SOUTHLAND TALES (2007)

Dirigida por Richard Kelly.

No quiero defender a Kelly. Yo sé como separar bodrios (o películas malísimas) de aquellas que son experimentos o ciertas quemadeces de directores que andan algo mal de percepción y coherencia. Por ejemplo: Michael Bay se esfuerza por hacer una buena cinta (se rodea de buenos actores) y siempre lanza BODRIOS. Lo podemos ver en la triología de "Transformers" (y eso que aún no veo la tercera, pero no es necesario ser vidente para no adivinar lo que me espera). En cambio Richard Kelly, es un director demasiado influenciado por directores como David Lynch o Truffou. Se nota a leguas. Siendo así, intenta hacer experimentos, rodeándose de actores no tan geniales (no me jodan con que "La Roca" es un actoraso). Y eso lo demuestra en el reparto coral que eligió para su segunda película. Esta que por acá llamaron "Las horas perdidas", y que en realidad fueron horas perdidas para verlas.....

Los héroes de la Tierra: una actriz porno y un actor
sin memoria.

Tal vez si Kelly se esmeraba un poco más en elegir su elenco, o en el peor de los casos, dirigir mejor a sus actores para que al menos no hagan roles patéticos delante de cámaras, otra hubiera sido la historia. 

En general, la trama es demasiado futurista, llendo al extremo de lo quemado y confuso. Un planeta que está al borde del colapso nuclear, del fin del mundo, del apocalipsis causado por el mismo hombre (no tan lejos de la realidad), y en donde vemos a Boxer Santoro (La Roca) en el papel de un hombre amnésico, que no recuerda quien es, pero que intenta salvar a la humanidad. 

Taverner y los neomarxistas.

Estoy intentando escribir lo que entendí de la trama, que me pareció algo disparatada y por momentos aburrida. Y es que no noté ese aire surrealista o bizarro que se siente, Kelly quiso imponer. Y es que con esos actores no puedes hacer gran cosa. Te estancas en una pantomima de algo que tal vez se "quiso" o "intento" realizar.  

Intento no decir que la película es un bodrio, porque me pareció más un experimento que otra cosa, y como tal, los experimentos son maneras de que uno se arriesga por lo que siente y piensa..... y a veces resultan mal. Al margen de actores y todo eso, creo que Kelly cayó desde un piso muy elevado, con lo bien que le había ido con su ópera prima "Donny Darko", la cual es considerada por muchos como una obra de culto. Yo la consideró como una película sorprendente y buena.

La efímera aparición de Justin Timberlake, en un
musical trivial.

"Southland tales" se rodea de tantos personajes, y muchos de ellos tienen un personaje doble (ya sea por pérdida de memoria o por clonación) que en algún momento uno se pierde y deja de sentir lo que el director intenta recrear.

Es un mundo que está al borde del precipicio, en donde existe un grupo llamado los "Neomarxistas" que intentan impedir que los "políticos" sigan destruyendo al planeta. Y como es que lo destruyen? Pues algo entendí..... una empresa europea intenta sacar combustible del mar. Una extraña energía que recién han descubierto, y que pese a que le hace mal al planeta (detienen en gran medida, el movimiento de rotación del planeta) insisten en seguir explotando dicha energía. El planeta se muere y no les importa. Es así como los neomarxistas se rebelan ante todo tipo de "gobierno" e intentan combatir a esta mafia que une a empresarios, políticos y a fascistas (porque existe el racismo en ese mundo futurista).

Y quienes son los héroes de la película? Pues aparte de La Roca que hace de un actor amnésico, está una actriz porno, dos gémelos que parecen otra cosa que gémelos (por un momento pensé que eran clonados) y un grupo de irreverentes payasos.... que son la antonímia de lo que es un guerrillero.

Richard Kelly experimenta con la película y decepciona. Pero es Kelly.... no me preocupa mucho, porque sé que lo menos quiere hacer, es complacer al público. De hecho que él estaba feliz con el resultado final. Sobretodo si se puso triste cuando en Cannes lo pifiaron demasiado. Eso si debió doler.

Pd.- Lo mejor de la película, el final con la canción de Blur: "Tender".

THE ELEPHANT MAN (1980)

Dirigida por David Lynch.

Luego de lo intrigante y sorprendente que significó su ópera prima (la surrealista "Eraserhead"), Lynch necesitaba algo de dinero y algo más de presupuesto para poder así hacer películas de acorde a su estilo. Es por esto que sus dos trabajos posteriores a "Eraserhead" son películas de encargo. La tercera de esta, llamada "Dune", significó un pacto con el productor Dino de Laurentis, con el cual llegó a un acuerdo de que Lynch aceptaba dirigir esta película a cambio de que el productor financie el siguiente largometraje del director norteamericano, film que sería aquella obra maestra llamada "Blue Velvet".

Pero vamos de plano a "El hombre elefante", película inspirada en Joseph Merrick, un hombre que existió en la Inglaterra del siglo XIX y quien tuvo este problema de deformación facial.

Joseph Marrick apenado por el mundo en
que le tocó vivir.

Lynch se encargó de la que la película tuviera ese aire clásico que la ciudad londinense tenía en ese entonces, y también algo de sombra, como una ciudad dark y algo insensible ante hechos como éste, que narra la película. 

Pues bien, el personaje principal es J. Marrick (o bien conocido como Hombre elefante) quien sufre una extraña deformación en la cara, lo cual lo hace ver como un monstruo o algo así. Tal es así su problema, que lo usan como una "especie rara" en el circo de la ciudad. Realmente insensible y patética la sociedad inglesa que nos muestra Lynch, intolerante ante este tipo de enfermedades que cualquier persona podría padecer.

El cariño de algunas personas, ayudó a Joseph a
reintegrarse a la sociedad.

Frederick Treves (A. Hopkins) es un doctor cirujano, quien descubre a Merrick en este circo y lo ayuda a recobrar su libertad. Para esto lo traslada a un sanatorio, en donde intentará que Marrick recobre la confianza y el amor hacía el mismo, y a su vez, que la sociedad lo acepte como la persona que es.

Aquí vemos el aspecto humano del doctor y otras personas que se animan a entablar amistad con Marrick, al punto de agarrarle cariño y que poco a poco él, tenga ese lazo social que le hizo mucho falta desde un inicio.

El doctor lo ayudo en todo momento. Son de ese tipo de
gestos valiosos que enaltecen a un ser
humano.

La película es bonita. Debo reconocer que a cualquier se le escaparán las lágrimas con el final y con la forma como el doctor ayuda a que Marrick se reintegre a una sociedad que no acepta su forma de ser (física) y que en base a prejuicios, lo adjetivan de monstruo o ser maligno.

Es realmente chocante ver como luego de un incidente con un niño, varias personas lo persiguen en una estación de tren a Marrick, en donde lo derriban y lo golpean, escuchándose los gritos desgarradores de él, gritando: "No, no... no soy un monstruo!!! Soy un ser humano!!!"

A veces nosotros mismos somos los animales entre nosotros mismos, ya que nos falta mucha sensibilidad para comprender y ayudar a este tipo de personas que afrontan enfermedades degenerativas, como la que sobrellevo Joseph Marrick.

Una muy buena película, por la cual Lynch recibió su primera nominación al Oscar, y en donde fue ya catalogado como un gran director de cine. Años después, demostraría con otras cintas, que era un genio.

HARRY POTTER Y LA CÁMARA SECRETA (2002)

Dirigida por Chris Columbus.

Esta fue la última película (felizmente) dirigida por Columbus, ya que se apartó de la saga para siempre luego de esta. Pongo felizmente porque las dos primeras películas sobre Potter, llegan raspando al nivel de regular. No me parecen gran cosa y hasta podría decir que son más de temática infantil que otra cosa. Con la tercera entrega debo admitir que Harry Potter alcanza ya un mejor nivel, que logra nivelar conforme avanza la saga de este joven mago creado por  J.K. Rowling.

Unas extrañas escrituras aparecen en Hogwards

Luego de conocer en "Harry Potter y la piedra filosofal" al mundo alterno de los magos y de los personajes principales que veremos a lo largo de cada película de la saga, ya aquí nos trepamos a la historia que será el eje central de toda la saga Potter. Y es que en verdad, cada película es una especie de preparación para el duelo esperado entre Harry y Voldemore. Antes de esto, el pequeño mago debe ir descubriendo técnicas de magia, conocer su pasado, esquivar problemas y rivales que le salen al paso a cada instante. Pues bien, en esta segunda entrega vamos conociendo algo más de ese pasado del cual todos comentan en Hogwarts, y del cual poco a poco se va volviendo presente.

El sospechoso profesor Lookhart.

Uno de los nuevos profesores que ingresa en esta película es Gilderoy Lockhart, quien se hace pasar como un escritor sobre trucos de magia, las cuales las vende a través de libros, por los cuales ha adquirido cierta fama ante cientos de estudiantes y personas relacionadas a este mundo mágico.
Pues bien, algo raro sucede en Hogwarts. Varias personas (incluida Hermione) han quedado petrificadas (algo así como congeladas) a causa de un hechizo que tanto Potter como sus amigos y profesores desconocen el origen. El Ministerio de Magia intenta culpar a Hagrid de lo sucedido, llevándoselo a Azkhaban (prisión en el mundo de los magos) y el director Dumbledore es suspendido de su cargo. 

Nuevos desafíos les esperan a Harry, Ron y Hermione.

La misión de Potter es descubrir la verdad que se oculta tras todo eso. Con la ayuda de Ron (al menos ya actúa mejor que en la primera, pero igual me sigue pareciendo idiota), intentarán buscar pistas que los ayuden a encontrar al culpable o a los culpables de lo que sucede en la escuela, así como hallar más información sobre la famosa "Cámara secreta" de la que tanto han oído y leído.
De que hay un poco más de acción, la hay, pero me sigue pareciendo una historia un poco más infantil. No hay ese lado oscuro que han intentado (con éxito) impregnarle a la saga en las últimas películas. La razón es que Columbus quería que ambas películas (la primera y esta) tengan como destino final a un público infantil. Se equivocó y jodido.
Felizmente, las partes posteriores a "Harry Potter y la Cámara secreta" han tenido un toque más adulto y he visto una gran mejora en trama y actuaciones. Sobretodo en emoción, ya que la historia ha ido de menos a más, ya que han elaborado una buena antesala a lo que sería el final de la saga, cuando Potter se enfrente finalmente a Voldemore. Pero recién voy comentando la segunda.... falta un montón por contar aún.


Antes del estreno de la película final de la saga, intentaré subir mis "comentarios" sobre las 5 pelas restantes. Y es que no puedo creer que esté hablando de Harry Potter....

EL CUSTODIO (2005)

Dirigido por Rodrigo Moreno.

Cuando uno ve el trailer de "El Custodio" se queda intranquilo y como que con falta de información. El trailer no te dice nada!!! Solo se ven escenas sin diálogos prácticamente. El protagonista, que vendría a ser el custodio en mención, no dice nada. Lo vemos siguiendo a una persona y observando en silencio las acciones que este realiza. Pero a decir verdad, el trailer te grafica lo que es en realidad la vida misma de un custodio.

Y que mejor  idea que poner de protagonista a Julio Chávez, un gran actor que podría personificar cualquier papel que le pongan ya que su calidad actoral es excelente.

Rubén, el custodio.

Y de que habla la película? de como una persona custodia a alguien?

Sería fácil plantearlo de esa manera, pero va un poco más allá.

Y cuando digo un poco, creo que miento, porque la película analiza más el aspecto psicológico del personaje principal y todos los problemas y beneficios que le da el oficio de ser custodio de un personaje político.

Y el personaje al que custodia no es otro más que un ministro del Estado argentino, a quien debe seguir a donde sea y cuidar de él. Ser como su sombra y olvidarse que tiene vida propia.

A donde vaya el Ministro, él lo tiene que seguir.

Eso no te explica el trailer, pero lo intenta decir de algún modo u otro, ya que lo observado en ese minuto de trailer es a un personaje silencioso, que para detrás de su protegido, al cual sigue a todas partes. Lo vemos como una sombra que deambula en la vida de otro, vida a la cual no pertenece y en la cual es muy probable que se pierda en soledad.

Y la película nos muestra todo eso. Un custodio que cuida del ministro hasta cuando duerme. Vive en silencio y se olvida de que existe una vida en su interior. De que el mundo en el cual intenta sobrevivir (el mundo familiar, laboral y social del Ministro) no es su mundo, y que tarde o temprano no podrá soportar la extrema soledad y la inercia que vive día tras día.

Hay cosas que el trabajo excesivo permite que se
olviden...

En ese contexto, la obra de Moreno es muy buena. Dejamos de lado convencionalismos y otras cosas que muchos "cinéfilos" prefieren ver un film (muchas veces estas "cosas" malogran la idea original) y que no soportan ver un film en donde el silencio puede ser el gran protagonista.

En este caso el silencio es opacado por las acciones de Rubén, el custodio. Y digo esto porque Rubén es un hombre silencioso. Solo vemos su día a día laboral y entendemos como es una sombra que deambula en el mundo y en la vida del Ministro, de su familia y en el laburo de este, en donde se gana con cada huevada....  pero que debe callar y simplemente seguir silencioso y acatar ordenes.

Su trabajo le demanda que debe ir hasta el quinto infierno si es posible, con tal de cuidar del ministro y de su familia. Se ven cosas insólitas y hasta degradantes, pero la chamba es así... y algo de comprensión debe haber.

Muy buena película que dibuja de manera personal, el mundo que rodea a estos hombres que cuidan la vida de otros hombres, descuidando la suya misma, al tiempo de volverse inhumanos, ya que se olvidan de que tienen vida propia y una familia que valorar. La percepción de la trama es que a veces el trabajo nos puede robotizar o inhumanizar tanto... al punto de ser simplemente una mera máquina o robot.

Recomendada.

ANA Y LOS OTROS (2006)

Dirigido por Celina Murga.

Muy al margen de lo que la sinopsis de pueda decir de la película, yo la dejaré a un lado y pondré lo que vi de esta película argentina, en donde mi visión de lo que observé es demasiado distinta de lo que leí en el argumento.

En Argentina existe el denominado cine independiente. Ahí se le denomina así, al cine underground o cine que toca temas no tan masivos para el público. Por lo general, se ponen historias algo más rurales o de conflicto social, usando un lenguaje un poco más arriesgado y no convencional de lo que normalmente vemos en el cine de directores como Campanella, Piñeyro o en alguna pela de Adrian Suar.

Ana en una playa de Paraná-

En "Ana y los otros" vemos a una chica (obviamente Ana) que está viajando hacía una provincia argentina. Hacía el lugar de donde nació, donde se crío y donde creció. Este lugar es Paraná, al cual llega como si estuviese entrando en un sueño, en donde todo es opaco para ella e intenta recordar algo más del lugar que dejó hace ya un buen tiempo.

Los recuerdos comienzan a aflorar cuando poco a poco va conociendo a personas que le hacen acordar alguna cosa que tenía por ahí en su mente, pero que mantuvo en el olvido por el tiempo que permaneció ausente.

Ana y el niño que será fundamental en
su regreso a Paraná.

Es finalmente a causa de un viejo amor, que la avalancha de nostalgias y recuerdos llegan hacía ella sin tregua y sin orden. Intenta amoldarse a ellos buscando un espacio para poder ordenarlos y así, iniciar la búsqueda de aquellas personas que fueron importantes en su vida, en un pasado remoto.

No vemos una historia contada de una forma que podamos entender lo que se nos intenta decir, lo que vemos es a alguien "perdida" en una ciudad y buscando encontrarse consigo misma. Algo así noté yo en Ana. La cámara la sigue por todos lados, a cualquier lugar en donde ella esté e intente estar, a aquellos sitios en donde ella entabla conversaciones del "recuerdo" con alguna persona que conoce en lo ya referido.

Una fiesta que le dejó diversos sabores.

La trama es muy subjetiva. Todo lo vemos desde la perspectiva de Ana. Los personajes son casi dibujados por su pensamiento y su forma de ver las cosas. Aquella aventura en donde ella piensa que podrá reencontrarse con un pasado en el cual fue feliz, puede que le juegue una mala pasada y darse cuenta que cuando el tiempo avanza.... genera cambios si o sí.

Y es que Ana busca a su amor perdido. A su amor de la adolescencia, al que vio en un periódico, que causó una alarma en su interior... lo que originó que su estancia en Paraná sea más de excavar en sus recuerdos, que en intentar vivir del presente.

Una película que puede aburrir a algunos y/o hacer reflexionar a otros. Es un cine alejado de convencionalismos y de historias simples y sencillas de graficar. No intenta ser atractiva para todos. Intenta contar una historia que le podría suceder a cualquiera...... y como a cualquiera, le puede suceder de un modo como a Ana: que solo uno mismo lo puede entender.

UNFORGIVEN (1992)

Dirigida por Clint Eastwood.

Nadie, absolutamente nadie, puede decir que admira el trabajo del tío Clint sin haber visto "Los imperdonables" (título en español). Pues es muy difícil decir que se es fanático del cine de este director norteamericano, habiendo obviado esta obra maestra que le significó una serie de premios y halagos por parte de crítica y público, y con la cual trepó al escalafón destinado para los más grandes directores del cine en toda su historia.

William Munny, un viejo pistolero que
retomará las armas.

"Unforgiven" es una obra maestra por donde se la mire. Hay que estar bien agradecidos con el viejo Clint x habernos dado esta gran película sobre un viejo vaquero, que nos demuestra que no hay edad para seguir bregando y luchando por lo que uno piensa y siente.

Me hizo pensar que esta es tal vez su manera de decirle a la sociedad, que a veces sus autoridades son corruptas y por eso existen aquellos que intentan hacer justicia por sus propias manos, siendo vistos como héroes y no como malechores o villanos o desadaptados, ya que cuando las autoridades son corruptas y administran mal un pueblo, ciudad, provincia o país, es donde crecen aquellos héroes anónimos.

El arduo camino que tendrán que recorrer
para cumplir el trabajito.

William Munny ya es un viejo pistolero retirado, que a las justas puede mantener a sus hijos y ya no recibe las alabanzas y adjetivos sobresalientes que solía recoger en el pasado. Ahora es un veterano en esas lides y es requerido nuevamente, ya que no hay nadie tan bueno como él que haya aparecido en los últimos años.

La realidad del personaje que interpreta el viejo Clint, va mucho con la realidad que en ese tiempo representaba para su vida como actor. Ya era muy mayor como para interpretar personajes de esa estirpe (vaquero) que le  había dado fama mundial en los 70s. Ahora Clint ya era una persona mayor y yo noté que su papel lo interpreta de manera tal, que pareciera que fuera el mismo Eastwood quien se interpreta así mismo.

El terrible alguacil Bill.

Pues bien, a causa de un inexplicable acto de violencia contra unas prostitutas del burdel del pueblo (a una de ellas le cortaron el rostro) y antes la nula acción del alguacil Bill (brillante Geane Hackman), las señoritas de dicho burdel, deciden contratar los servicios de William, para que ajusticie a su manera a ese grupo de malechores que hacen lo que se les da la gana, con la venía del corrupto y nefasto alguacil Bill. William inicia así un camino hacía un pasado que él quería olvidar, y en el que nuevamente vivirá la misma experiencia y sensación que lo motivó en un pasado a ser el personaje que fuera en aquel entonces.

La forma como va recorriendo cada lugar y la reflexión que nos muestra Clint de su personaje, es lo mejor de toda la película, incluido en genial final y otros aspectos del desenlace, que hacen de esta una obra maestra.

Es imperdonable no haber visto esta película y hablar de Clint Eastwood. Hay un antes y un después en la carrera del director norteamericano luego de esta obra magnífica.

El tío Clint felizmente sigue dándonos cátedra.

RARE EXPORTS (2010)

Dirigida por Jalmari Helander.

Después de esto, verás a Santa Claus de otra manera.

El cine escandinavo hace años que está dando la hora y no sorprende que gane premios en cuanto festival importante (incluido el Oscar) se presente. Esta película finlandesa ganó el último Festival de Sitges, prestigioso certamen en donde se presenta lo mejor del cine fantástico y terror del año en que se realiza. Es ya un festival de renombre en el género y da cierta pena que varias de sus películas ganadoras, no lleguen a estrenarse por estos lares. Mas bien, si se llegan a estrenar las que son las mas abucheadas del certamen, dando a entender que siempre nos llega lo peor del séptimo arte.

La imagen del verdadero Santa, dista mucho
de la que conocemos.

"Rare exports" se basa en una vieja historia o mito escandinavo acerca de quien fue en verdad el popular Santa Claus, aquel que todos conocemos como "Papa Noel" y que siempre es uno de los principales protagonistas de la Navidad. Pues bien, al parecer la historia se basa en hechos reales y específicos. Está demás mencionar que la cultura gringa por lo general toma personajes reales y los transforma a su antojo, para distorsionarlos por completo y creando, practicamente, un personaje nuevo y distinto al original (sucedió con el Conde Drácula por ejemplo). En Finlandia y otros países de esa región (Suecia, Islandia, Noruega, etc) se conoce la historia verdadera de Santa Claus, así es que quisieron dar a conocer un lado oculto y ensombrecido que no se conoce sobre él.

Este niño es el principal protagonista.

La historia de por sí, no cuenta con un terror espeluznante como se cree o piensa, pero si tiene partes de suspenso y algo de humor negro (demasiado humor en el final, en donde explican el por que tiene ese título tan raro). 

Pues bien, cuenta la leyenda que Santa Claus era un tipo que le encantaba comer niños. Así es, el personaje al que todo niño lo toma como el ídolo o héroe de las navidades, era en realidad un asesino y comeniños. Pues en un pueblo de Finlandia, unos leñadores intentan descubrir a que se debe tanta exploración de un cerro aledaño a su pueblo, por parte de norteamericanos... quienes intentan buscar a un célebre personaje de la mitología finlandesa.

Los leñadores del lugar, intentarán decidir que hacer
con este hallazgo.

Es así como se topan con Joulupukki, nombre como se le conoce por esa región a Santa Claus. La pregunta es: ¿qué deben hacer ahora que han descubierto al verdadero Santa Claus?

Un montón de hechos ocurren producto de su aparición, como la desaparición de niños (a quienes la mitología dice que se los comía).

La película no enciende tanto terror, pero sí cierto suspenso, sobretodo en conocer quien es este Santa Claus verdadero, y quienes son sus más leales sirvientes. Otra cosa es la decisión que deben tomar los lugareños, ya que no se esperaban descubrir este tenebroso hallazgo.

Una película que presiento que no llegará a Lima por un buen tiempo y que es bueno que la chequeen. Me gustó por lo sencilla que es. No necesita de escenas de relleno para desplegar su relato, así como desmedirse en tiempo (dura 80 minutos nomás) y contar con un reparto de estrellas (todos son actores finlandeses).

La ganadora del último festival de Sitges merece nuestra atención y ver en realidad quien es este personaje que los gringos crearon como un héroe navideño. El final explica muchas cosas..... y es demasiado divertido.

REQUIEM POR UN SUEÑO (2000)

Dirigido por Darren Aronofsky.

Una de las cosas que mas detesto sobre los comentarios que genera la segunda película de Aronofsky, es que la cataloguen como quemada o pastrula, haciendo que quienes vean esta cinta, son por lo general "chicos" cool o chicos que están en la onda de ser considerados quemados o "trulillos". Es cierto que la película toca el tema de las drogas, pero el trasfondo de la historia nos muestra algo más allá de lo que vemos en un muy buen montaje realizado. Nos muestra la desgracia del ser humano. Lo tan pelele que puede llegar a ser una persona, y no en base al dominio de otra, sino, (peor) por la dependencia hacía algo material. Hacía un vicio que carcome mentes hasta llegarlas a pulverizar, sintiéndose como una marioneta o un animal (o peor que eso).

Broders de barrio: Tyrone y Harry.

Harry y Tyrone son dos brothers que viven la vida a su modo. Intentan abrirse paso de manera gratuita y usando de todo para complacer su entretenimiento y su terrible adicción hacía las drogas, en especial, la heroína. Pero cuando a un drogadicto le hace falta droga y dinero, comienza el loquerío total.

Harry tiene a su madre Sara, quien es una prendida adicta a la TV. Debido a esta adicción, su sueño es aparecer en un programa de esos de concurso. Ese sueño está por cumplirse cuando la invitan a participar... y comienzan los conflictos internos que toda mujer tiene cuando no tiene algo de amor propio hacía su ser y se deja llevar (y dominar) por complejos absurdos. La preocupación exagerada por su peso, la hace que consuma pastillas para perder algunos kilos, lo cual origina una terrible dependencia que desencadenará hechos lamentables.

La madre de Harry, Sara, y su terrible complejo
por perder peso.

Y para cerrar el círculo maravilloso de gente que rodea a Harry, tenemos a Marion (la HERMOSA Jennifer Connely), una chica simpática y enamorada de Harry, con quien comparte adicciones y sueños. Y pues, su terrible adicción a las drogas, ha hecho que haga de todo para conseguirlas. Desde tener sexo con profesores, hasta vender ciertas cosas. 

Lo de su novio es Harry es increíble. La TV de su madre la empeña cuantas veces quiere, tan solo para comprar yerba o heroína. Y es increíble el estado de ansiedad en que queda la pobre señora, que como es sabido, tiene una ligera dependencia hacía la TV.

Marion y Harry, dos chicos que se quieren
en medio de adicciones.

"Requiem por un sueño" explora ciertas bajezas del ser humano. Y es que ver a que punto puede llegar a degradarse una persona por el simple de hecho de buscar una satisfacción de este tipo (vicios) es increíble. Veremos a personajes que inician de manera normal, y van degradándose conforme avanza la trama.

Es probablemente una película que intente transmitir un mensaje de precaución hacia ciertos usos de algunos vicios, que a la larga se convierten en terribles adicciones.

El lenguaje en que lo expresa Aronofsky, hace muy particular a la película, que por eso es considerada "distinta". No me parece ni quemada ni pastrula. Creo yo que la agilidad en algunas escenas, le quitan de ley esos calificativos.

Con esta película, Darren Aronofsky logró romper la barrera de lo "caleta" para convertirse en un director de seguimiento.... que hasta ahora sigue dándonos muy buenas historias.

EL SECRETO DE SUS OJOS (2009)

Dirigida por Juan José Campanella.

Ya hablé demasiado de este director. Así que ahora solo me centraré en lo genial y hermosa que es esta película. En aquella competencia por los Oscar en el 2010, el rubro de Mejor película extranjera, competía la nacional "La teta asustada" contra esta película argentina. Hasta antes de la ceremonia, yo ya había visto ambas pelas, al igual que "La Cinta Blanca", y las tres competían por el mismo Oscar, junto a otros dos films. Me importó un pepino mi nacionalidad y fui objetivo. La historia contada por Campanella me pareció hermosa y de lejos me conmovió más que la dirigida por Claudia Llosa.

Irene y Sandoval, una historia que ambos intentarán
sacar adelante pese a todo.

La historia argentina tiene de todo. Tiene una historia directa y una que se va narrando de manera subliminal, hasta que se nos presenta como un bello final. Y es que Campanella confía mucho en sus actores y son ellos quienes hacen que la película cobre esa excelencia que tiene como producto final.

El tridente conformado por Darín, Villamil y Franshella es grandioso. Ellos interpretan a Espósito, Irene y Sandoval respectivamente. La pareja entre Espósito e Irene es el amor que nunca se da y solo se transmite a través de eso que llaman interior. Existe pero no se a da conocer. Tal vez sea por miedo, tal vez porque el destino los prefiere así x unos años y que se dé en otro tiempo.

La espera paciente de Ricardo en la estación
de tren.

Esa es parte de la historia subliminal. La que se esconde, para ir saliendo de a pocos, mientras la principal es la que se nos narra. Y la principal es sobre un extraño asesinato que cuesta encontrarle culpables y una sentencia final. Una chica es ferozmente violada y asesinada. El caso deriva al juzgado en donde chambean los tres personajes en mención.

Aquí comienza el gran armado en que se basa la película, para que veamos como transcurren hechos y evidencias que nos intenten mostrar al culpable de tan brutal hecho. Y es que Espósito las tiene claras: no se dará por vencido hasta encontrar al asesino.

Mucho tiene que ver la manera como el esposo (viudo) de la víctima: Ricardo Morales, quien no se da tregua y busca al asesino mediante pequeñas pistas, que a decir verdad no ayudaban en nada.

Y en verdad, la astucia de los tenaces Espósito y Sandoval es tal, que con casi mínimas pistas, llegan a armar el rompecabezas....

La escena más tensa de la película.

Es aquí donde entra en acción aquella oscura y corrupta justicia que aquejaba en ese entonces a la Argentina. En donde los mandos militares disponían de todo a su alcance, para liberar asesinos y convertirlos en sus más leales secuaces en crímenes que estos armaban.

La película se torna en un suspenso por conocer que sucederá con el culpable del asesinato, mientras que un amor en silencio intenta ser gritado, con poco éxito, ya que tanto la injusticia como el peligro, lo silencia nuevamente.

"El secreto de tus ojos" es una gran película. Las actuaciones, el plano secuencia del estadio, el final hermoso que tiene, los diálogos que ya son parte de la historia del cine argentino, la escena del bar, la escena del ascensor y la escena del desenlace (cuando se descubre toda la verdad) hacen de ésta, una de las mejores peliculas argentinas de los últimos años.

Elogios para Darín y Campanella, y en especial a Guillermo Franshella, que sorprendió a todos con una gran actuación en un papel dramático, al que no nos tiene acostumbrados.

- Y si lo intentamos?

- Será peligroso...

Los ojos(miradas) guardan el secreto.....

EL MÉTODO (2005)

Dirigida por Marcelo Piñeyro.

Que gran película. El director argentino supo usar a su gran reparto para practicamente dar una lección de duelos interpretativos. Actores como Eduard Fernandez, Pablo Echarri, Carmelo Gómez, Ernesto Alterio y Eduardo Noriega, se baten en un solo escenario (una oficina) en una interesante película que se basa en una entrevista de trabajo. Nunca aburrió, y me mantuvo alerta ya que la trama se desenvolvió de gran manera. Siempre se dice que cuando tienes en tu elenco a tanto buen actor, es poco probable que saques buen provecho de ello. Pero Piñeyro es la excepción. Supo colocar a cada actor, el personaje ideal para que se desenvuelva durante los más de 90 minutos que dura la película.

Siete postulantes, un puesto de trabajo.

Y de qué trata? Es sencillo. Son siete profesionales, quienes han asistido a una entrevista de trabajo, en donde serán evaluados entre ellos mismos y solo quedará uno, quien se adjudicará al puesto de trabajo vacante.

Son siete postulantes y desde el inicio todo se desenvuelve en la oficina. La trama depende mucho de la forma como cada personaje se desenvuelve a lo largo de la historia. Poco a poco vamos descubriendo ciertos detalles y secretos que no se ven en un principio. El método Gronholm es una extraña forma de elegir al personal. Los sientan en una mesa y entre ellos, uno a uno se va eliminando de acuerdo a pruebas que una computadora va lanzando. Son observados a través de cámaras, por un staff de psicólogos, quienes evalúan a cada uno de los participantes. 

Natalia Verbeke haciéndola de "secretaria".

Entre ellos se irán descubriendo. Cada uno competirá a su manera, en lucha de un puesto de trabajo. Una especie de crítica a la forma tan insensible de cómo el ser humano compite por una vacante, sin importar el daño que le pueda hacer a otra persona.

Entre los siete postulantes, se encuentra camuflado un miembro de la empresa, quien evalúa caletamente a cada profesional. El truco es saber quien es y saber como afrontarlo.

A su vez, cada uno de ellos irá descubriendo el pasado del otro, la verdadera conducta de cada uno, las formas de pensar (unas radicales, otras no), las mentiras y pasados turbios, entre otros detalles.

En la competencia, lo que menos vale son los
sentimientos.

Una hora y 50 minutos de intriga por saber quien será finalmente el elegido, y por descubrir a quien es el infiltrado. 

Lo sentí como una crítica hacía ciertas empresas que se basan más en el lado material de sus trabajadores, que en la sensibilidad o rango humano de éstos, ya que por la forma como cada uno se va eliminando, es demasiado grotesca y hasta inhumana.

El final es la cereza del pastel a lo que les digo. Cuando debes elegir entre lo material o lo espiritual. Una manera real de como es la relación entre las empresas "grandes" y sus empleados.

"El Método" reúne un reparto espectacular (es probable que no conozcan a los que nombré, pero créanme que son actores de una gran carrera), en donde también destacan la presencia de la bella Natalia Verbeke y de Naywa Nimri.

Si estudian psicología o son profesionales de esa carrera, esta película les cae como anillo al dedo. Si es que tienen curiosidad de saber como es este método (que al parecer existe en la realidad), chequeen la película. No tiene pierde y estoy seguro que les dejará una muy buena impresión.

Nuevamente.... grande Piñeyro!!

LA VITA É BELLA (1997)

Dirigida por Roberto Benigni.

"Bonjorno principessa!!"  

Esta película debí subirla ayer por el Día del Padre, pero no pude hacerlo. Mas vale tarde que nunca. 

"La vida es bella" es una película hermosa. Me dejó un montón de mensajes y un montón de cosas por aprender. Pese a que han pasado ya varios años cuando la vi por primera vez, aun seguirá emocionándome.... sobretodo por el gran sacrificio de un padre por nunca ver a su hijo triste, por la realidad en la cual viven. Y es que si bien es cierto hay parte de humor y romanticismo, el final intenta dibujarnos una sonrisa, pero es probable que varios hayan botado su lágrima.

Cuando todo era felicidad, en la Italia fascista.

La película se divide en dos partes muy bien marcadas. La primera en donde vemos como es que se enamoran (y conocen) Guido y Dora, quienes no tenían al destino a su favor, pero él se las ingenia para que su amor intente sobrevivir pese a todo. La segunda parte ya nos muestra a la pareja casada y con su pequeño hijo Josué, quienes tendrán que afrontar todo lo acontecido en su pequeña ciudad italiana (Arezzo) durante la segunda guerra mundial.

La actuación de Roberto Benigni es genial y demasiado importante. Su forma tan amena de actuar, tan risueña, tan suelta, tan colorida, nos transmite lo que en realidad quiere decirnos el propio Benigni en la historia que el mismo dirige.

El pequeño Josué feliz por lo que le cuenta
su viejo.

Saliéndome del tema central que significa narrarles lo que me pareció la película, es mi deber contar lo que sentí. 

La magia de un padre. De un padre que se transforma en una especie de héroe y mago. Un hombre que pese a estar recluido en un campo de concentración nazi, junto a su hijo y separado de su esposa, tiene que impedir que su pequeño se entere de lo que están padeciendo.

El engaño que le inventa, el presente paralelo que recrea es tan tierno y genial, que logra que su hijo vea la vida como bella y entretenida, a diferencia de como lo ven los adultos que sobreviven en aquel campo nazi.

Hasta los últimos instantes, Guido le mostró
felicidad a su hijo.

Jamás tuvo ninguna preocupación ni miedo ni espanto. Josué vivió su propio mundo (creado x su padre) feliz y sin preocupaciones. En cambio Guido, su padre, tenía que lidiar con la opresión nazi, e incluso en el momento más jodido de su estadía en ese campo, siguió insistiendo en que todo era un juego... hasta su desenlace final.

Una manera de rendirle tributo a todos aquellos padres que se sacrifican tanto para vernos sonreír y que jamás nos falte nada en esta vida. Ese es el ejemplo que dejó Guido, quien no solo fue así con su hijo, sino que también lo fue con Dora, a quien conquistó de la manera más sui generis que he visto que conquisten a una flaca. En realidad, un capo de capos Benigni. El positivismo que irradiaba Guido durante toda la película, es lo mejor que se vivió en el cine de aquel año.

Una película bella.

Hermosa película que la han pasado en cable, Tv abierta y que no es tan difícil de conseguirla.

Mi mas breve apoyo y solidaridad con todos aquellos que ya no tienen a su padre en vida. Intento de alguna manera u otra sentir lo que ustedes sienten y tratar de expresarles mi apoyo mediante esta película que he subido.

Sus papás hicieron de todo por verlos sonreír. Solo tienen que mirar al cielo y seguir sonriendo..... para que ellos desde arriba vean que el objetivo ha sido cumplido.

Feliz día papá.

PIZZA, BIRRA, FASO (1998)

Dirigida por Bruno Stagnaro e Ismael Adrián Caetano.

"Hay un nuevo cine argentino", dictaba el título que aparecía en los carteles de esta película. Y es que el tiempo le daría la razón, ya que "Pizza, birra, faso" se convirtió en el estandarte del nuevo cine argentino, aquel que ahora inunda las carteleras de cine nacional rioplatense y que participa en diferentes festivales, obteniendo grandes premios. Uno de los ejemplos más notables es el Oscar que se ha llevado "El secreto de tus ojos".

El formato y la historia diferencian en demasía al nuevo cine argentino del que anteriormente regía x esos lares. Si uno quiere una traducción exacta de lo que significa el título de esta comida, es sencillo. Se trata de los tres pilares importantes para una noche de juerga: comida, cigarros y alcohol.

El cordobés y su pandilla.

Pues bien, la historia gira en torno a un grupo de amigos que viven en la calle. Podría hacer la analogía de que son como acá son los pirañitas, solo que me voy muy al extremo, ya que estos pibes no tienen una pinta de ser tan pero tan berracos.

Al mando de "El Cordobés", viven en una jato "robada" (no es de ellos, está abandonada y simplemente la ocupan), en donde lo único que les importa es conseguir la guita para poder comer, para fumar y para beber. Nada más, nada menos.

Típicos problemas en que se metían.

Ambientada en la capital argentina, significó toda una novedad para su época, sobretodo por la forma en como fue concebida y filmada. Un estilo independiente que significó una suerte de nuevo resurgir del cine argentino. Y es que el tocar un tema urbano, como el que se toca en esta película, nos muestra una cara poca veces tocada en ese entonces de la sociedad argentina. Aquella marginal y muy urbana, en donde el contexto de realidad se asemeja demasiado con la ficción. A raíz de eso, muchos directores se vieron influenciados y dirigieron películas que intentan plasmar la realidad de su época, en sus películas.

Comer, libar y fumar.

Es una suerte de sobrevivir. Una suerte de intentar seguir viviendo pese a que no todo sale como uno hubiera querido que salieran las cosas. El depender de cosas banales como la chela o los puchos, pero que en realidad son algo indispensable en nuestra vida.
La diversión y encontrarle cierto positivismo a una magra existencia, es una prioridad en este tipo de vidas callejeras, y para "El cordobés" y su pandilla, eso era lo fundamental.
Luchaban día tras día para conseguir algo de comida (en este caso, pizza) e intentar borrar la tristeza de su realidad con algo de joda y un toque de placer.
La calle es dura y ellos intentaban hacerle frente con algo diferente.


"Pizza, birra, faso" es el verdadero despertar del nuevo cine argentino y sirve de mucho verla, para comprender como es que era la realidad social argentina de ese entonces y ver como plasman eso en la ficción. Intentar adaptarlo no es sencillo, y eso es la gran cualidad de Stagnaro y Caetano.


Imperdible.