nico y Costa.

Costa intenta robar el "Coloso de Nairobi". En una de las reuniones con sus secuaces, es descubierto por Zoe quien se animó a seguir a su gato. Es así como inicia una persecución que unirá a Nico con Zoe, ya que ambos correrán peligro de manos del peligroso Costa y sus idiotas compinches.

La historia podría ser un policial, pero tiene momentos muy graciosos y divertidos, con lo cual la historia no decae, manteniendo siempre el ritmo y el nivel. 

Nuevamente el cine francés, esta vez en su rama animada, nos presenta una interesante y agradable obra, que no tendrá un gran metraje de duración, pero le basta para mostrar una obra de calidad.

Puntaje: 7.5 puntos.

WAR HORSE (2011)

Dirigida por Stieven Spielberg.

"Historia convencional para conmover a las masas". Por ahí leí ese comentario que es demasiado sincero y real. Pero yo quiero salirme uno poco del análisis de la historia como tal (concuerdo demasiado con la frase del inicio) para contarles acerca del tributo que últimamente se le esta haciendo al cine de antaño, ya que es una onda que ha caído bien en la industria del cine, con halagos a pelas como "Drive", "Hugo o "The Artist". Ahora bien, es sabido que Spielberg siempre basa sus pelas en las influencias que tiene sobre el cine que vio y que le agradó, es así como en otras cintas que dirigió se ve su claro apego al cine de Ford y al de Hitchkcok (con escenas que tienen una marcada influencia en dichos directores).

Albert y su caballo Joey.

"War Horse" no me sorprendió mucho ni me enterneció como esperaba. Digamos que desde el inicio uno ya sabe en que ámbito va a girar la historia y cual sería el supuesto final de la misma. No me llenó del todo la película (con un final con cierta influencia a "Lo que el viento se llevó"), ya que el inicio es algo lento y no tan convincente, siendo los momentos altos de la película, los que tienen que ver con las batallas. Recordar que la historia esta ambientada en la 1era Guerra Mundial, y que el peso de la historia se desarrolla en la Inglaterra de aquella época, en donde Albert se encariña con un singular caballo (que es obtenido mediante una subasta) al que le pone de nombre "Joey". Esta amistad no conocerá de distancias ni sucesos, ya que ambos (caballo y humano) tendrán un lazo casi inquebrantable.

Albert criando a su querido caballo.

Admiro el hecho de que Spielberg centre su relato en una atmósfera que me hace recordar a las pelas de los 60s (que he visto en contadas ocasiones), haciendo de su historia casi un tributo a aquel tipo de cine que se hacía en dichos años.

La fotografía y el tipo de dirección de cámaras que se utiliza es clásica. Me encantó eso de la película, pero la historia se me hizo tan común, tan dramátizante (osea, que se huele un tufillo de a propósito), en donde se intenta conmover a todo aquel que vea la película. Me hace recordar a ese tipo de pelas en donde te encariñas con alguien, pero el destino se encarga de separarlos y por giros de la vida.....se vuelven a encontrar (o algo así). Esto no le resta méritos a la buena labor de Spielberg y a su buen olfato como director.

Joey pasará por mil y un aventuras, en donde conocerá
a muchas personas que lo querrán igual que lo quiso Albert.

Ahora bien, si me dicen que compare.... "War Horse" es de las que menos me agradó de las nominadas al Oscar (junto a "Moneyball") ya que son historias que siguen una línea y no salen de ella, teniendo desenlaces que son casi evidentes y un relato que por momentos se vuelve denso y lento. Obviamente tendría que poner a "El árbol de la vida" en ese rubro, pero la cinta de Malick es admirable por su puesta en escena casi poética y porque él como director esta acostumbrado a dirigir sus historias desde una perspectiva casi filosófica, cuestionando cada cosa y enfocando su visión de la vida de manera casi perfecta.

"War Horse" es un lindo tributo al cine de antaño. A aquel que nuestros viejos veían de niños y aquel que estos directores deben extrañar.... aquel cine lejos de efectos especiales, de remakes, de secuelas y de argumentos tristes e incoherentes. Es una historia que refleja el cariño de un animal hacía aquel que lo crío y amo. Eso se retribuye con el pasar de los tiempo..... pero la historia no es más que otro drama típico que pudiera originar lágrimas en algunos.

De todas formas, el agradecimiento a Spielberg por seguir en lo suyo.

Puntaje: 6 puntos.

CARNE TRÉMULA (1997)

Dirigida por Pedro Almodóvar.

No es la gran película del director español, pero sigue la línea de su filmografía, aquella que se vale del juego temporal y del conflicto entre personajes a través de dichos espacios temporales, que pueden ser rumbo al pasado o hacía el futuro.
Esta vez Almodovar metió su cuchara en algo de política, con mucho ingenio ya que usó dos escenas que a simple vista no parecen ser importantes ni relevantes, pero que en el análisis final de "Carne Trémula" resultan demasiado simbólicas.

Víctor amenazando a Helena.

Y es que la película inicia con un pasado español muy particular, en donde ciertas libertades no existían y la vida era de otra manera como la es ahora en aquel país europeo. Esto debido al régimen franquista que imperaba. Así pues Almodóvar inicia esta historia, con el alumbramiento de Victor, quien nace en un microbus en pleno toque de queda. Con el pasar de los años, el presente ya está en otra coyuntura y Victor ya es todo un joven. Enamorado de Helena, una mujer de hobbies algo raros, decide ir a su departamento a coger con ella, y es así como 

David y Sancho, dos policías que cambiarán su vida
en una noche.

se cruza en el camino de dos policias. Es aquí en donde la vida de los cuatro cambiará para siempre.
El destino de ellos cambia para siempre después de aquella noche, ya que David (uno de los polis) queda postrado para siempre a una silla de ruedas, Víctor pasará siete años en la cárcel, Helena se casará con David y Sancho se volverá más alcohólico de lo que era antes.
"Carne Tremula" seguirá la vida de ellos y el círculo del destino que girará en torno a ellos, favoreciendo y desfavoreciendo a unos de otros.
Almodóvar cuenta una historia que no hace justicia a uno del otro, simplemente intenta que el destino se encargue de cada uno de ellos.

Una escena caliente.

Las escenas de sexo con poéticas, resaltándose el trabajo del director manchego tras las cámaras ya que se ve todo su arte para poder armar las escenas de cama que se ven en la historia. Así también destacar el trabajo de Javier Bardem quien logra desempeñarse de gran manera en su papel de un policía retirado e invalido.


Como dije al principio, no es la mejor película del español (a mi gusto), pero debo reconocer que todo trabajo que hace siempre sigue un estandar de calidad que no baja de regular. Siempre cuidado con cada detalle de sus escenas, con que no hayan incoherencias en los saltos temporales que realiza en sus historias y que sus actores/actrices estén bien comprometidos con el personaje que les toca interpretar. Así es Almodovar, quien siempre intenta mostrar algo nuevo y algo que incomode.
Esta vez metió su hocico en la historia política española con un breve simbolismo, que sirvió para recordarle a los suyos que existe en vida la palabra "libertad".


Puntaje: 6 puntos