HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE I Y II (2010-2011)

Dirigida por David Yates.

Lo bueno de haberme visto todas las películas de esta saga llamada "Harry Potter", es que no me considero fan ni hincha tanto del libro como de la historia en sí. Me sumergí en ese mundo tan solo para comprender tanto despelote armado a su alrededor y para darme una idea de como es el cine masivo en su máxima expresión. Fui más como cinéfilo que como lector, ya que no he leído ningún libro de Rowling, así que iba veía las películas de la forma como el director las interpretaba, desconociendo si es que seguían la trama del libro o si es que por ahí, inyectaban las historias con algo de su particular estilo, para que tengan vida propia y sean reconocidas tanto por público por como crítica.

Harry, Hermione y Ron, los tres jóvenes magos.

Yates había dirigido dos de las películas más flojas de toda saga Potter. La casi "comedia romántica" que significó "El cáliz de fuego" (con un final bueno, que rescató a la película) y la malísima "El Misterio del Príncipe", que había leído y escuchado de los propios fans, que era una burla y una ofensa a uno de los mejores libros publicados por la escritora inglesa. La película me pareció medio sosa..... ya habrá tiempo para comentarla luego. Con todos estos indicativos, cualquiera tendría miedo de como este director llevaría a la pantalla grande, el capítulo final de toda una saga.

La escena en el Ministerio de la
Magia.

Y es que Yates había tenido la suerte de que le encomienden esta saga, que no pretendía ganar aceptación en la crítica, pero sí en la taquilla, y vaya que lo ha logrado. Por ende, podría simplemente basarse en los libros y dejar a cargo de lo técnico, a los especialistas. Tuvo mala fortuna con las películas ya contadas, y para el final de la saga, decidió partir (creo que fue más decisión de la productora, ya que más pelas, más plata) el libro 7, en dos partes. Con esto, "Harry Potter y las Reliquias de la Muerte" iniciaba el 2010 con la primera parte, y se cerraba en el 2011.

La primera parte fue una cachetada. Fue un "lo que viste antes de mí, no tiene nada que ver con lo de ahora". David Yates se reinventó y ofreció una hermosa transformación de lo que no habíamos visto antes de su parte.

El pequeño elfo Dobby.

Mucho le ayuda el hecho de que le dieran casi  5 horas de metraje para que complete el 7timo libro.

"Las Reliquias de la Muerte 1" es un juego de silencios, de tensión, de buenas actuaciones (Emma Stone está genial, al igual que Alan Rickman). La fotografía y la cámara en mano me gustaron mucho.

Los silencios que mete Yates en la trama, son precisos y le dan una vida propia a la película. Vida que no pudo otorgar a sus anteriores dos películas. Creo que los fans debieron salir contentos, porque la historia planteada es buenísima.

Como que presenciamos una historia que ya luce muy oscura, muy ténebre. Potter y sus amigos viven para sobrevivir, y ven como el mundo que conocieron en un inicio, es solo escombros y sus amigos y familiares, han tenido que desaparecer.

Es el inicio de la dictadura de Voldemore.

El séquito de Voldemore.

Los bandos ya están declarados. Los que siguen a Harry Potter son los que la tienen complicada. Sufren una persecución por parte de dementores, del Ministerio de la Magia y de los seguidores de Voldemore. Pero aún así, Potter con la ayuda de Hermione y Ron, logran esquivar a sus adversarios y seguir en su lucha por eliminar a los horrocruxes, los cuales debilitarán a Voldemore, volviéndolo un rival fácil de vencer.

La confrontación final.

Si la primera parte de "Las Reliquias de la Muerte" nos ofrece a un Yates que intenta llevar a otro level a la saga de Potter, en la segunda parte como que vuelve a ser el mismo. 

No digo que sea mala, pero como que es más acción y más concentrado en atrapar a la audiencia con la épica batalla en el colegio Hogwarts (a quien no se le vino la memoria "El señor de los anillos" en esta parte, es que definitivamente está en nada) y la confrontación final entre Harry Potter y Voldemore.

Los aditivos que podrían completar la saga, serían los de la parte romántica entre Harry y Ginny, y el más esperado beso de todos: el de Hermione y Ron. De ahí, su toque triste con algunas muertes y la nostalgia del final. Pero la película pudo ofrecer algo más y creo que ahí es donde falló.

Y es que Yates puso la valla bien alta en la primera parte y como que repetir tal hazaña, le costó demasiado en la dos.

De hecho que los fans están contentos y así hubiera sido una huecada total, hubieran salido felices de la película. Por eso que agradezco no ser fan y poder dar una opinión algo más subjetiva. De todos modos, el sumergirme más en este tipo de cine (al cual he intentado rehuir en ciertas ocasiones) me ayuda a tener más puertas abiertas y dejar de concentrarme en lo que dicen los demás. Que mejor que experimentar por uno mismo para luego dar una opinión.

Desde ahora, al final de cada "opinión", dejaré mi puntaje de valoración. Las dos parte de "Las reliquias de la muerte" forman una sola, así que mi puntaje va por la unión de ambos. De hecho que la primera parte le da un peso jodido al cálculo final.

7 puntos.

THE LAST HOUSE ON THE LEFT (2009)

Dirigida por Dennis Iliadis.

La idea original fue concebida en los 70s y supuso la ópera prima de este gran director de cine terror (considerado uno de los mejores directores del género) Wes Craven, quien dio el permiso respectivo al director griego Dennis Iliadis para que hiciera un remake de su primera obra. Claro está que las diferencias son demasiado resaltantes. La primera vez que se proyectó esta película allá por el año 1972, la película contaba con un precario costo de producción y un no tan sofisticado orden técnico, lo cual contrasta terriblemente con la modernidad de hoy y los alcances que se tiene en la actualidad en cuanto a tecnología. Lo que primó en aquel lejano año fue la idea creativa de Craven, de lanzar una historia buena y que colme las expectativas de todos.

Los padres de Mary observan lo que Krug y los
suyos le hicieron a su hija.

Iliadis solo intenta evocar ese estilo de terror, añadiéndole algo propio de su estilo (recordar que el dirigió la muy comentada película "Hardcore", de la cual muy pronto hablaré en este blog) y que quería respetar la trama como tal y añadirle solo algo de esa eficacia técnica de estos tiempos, cosa que no existía en los 70s. Sobretodo si es que nos referimos a la ópera prima de un director, lo cual nos pone a pensar los errores que pudo tener como primerizo que fue, y que hacer un remake de aquello, es corregir pequeños errores del pasado y entregar algo mejor, no? Falso. Siempre lo primero se rescata por lo original y verídico que fue, pese a errores y a notorios problemas en la producción.

Krug, su hijo y cia. llegan a la casa, sin saber
quienes la habitaban.

Una familia decide vacacionar en una casa ubicada a orillas de un lago, alejados de ciudad, barullo y demás cosas que permitan a uno estar cerca de lo que llaman "tranquilidad".

La mala suerte para ellos, es que un peligroso criminal acaba de escapar de la cárcel, con la ayuda de dos compinches, quienes viven prófugos buscando sobrevivir, sin importar como.

Lo raro es que Krug (el criminal) tiene un hijo llamado Justin, totalmente opuesto a la mente criminal de su padre. Justamente Justin conoce a la hija de esta familia que vive en la casa del lago, en un mini market del pueblito. Él conoce a ella y a su amiga Page, a quienes las invita a fumar unos porros a su cuarto de hotel.

Mary intentando sobrevivir.

Todo se caga cuando llegan al cuarto el padre de Justin y sus dos compinches: Francis (tío de Justin) y Sadie (la flaca de Krug). Al ver a su hijo con las chicas, se molesta demasiado Krug, porque piensa que eso puede poner en riesgo su preciada libertad que tanto le costo obtener. Así que deciden tener de rehenes a las chicas y comenzar una larga pesadilla para Mary y su familia, quienes llegan a pensar lo peor...

La historia se anima, cuando de casualidad el grupo de Krug llega a la casa de los Collingwood, sin imaginar que son los padres de la chica de la cual abusaron y dejaron muerta en medio del bosque....

Una historia de venganza e impulsos criminales que dejara boquiabiertos a los que aún no han podido ver la película. Si nos ponemos en lugar del padre, creo que a todos se nos cruzaría por la cabeza hacer lo que hizo el señor. Y es que a falta de justicia, es mejor usar las manos y poner en práctica las ideas más macabras para hacer sentir el dolor sufrido... a los mismos que lo cometieron con un ser querido.

Interesante para pasar el rato. Me quedo con la original.

HARRY POTTER Y EL CÁLIZ DE FUEGO (2005)

Dirigida por Mike Newell.

Lástima que no duró mucho la participación de Alfonso Cuarón detrás de la dirección de la saga de Potter, pero como dije en la anterior subida, el mexicano dejó diseñado los parámetros para que los directores que lo precedan, se basen en lo que el dejó como legado en dirección. Y vaya que se nota que intentaron amoldarse a su manera de percibir la saga del joven mago, ya que en esta película, se nota claramente el rumbo que se le quiere dar tanto en fotografía como en dirección de cámaras, y claro... apostando también al manejo de actores que se tenía en el reparto, para que la historia siga con ese aire algo adulto y dejará de ser tan infantil como en las dos primeras películas.

El famoso cáliz de fuego.

"El cáliz de fuego" se presentaba como una de las partes con más acción de toda la saga, debido al torneo de "Los 3 magos" que se describía en el libro. Es tal el mundo paralelo que recrea J.K. Rowling, que el trabajo para adaptar ese libro (y los otros) al cine, es sin lugar a dudas un trabajito bien pendejo.

Yo, sin ser fan de Harry Potter, pienso que las sagas van de menos a más conforme se va avanzando. Las películas las he visto en estos últimos 3 meses y me ha quedado esa curiosidad jodida de ver el desenlace final. "El Cáliz de fuego" presenta mucha acción y también el despertar e inicio del fin de la paz reinante que existía en aquel mundo de magos.

El inicio del mal está muy cerca.

Desde el comienzo de la película se observa que ya las cosas no serán la mismas. El señor siniestro poco a poco está regresando a la vida y para eso, necesitan a Harry Potter para que por fin pueda renacer y así gobernar al mundo de los magos.

Ya se ve a los actores más jóvenes. Creo que en las posteriores entradas que me resten sobre las películas de Harry Potter, hablaré sobre la belleza creciente de Emma Watson (Hermione) ya que antes me parecía una niña simpática y bonita, pero conforme avanza la historia y va creciendo, ya la niña es mujer, y como tal... ya uno no puede referirse a ella como simplemente simpática y bonita. Es toda una hermosura ahora a sus 21 años.

Un joven Robert Pattinson.

Detalle particular el nombrar a Robert Pattinson, aquel actor que ahora es conocido por ser el galán en la saga "Crepúsculo". Él tiene una participación importante en "El cáliz de fuego" como Cedric, uno de los 4 competidores del Torneo de los Tres Magos, que es el argumento esencial de esta cuarta película.

Los cuatro jóvenes magos luchan por hacerse del cáliz de fuego, intentando ganar en cada fase o competencia que se les pone al frente. Otro personaje que aparece en este capítulo es "Ojoloco Moody", quien luego será referente en las posteriores entregas. Él aparece primero como una especie de protector y consejero de Potter, pero luego........  

Lo atractivo de esta película es el torneo en mención. Newell intenta seguir con tino lo dejado por Cuarón, lo cual logra de menor manera pero que pasa piola. "Harry Potter y el cáliz de fuego" es el inicio del reinado de Lord Voldemore, quien por fin se da a conocer y es el que pone la sazón picante y maligna de la saga. Como se diría por ahí...."lo bueno está por comenzar".

NAPOLEON DYNAMITE (2004)

Dirigida por Jared y Jerusha Hess.

Que película para más graciosa jajajaja. Y es que pese a que sea una pelicula muy barata (tuvo un presupuesto muy bajo) es de aquellas cintas que te deja en la memoria personajes para más particulares. Yo lo que pienso es que esta es película antigestual por naturaleza. Y es que los protagonistas principales no emiten gesto alguno. Pareciera que son seres coqueados o que tienen el rostro estirado y eso lo hace gracioso, sobretodo el personaje principal, el tan recordado Napoleón, que es tan frío que en toda la historia no produce ni una sola mueca o gesto que denote algún tipo de emoción.

Pedro y Napoleon, vaya amiguitos.

La película ha sido criticada justamente por eso, por no ofrecer un humor convencional ni gestual (los conocidos gags) y para mí, eso es lo genial de la película, porque se sale de todo tipo de convencionalismos y aparte de eso, nos ofrece una gama de actores desconocidos, quienes son los que levantan la historia, convirtiéndola en una película con varios momentos graciosos (me reí en muchos, como no en otras que se vendieron como comedias) y otros que rozaban lo bizarro. Vuelvo a resaltar que la cinta es una de las más baratas en cuanto a costo de producción y que tuvo una buena ganancia en taquilla, para lo que costó.

Napoleón flanqueado por su tío Rico y por Kip.

En un principio, no supuse ni intuí bien hacía que rumbo iba la historia. Solo me ponían la imagen típica de un nerd (o el lorna del colegio), quien es Napoleon, un chico ligeramente alto, con sus típicas botas, el polo metido al pantalón, sus lentes y una mirada demasiado distraída. Y su inconfundible voz que parecía sacada de algún tipo de pastrulo que habita en las calles de cualquier ciudad.
Aún así..... sobre que giraba la historia? No tiene pies ni cabeza. Lo único que daba gracia era el tipo de acciones que nos mostraban, que eran muy graciosas. Hasta que al final de la película me di cuenta que lo mínimo que se quiere dar a conocer, es la fuerza de voluntad de Napoleon para sacar adelante los sueños de sus amigos.

Napoleon bailando con Deb, su alma gemela.

Y es que no nos venden al típico nerd de las películas norteamericanas. Este nerd se sabe defender y no luce tan patético como otros. Más parece un nerd algo narcótico o sedado. No emite ningún solo gesto.
Aparte que cuenta con un tío que se despacha a sus clientas (es bien gracioso), un amigo mexicano llamado Pedro, que extrañamente tiene bigote estando aún en el colegio (jajajajajaja) y la chica de sus sueños (Deb) que en verdad es su mujer ideal, porque es casi la versión femenina de Napoleon. Ni hablar de su hermano o padre (nunca entendí bien) Kip Dynamite, quien se enamora de una negra que la película te la hace ver como un travesti.


Así y todo, la película es totalmente divertida a su estilo. Escenas muy frías en actuación pero que causan risa así. Como que la forma de salirse del usualismo como Hollywood trata a sus películas de comedia, es la principal cualidad y fortaleza de la película.
Ahora bien, dudo mucho que estos actores hayan aparecido en otras películas. Sea lo que fuese, y así parezca sorprendente, "Napoleon Dynamite" es ya casi una película de culto underground.

THE ACID HOUSE (1999)

Dirigido por Paul McGuigan.

Bienvenidos sean todos a la casa del ácido.

Así comienza la película, con un video algo psicodélico de un prisma, con el fondo musical de Primal Scream. Ese intro, denota que estamos ante una película que no será como las demás. "The Acid House" se basa en textos de Irvine Welsh, aquel que también escribió parte de la historia de "Trainspotting" (D. Boyle). Por eso  nomás, me dio curiosidad de ver la película e intentar sumergirme en ese viaje ácido que tanta promoción (underground) tenía.

Fumadores.

Pues "The Acid House" se compone en unas 3 o 4 historias, si la memoria no me falla. Una más bizarra que la otra. Y es que nos vemos en tramas que tienen en común lo ciertamente anormales que pueden ser.

Te cuentan cosas sin temor a nada, siendo la última de las historias la más quemada de todas, por así decirlo.

Y es que Coco es un adicto consumidor de LSD. Su vida depende de eso. Si por él fuera, dejaría de respirar o comer para tan solo consumir ese potente ácido. Y su enamorada tan ingenua y paciente, le aguanta todo con

Parejas peleadoras.

firme deseo de casarse algún día (o es muy inocente, o no sé que pensar de ella). La forma como es enfocada cada historia, es muy particular. Hacen mucho incapíe en mostrar parte de cierta utopía o exageración de la realidad, a tal punto de otorgarle a la película ese aire bizarro y medio de humor negro que deja al termino de la misma. 
Y es que desde un marido celoso que rompe pisos para llegar hacía el depa de su esposa, o el alucinar ser una mosca y fisgonear cosas que poco se saben, o el solo hecho de torpemente 

Romances anómalos.

encallar en el cuerpo de un adulto, teniendo la mentalidad de un bebé, a causa de un fenómeno de la naturaleza, me obliga a pensar que las historias son distorsionadas a propósito para que uno inmediatamente diga: que quemadez que es esto.
Pero así es la forma como quieren que la veamos. Y es que el título en español lleva por nombre "El viaje ácido", y como toda experimentación con drogas, se intenta que la sensación sea idéntica. Pero no es tanto así, porque no son tan retorcidas como una película de Lynch o de algún director más osado. Me parece que "2001 Odisea en el espacio" me pareció más para un viaje ácido, que esta cinta escocesa.


Pero así y todo, la película es buena como para ver que situaciones tan dispares pueden existir en nuestro mundo real.

DELICATESSEN (1991)

Dirigida por Jean Pierre Jeunet.

Esta película francesa tiene la particularidad de que fue dirigida por el mismo director que años después filmaría "Amelie". Y vaya que es conocida "Amelie", ya por sus nominaciones a los Oscar o por su historia algo disparatada, que en otra oportunidad comentaré. La ópera prima de Jeunet se llama "Delicatessen", que es el nombre de un edificio (a veces pensé que era hotel) algo particular que existe en una Francia apocalíptica de la década de los 50s. Saco este tipo de definición de la época en que se ambienta, por la forma tan extraña como se desenvuelven sus personajes y por las modas, costumbres y otras cosas que asemejan mucho a la década en mención.

Louison haciendo una de sus payasadas.

Jeunet repite el mismo humor que usa en esta película, años después en Amelie. Es una comedia negra, asemejada en cierta forma a "Underground" de Emir Kusturica. Y es que se parecen tanto, que yo creería que el director serbio tuvo que ver algo con la producción de "Delicatessen". Pero me equivoco. La película de Kusturica nace en 1995, cuatro después de que fuera concebida esta cinta francesa.

Como señalaba, la atmósfera apocalíptica de la historia se basa en la manera como "sobreviven" los habitantes del edificio, resguardado por una especie de conserje, que es conocido como "El carnicero". Y vaya que es carnicero (de oficio), solo que como el planeta está hecho mierda, no tiene mejor idea que matar personas para alimentar a los habitantes de su edificio.

Los niños del edificio eran algo especiales.

La táctica del carnicero es sencilla. Siempre hay un departamento en alquiler, osea, un nuevo inquilino. Pone avisos y se presentan candidatos. Una vez que consigue al inquilino.... espera unos días y frito el pescado, comida para todos.

Solo que esta vez, el inquilino es un payaso (de oficio) llamado Louison, de quien se enamora Julie, la hija del carnicero.

Ella intentará de todo para que su viejo no mate a Louison, hasta incluso aliarse con los "trogloditas", unos seres que viven bajo el suelo y son vegetarianos (están en contra de la forma como sobreviven los del edificio).

Julie y Louison, la música los unía.

"Delicatessen" se basa mucho en el fino humor negro que se utiliza. Si bien es cierto, la trama parece medio gore, pero no se ve casi nada de sangre ni cosas por el estilo. Es más, la manera degradante como se presenta al ser humano en sí, es graciosa. 

Lo que más me afanó de la historia, es ver como una flaca intentaba suicidarse durante toda la película. Siempre algún detalle raro, le perjudicaba sus intenciones.... 

Una buena historia, bien contada, bien filmada (me gusta las locaciones que usó el director, y el trabajo de fotografía). Los actores se meten en sus papeles bizarros de buena manera.

Buen debut de este gran director francés. 

HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN (2004)

Dirigida por Alfonso Cuarón.

Si las dos primeras no pasaban de regular menos, con esta tercera entrega comienza como que un nuevo enfoque de la historia. La llegada a la dirección del mexicano Cuarón, cambió toda forma de ver la historia del pequeño mago. Le puso algo más de seriedad y preocupación en el desempeño de los actores (tantos los jóvenes como de los ya maduros). Poco a poco se va viendo la mano del director, en lo que para mí, es el inicio de mi interés hacía esta saga, ya que las películas subsiguientes intentaron guiarse por esta tercera. Es así como vemos que tanto fotografía como ambientes (así como vestuario) van casi parejos desde esta película hasta la 6ta (me falta ver solo "Las reliquias de la muerte").

Nuevamente Ron, Hermione y Harry juntos.

Un aporte valioso es la presencia de Gary Oldman. La escena cuando Harry, Hermione y Ron confrontan tanto a Lupin como Sirius Black (el prisionero que escapo de la temible cárcel de Azkaban) es fenomenal. La forma como hay el duelo interpretativo entres los jóvenes actores, con el magnífico Gary Oldman es lo mejor (a mi gusto) de esta película.

De aquí en adelante, el director le da esa cuota de emoción y suspenso, acercándonos más al interior de sus personajes, dejando de lado el estilo infantil que se había visto en las dos primeras entregas de la saga. Se ve a Ron Weasley menos patético que en sus primeras participaciones (¿mano del director?).

Sirius Black se presenta ante Potter y sus amigos.

Pues la historia cuenta que Sirius Black ha escapado de Azkaban, y al parecer busca de forma desesperada a Harry Potter. 

En esta entrega, Potter sufre el ataque de los dementores, quienes son unas ánimas (x así decirlo) que son como celadores de la prisión de Azkaban. Ellos buscan a Sirius Black por todos lados. El tratamiento de suspenso que propone Cuarón es excelente. Comenzamos a ver un poco el verdadero giro de la historia, cuando poco a poco Dumbledore se va dando cuenta que Harry tendrá que enfrentar a su destino por su propia cuenta. Y eso significa  confrontar a Voldemore.

Severus defendiendo a los chicos.

"Harry Potter y el Prisionero de Azkaban" es el cambio radical de la historia, en todo sentido. A partir de acá, la he comenzado a ver con otros ojos y con otro ritmo, y mucho de esto se debe a Alfonso Cuarón, gran realizador que le puso su cuota creativa a la película y cambió por completo el curso y estilo de la saga.

TRANSFORMERS: La venganza de los caidos (2009)

Dirigida por Michael Bay.

Si la I me pareció regular para menos, la segunda película sobre "Transformers"  me pareció totalmente lamentable. No tengo nada contra el director, solo que teniendo el dinero suficiente como para crear una trama decente, que combine bien con los efectos especiales, que de por sí, grandiosos que tiene la película, se esmera por dirigir mal a sus actores, crear diálogos estúpidos y mostrarnos una historia que solo se mantiene "entretenida" por sus efectos visuales. La historia es patética en varias escenas, sobretodo cuando aparecen los ridículos padres de Sam.

Lo único destacable que hace Megan Fox.

Esta película la han visto todos, así que no merece contarles de que trata, no? Solo pondré lo que me pareció.

La he visto dos veces. La primera en el cine y la segunda, hace dos meses en mi casa.

Pues bien, así como opiné en la primera película de estos robots, creo que Bay debió haber omitido ciertas escenas, o bueno, debió ser un poco menos "chistoso" con algunos diálogos. Los peores personajes de toda la historia, son los padres. Caen espesos. Parecen ridículos cuando intentan hacerse los graciosos. Leía por ahí en algún blog de cine, que esta pareja de actores no encontraría otra producción que los acepte, a menos que sea comandada por el propio Michael Bay. Es la verdad.

Impresionantes las peleas entre autobots y
decepticons.

Nuevamente destacar los efectos especiales, así como la edición del sonido. Todo muy bien cuidado. Creo que es la principal fortaleza de estas dos películas de Transformers (me imagino que en la tercera también) han ofrecido. Y es que la gente va por eso al cine. Va para entretenerse y sorprenderse con los efectos visuales que le brinda la película. Atrás (pero muy atrás) quedan las actuaciones y el guión. Te pueden poner cualquier historia y no darte cuenta lo mal que actúan los protagonistas, y como las huevas. Lo que importa es quedar maravillado con los efectos visuales, y en eso, los técnicos de Bay son maestros.
Aparte de lo pedantes que son los padres de Sam (en la película), también debo criticar en algo los giros extraños que tiene la historia con respecto a lo que originalmente uno vio de pequeño. Sobretodo con la aparición de Devastator, un decepticon que es mostrado como un "transformer" abominable y casi irreconocible.

La espectacular batalla en el desierto africano.

Es cierto que Devastator es la conjunción (bueno ya, unión) de varios decepticons, pero me hubiera visto a esos mismos decepticons pelear y reconocerlos como tal. 
Ni que hablar del casi final, cuando pareciera que tanto Sam como Mikaela parecieran super hombres, por la manera como sobreviven a la batalla en el desierto. 
Y es que dicha batalla es espectacular y todo lo que quieran, pero debió omitir ciertas presencias (jamás me cansaré de repetir que los padres de Sam están por las huevas en la película). Y de seguro que muchos pensarán que son personajes que le dan cierto humor a la película, pero ciertamente..... en un país en donde el humor es tan sobrevalorado (un programa como "Risas en América", que da más pena que risa) que te digan que son graciosos, suena a sarcasmo.


Divierte, entretiene, es para pasar el rato. Buenos efectos visuales. Buen sonido. Paro de contar. Es cine. Nació como entretenimiento. La diversión no tiene reglas ni standares. Total, lo único importante para Michael Bay es ganar dinero. Eso ya lo ha demostrado.
Igual iré a ver "Transformers 3" sabiendo lo que me espera. Pero quiero verla para tener una noción y no guiarme de terceros.

LOS AMANTES DEL CÍRCULO POLAR (1998)

Dirigida por Julio Medem.

Medem tiene este tipo de películas, que tranquilamente podrían funcionar como románticas o así de ese estilo de drama romancero, pero que pareciera que él detesta tanto que prefiere seguir su línea narrativa y contarla a su modo. De todos modos, tan mala no es su línea y nos muestra algo más y una historia sin estereotipos, que se basa principalmente en los juegos sorpresivos del destino. Y es que esta película está marcada por lo que el destino les tiene preparado a sus dos protagonistas.

Ana y Otto, cuando por fin se conocen del todo.

Ana y Otto son dos nombres capicúa (suenan igual al derecho y al revés). Ambos se conocen de niños de la manera más casual. Mientra Otto persigue una pelota, Ana corre en la misma dirección, huyendo de una verdad que no quiere saber.

Ambos corren en la misma dirección, pero por factores distintos. Yo analizo bien la carrera de ambos y construyo, una vez terminada la cinta, la personalidad de cada uno de ellos. Ana más preocupada por algo sentimental, algo emotivo, algo que le conmueve por dentro. Ella es así de niña y lo será durante toda la historia.

Los encuentros a escondidas eran donde sea,
hasta debajo de una cama.

Otto mas bien persigue una pelota que fue lanzada por Dios quien sabe, pero igual.... le apasiona el hecho de atrapar el balón. Persigue banalidades, pero igual sigue tras de ellas. No le importa dejar atrás gente preocupada por él, sigue corriendo tras algo que no tiene importancia. Así es Otto durante toda la película y la verdad que el destino de ambos dependerá en demasía de este tipo de actitudes.

Y es que el destino los hizo conocerse en ese momento, pero solo fue visión. No hubo un contacto verbal, ni mucho menos algo que hiciera presagiar que serían amigos. Solo se miraron y nada más. El tiempo se encargo, semanas después, de juntarlos de la manera más insólita: Sus padres se enamorarían.

Otto el piloto, reflejado en los bellos ojos de Ana.

El padre de Otto conocería a la madre de Ana a la salida de la escuela. Otto lanzaba aviones de papel, con mensajes románticos en su interior, hacía el patio del colegio, justo en la hora de salida. Varios niños cogieron los papeles y los daban a sus padres. La madre de Ana cogió uno, y le preguntó a la niña quien lo escribió. Ana viendo que Otto, aquel niño que conoció huyendo, estaba con su papá, señaló al señor e inmediatamente flechó a ambos. Increíble.

De ahí en adelante vemos una historia paralela. Medem nos muestra, x separado, como es que Otto y Ana viven este romance. Que es lo que sienten, como giran sus vidas alrededor de este amor. Sus primeros besos a escondidas (recordar que son "hermanos"), sus primeras relaciones sexuales. Sus encuentros a escondidas y su crecimiento entre descubrimientos y cosas que intentarán terminar con la relación.

Su separación es como un círculo que se va abriendo, pero que tarde o temprano se irá cerrando... hasta que el destino los vuelva a poner frente a frente.

La manera como Medem aborda esta historia de amor, es celestial. El final se siente como que el destino es el verdadero villano de toda la película. 

Una historia para verla detenidamente y entender el mensaje que transmite siempre Medem en sus películas. Gran labor del director español.

OSCAR, UNA PASIÓN SURREALISTA (2008)

Dirigido por Lucas Fernández.

La manera como se abordan ciertos temas artísticos es chevere. Sobretodo si se trata de artistas que fueron bien bohemios y que tuvieron un epílogo complicado de sus vidas. Pero cuando nos encontramos con paralelismos en diferentes épocas, le presto mucha atención a parecidos y/o alguna cosa que asemeje a los personajes a los cuales se intenta emparejar.

Oscar Domínguez fue un pintor español que se sumergió en toda la corriente surrealista que apareció en aquellos primeros años del siglo XX, en especial a fines de los 30s, en donde él intentaba destacar en aquel arte sinuoso llamado pintura.

Oscar y una vida que no supo comprender al final
de su existencia.

Pero la película se centra en el presente, y nos trae a la tortuosa actualidad de Ana, quien al parecer vivía jovialmente hasta que cae enferma a causa de una extraña enfermedad. Los médicos le dan hasta cierto tiempo de vida.

En ese epílogo que ella debe afrontar, es abordada por unos trabajadores de un museo, quienes desean saber si es que ella atesora una de las últimas pinturas del gran Oscar Domínguez, ya que piensan que el padre de Ana la compró y puede que la tenga como un recuerdo en su casa. A Ana no le importa mucho el tema, pero como siente que puede hacer algo para rescatar lo poco que queda del arte de aquel gran pintor, intentará buscarlo.

Ana intentando alejarse de su fatal destino,
en una playa de Tenerife.

Paralelamente al presente de Ana, vemos imágenes del pasado. De aquella época que le tocó vivir a Oscar. Un tiempo de guerra (la 2da Guerra Mundial), de problemas en España a causa de la guerra civil, pero de mucho brillo artístico. Oscar era un mujeriego empedernido y amante de la bohemia y, muy en especial, de las mujeres y el sexo.

Presente y pasado se van conjugando. Cada uno hacía un destino en común: el fin de cada personaje y su peregrinaje hacía un final que ambos aquejan.

Ana y Eva leyendo algo sobre el pinto surrealista
Oscar Domínguez.

Ana es ayudada en todo momento por su mejor amiga Eva (Emma Suarez) y por su novio Román, que bueeeeno... pese a tener un carácter primate, se nota que hace el intento de ayudarla a su modo.

Vemos un poco de aquel París de los 50s, ciudad que albergó a Oscar por un buen tiempo, y en donde poco a poco fue cultivando esa enfermedad llamada "elefantiasis" (no sé bien como se escribe) que poco a poco fue degenerandolo, hasta al punto de ser considerado loco y ser trasladado a un hospital psiquiátrico.

El destino de ambos tiene cierto parecido y eso es lo que no intento comprender de la película. Pareciera que intenta hacerse un paralelismo entre ambos personajes, pero Ana no tiene nada que ver con Oscar, en ningún sentido. Entiendo lo del cuadro y que ella lo "pueda tener", pero vamos... de ahí ya no existe ninguna relación entre ambos, salvo la muerte, que es demasiada obvia.

Creo que el final pudo ser mejor y no debió quedarse con lo evidente, que era la muerte de Oscar (es un personaje que existió, así que era obvio que moría) y de Ana, a la que detectan una enfermedad incurable y que tiene como destino... morir si o sí.

Puede ser chevere si la vemos desde el punto de vista de conocer la vida de un pintor surrealista y la de su ambiente. Pero de ahí.... la historia no llega a más.