LOS PUENTES DE MADISON (1995)

Dirigida por Clint Eastwood.

Podría catalogar como "romántica" esta película, pero siempre hay algo que me lo impide. Podría decir que tiene bases de cine clásico y tal vez en este punto no creo que me equivoque. Es Clint Eastwood, quien nos pone una historia basada en el verdadero amor, en aquel amor que llega tarde en la vida de dos personas que creían tener sus destinos ya fijados, pero que probarán un instante de aquella felicidad negada. Son ellos mismos quienes fijaran los límites de lo prohibido y de lo permitido. Eastwood no duda en tal vez criticar ciertas formas monótonas de algunas familiar norteamericanas, que a la larga originan crisis de pareja o infidelidades. Lo inusual y lo no correcto (esto depende de ciertos puntos de vista conservadores) se abren paso en una historia que tiene uno de las escenas mas perennes que recuerdo. Y es que cuando se trata de una película del tío Clint, nunca hay pierde.

Francesa y Robert en su primera cena.

Francesa es una ama de casa común y corriente. Madre de dos hijos y esposa abnegada, obedece fielmente las normas que el destino le puso y parece vivir tranquila y feliz. Nos situamos en la década de los 60s. No existía las formas liberales que existen hoy en día. 

Un día, tanto su esposo como sus hijos, deciden ir a una feria en la ciudad, quedándose a cargo de la jato Francesa, en donde explora la soledad de su hogar, sin imaginarse que siempre estuvo sola.

Robert Kincaid es un fotógrafo aventurero, que busca ir de ciudad en ciudad tomando fotos de paisajes naturales y agradables a la vista. Había oído hablar de los famosos Puentes de Madison, y fue en su busqueda, ya que el lugar donde trabaja (National Greogaphic) le pidió ese trabajito.

Las vidas de estas dos personas se cruzan de repente.

En los mencionados Puentes de Madison.

Francesa vivía encerrada en una prisión. Es así como yo llamo a ese "hogar" en donde ella era la esposa y madre. Nada más. No era mujer. No se sentía mujer. No tenía un marido que la haga sentir mujer. Vivía en una felicidad que la creo en base a conceptos erróneos y triviales. 

La aparición de un hombre de otros pensamientos, mas pendiente de lo interno y de lo poco usual (por llamarlo de algún modo), sorprendió en parte a Francesca. No se imaginó que más allá de su realidad, existan personas como él. Evidenció en parte, su gusto oculto por ciertas cosas que creía prohibidas y que en una sola tarde, despertaron de un letargo casi perpetuo.

Hasta acá podríamos oler una sencilla historia de amor basada en el romance de dos personas: una casa y la otra soltera. Fácil, no? Pero recuerdo que estamos en los 60s. 

Eric pese a todo es caballero y lo demuestra durante toda la película. Las decisiones mas dolorosas siempre llegan del corazón.

La escena más emotiva de la película.

Eastwood nos entrega una película llena de moralejas y de formas de como se pueden ver ciertas realidades. Sin llegar a ser tan vendida (en el sentido de como finaliza la película), la belleza del romance entre Francesa y Robert, un romance adulto y maduro, es la principal base que sostiene a la película para quedar en la memoria de muchos.

Los últimos 15 minutos están llenos de emoción, y deben ser los más intensos de aquel año.

Una película que fue obviada por completo por la Academia (salvo la nominación que obtuvo Meryl Streep x su papel de Francesca).

El destino a veces suele ser cruel, porque cuando piensan que lo tenías todo jugado, es cuando te das cuenta que recién estás en el primer tiempo y falta aún conocer mucha parte del camino.

El final es hermoso y hasta ahora recuerdo letra x letra la carta final de Francesca. Sería un error escribirla. Véanla y verán una bella película.

Los dejo con el trailer, que no dice mucho. Es lo bueno. Toda la emoción la guarda para la película.

OSCAR 2011

Pues bien, ayer se repartieron estos premios que cada vez son mas dislucidos conforme pasan los años. Se premian a películas que siguen canones ya viejos y no se premia a lo innovador o se deja de lado ciertas rencillas y se otorgan premios a los que en verdad se lo merecen.

1.- Empecemos con que Frecuencia Latina hizo un papelón (para variar) la noche de ayer. Solo lo puse 5 minutos (preferí TNT) y se equivocaron demasiado en la traducción. La flaca q hace de comentarista, no debería opinar. Así de simple. En vez de informar al público, lo embrutece más.

2.-La ceremonia fue de más a menos. Comenzó con intentos de ser divertida, pero fue cayendo poco a poco en aburrimiento. James Franco todo el rato estuvo duro y la Hattheway al menos intentaba cargar con todo el peso. Kirk Douglas, Billy Cristal y cuando Franco sale de M. Monroe, fueron los escasos momentos divertidos de anoche.

3.-La Academia hizo el papelón de sus vidas. Tuvo que ajustar ciertos premios, para q no se diga luego que la "Mejor película" solo se iba a llevar 2 premios en total. Tuvo que darle injustamente el Oscar a Mejor Guión Original y Mejor Dirección a una película q no se lo merecía como "El Discurso del Rey".

Ok, yo la he visto y me parece correcta y buena, pero si me das para escoger, obvio q no gana. 

Guión original se entiende sobre un guión creado por los propios guionistas de la producción. Una historia nueva, innovador (x así decirlo). Todos sabemos que "El Discurso del Rey" esta basado en la historia de un rey inglés que existió a inicios del siglo 20. Que de original tiene basar tu guión en algo real que sucedió?? Comparemos con la muy creativa "Inception" o con "Black swan". Tremendo papelón de la Academia.

EL mejor director.... por Dios. Con esos dos actorasos como Collin Firth y G. Rush, quien no la hace linda!!!  Fincher tuvo que lidiar con actores jóvenes y sin experiencia y la hizo bien. Aronofsky dirigió el papel mas extraordinario que ha hecho la Portman. Los Coen dirigieron una obra poética visual. Que de grande hizo el director de "El Discurso del Rey". Nuevamente papelón.

El resto de premios estuvo bien. 

Queda para la estadística que de 12 candidaturas, la película ganadora solo se llevó 4, dos de ellas de manera injusta. Es lo que creo yo, porque me he visto ya las 10 pelas nominadas y no puede ser lo q ha pasado anoche.

En fin, cosas del Oscar. Cada uno tiene su particular punto de vista. Cada año que pasa estos premios demuestran que x lo general, premian a las películas q nunca serán eternas.

REVOLUTIONARY ROAD (2008)

Dirigida por Sam Mendez.

Los picos elevados en la armonía matrimonial, pueden caer de un momento a otro. De hecho que los factores externos (ciudad, trabajo, etc) son causante de varias rupturas matrimoniales. Pero que haces para hacerle frente a este tipo de cosas e intentar salvar al amor antes que a la unión matrimonial? Así es como vi esta película del ganador del Oscar por "American beauty", que pone a una pareja típica de los años 50s, afrontando un cambio de vecindario, que afecta rotundamente la relación matrimonial que tenían.

Frank y April se enamoraron bailando.

Cuando una pareja no sabe afrontar "como pareja" las diversas situaciones jodidas que la vida les pone en el camino, suelen caer en un abismo que muy difícil puedan salir o intentar escapar. Y es que los factores externos implican cambios en la conducta de uno de los dos, y esto ocasiona que hayan roces o peleas y un ambiente hostil en el hogar.

El escape viene a ser Paris para ellos, pero mientras el sueño parisino tarda en llegar, los problemas conyugales, poco a poco desaparecen al amor, y reina la infidelidad, las discusiones, los maltratos verbales y demás cosas. Es increíble ver como Frank y April intentan sobrevivir como pareja frente a la sociedad, y se regalan ante la ira y confusión en la intimidad.

Las reuniones familiares que ayudaron al ocaso de
la pareja.

Cuando se termina, se termina. Intentar salvar algo que ya esta muerto, suele ser la peor opción. O la terminas matando más o comienzan a hacerse daño a si mismos. Es aquí cuando los defectos de la otra persona crecen más ante los ojos de la pareja. La cólera, las ganas de salir de ese claustro matrimonial, origina que sufran de excesivo maltrato verbal. Ver como una pareja joven como April y Frank, quienes demostraron amor en un inicio, comiencen a matarse el uno al otro.

La alegría es tan solo una nostalgia.

Como lo hiciera en sus otras películas, Mendes se adentra en el origen primario de los problemas conductuales de la persona. Nos hace ver a dos personas, e intenta alejarnos del modelo de "pareja matrimonial". Ante todo, cada uno es un individuo que tiene problemas y confusiones, y eso le importa más a Mendes.

Las fotos de amor quedaron en fotos y el intento de ver a Paris como el refugio o el escape perfecto para encontrar de nuevo esa llama que le inyecte vida a su matrimonio, se vuelve tan lejano a causa de los continuos roces. 

Estamos ante una película que nos muestra el ocaso de una pareja que tenía el amor en el cielo, pero que no supo como controlar la caída, y viven deambulando en medio de su caos, cada uno x su lado..... lo cual obviamente está mal.

A veces tienes que sacarte la venda de los ojos y asomarte un poco a la realidad para ver que no todo es como te lo pintan. A Frank y April les pasó eso, lo cual no supieron revertir.

Los dejo con el trailer:

LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (1988)

Dirigido por Martin Scorsese.

El mundo católico vive inmerso en un montón de teorías acerca de la creación del hombre, de la existencia de Dios, de algunos profetas, de algunos "héroes" bíblicos, de ciertos milagros o ciudades que en ese libro se relatan, y claro, sobre la vida de Jesús. Se dice que cada libro de la Biblia es libre de interpretación, así como si existieron o no ciertos personajes. El caso es que, teniendo esto como opción, cualquiera es libre de interpretar a su modo (depende mucho el grado de creencia) ciertos pasajes bíblicos, así como dudar de la veracidad de ésta. 

El gran director Martin Scorsese, que tuvo una infancia ligada con la religión, dio su punta de vista (para mí acertado) sobre la vida del llamado hijo de Dios, a quien lo puso como un ser humano como nosotros, sin vestirlo de divinidad ni diferenciarlo del resto.

Jesús y sus apóstoles.

Scorsese se basa en la novela de Nikos Kazantzakis, que lleva el mismo nombre, y en donde se relata la vida de Jesús de diferente manera como la conocemos a través de los evangelios de la Biblia. Pues bien, a mi me pareció correcto el personaje de Jesús, porque es tan ser humano como el resto de humanos. No lo ponen como una divinidad ni tampoco se la ponen tan fácil. Es obvio que si aparece un broder que dice ser hijo de Dios y quien se llama así como el "Mesías", sea tildado de loco o tarado. Es la purita verdad. Y así lo presentan a Jesús, como un hombre quien descubre que es hijo de Dios y que tiene la misión de predicar la palabra y librarnos del pecado. Nada fácil su misión.


Jesús no la tuvo fácil. La película nos muestra que antes de esta vida de "Salvador", fue un humilde carpintero, quien recibía el encargo de construir cruces, destinada a aquellos que incumplían con la ley romana y recibía la pena de muerte, siendo crucificados. Para el pueblo judío, el carpintero Jesús, era un vil traidor. Con todo esto, recibe el 

Jesús llevado a su destino final.

llamado de Dios y va al desierto a pasar las tentaciones del Diablo, quien le dice que hay modos sencillos de dejar el cargo difícil que le había impuesto Dios.
Esto no sirvió de nada, y mas bien avivó más los objetivos de Jesús. Pero el pueblo de Jerusalen y de los pueblos que visita no lo ven como el salvador. Es mínimo el respaldo que recibe. Solo los que luego serían sus apóstoles, lo verían como el Mesias. Y también Juan Bautista.


Scorsese nos muestra un Jesús con dudas, con problemas existenciales, con sentimientos encontrados, con el reto jodido de que le crean que es el hijo de Dios, con Judas como su mejor amigo. Lo presentan como hombre y no como hijo de Dios. Eso es lo que agrada, porque lo acercan mucho a la realidad, y es probable que así haya sido.

El ángel que le da a elegir la última tentación.

Hay una parte en la película, en donde Pablo dice una gran verdad: "El hecho es que nosotros hemos dicho que eres el hijo de Dios a los pueblos donde hemos ido, y nos han creído. Esos pueblos necesitan creer en alguien para no vivir atormentados con la presión romana. Tú crees que si les decimos que es falso, te van a creer? No le quites la ilusión al pueblo".
Mejor no pudo ser su floro. Da a entender que a veces de bolas, se pueden crear divinidades falsas, solo por el simple hecho de tener a alguien en que creer. Duro pero real.


Una película cuestionada en su tiempo, que años después de verla x primera vez, me deja otro mensaje y otro concepto que ahora he compartido. Me parece de lo más natural y sin contradecir a los católicos y su fe. Es el punto de vista de un director que cuestiona ciertas exageraciones de la Biblia, y que pone al hijo de Dios, como un hombre común y corriente. Un hombre como debió ser.


El trailer:

SCOTT PILGRIM VS THE WORLD (2010)

Dirigida por Edgard Wright.

Que película para freak. Una agradable sorpresa, de lo que yo esperaba que fuese tal vez una trivial pela comercial de esas que solo sirven para entretener dura su tiempo de duración, y no generar un efecto de comentarla luego de ser vista. Y es que tiene varios argumentos para ser declarada como una película buena. Buena en su género y muy graciosa. También con cierto tributo (homenaje) a juegos de Nitendo y Super Nitendo, sobretodo al inicio, cuando suenan las canciones de Zelda.

El humor a veces es negro, a veces tonto, pero x lo general muy bien ubicado en ciertas escenas que parecen apagarse por algo que ya parece obvio que pueda suceder.

Scott y sus amigos.

Scott tiene su banda de rock y acaba de emparejarse con una flaca menor que él, quien es Knives, una chinita que esta loca x este bajista de rock. 

Cuando conoce a la chica de sus sueños (una chica que en realidad aparece en sus sueños), se enamora perdidamente de ella. Ramona, quien tiene un color de cabello muy particular, es una norteamericana que chambea en Amazon.ca, y quien ha puesto de vuelta y media a la vida de Scott, quien intentará x todos los medios posibles, acercársele. 

Ramona guarda un secreto.... algo pendejo. La mayoría de sus ex parejas, tienen poderes especiales, y Scott tiene que derrotarlos para poder así estar con ella. Vaya requisito, no?

La pelea final.

Los "Sex Bob-Omb", la banda de Scott, se dispone a participar en una lucha de bandas, en la cual se manifestará el primer ex de Ramona. Lo gracioso de esta primera batalla entre Scott y los ex, es que practicamente es una parodia de las peleas que hay en juegos como Street Figther o Killer Instict. Sí. Con combos, puntos extras, poderes especiales y todo eso. Este tipo de cosas, hacen que la película sea entretenida. Es como la recreación de un mundo imaginario que todos a veces hemos alucinado, porque a decir verdad.... quién no ha querido sacarle la mierda a un rival, usando poderes especiales y que al final salga la voz de.."You win".

Scott y Ramona.

La lucha por el amor de Ramona no será fácil. Son 7 ex enamorados y cada uno tiene su cualidad. Aparte de esto, aparece una ex de Scott, que le hará la mecha también.

Llegamos a cierto punto de la pela en que se da a pensar que Ramona era una pendeja, porque hasta una lesbiana aparece como rival para Scott.

Personajes frikis, como el compañero de cuarto gay de Scott, como la hermana chismosa, como la baterista del primer grupo rival de la banda de Pilgrim, los policías vegetarianos y tantos otros personajes y escenas que son graciosas y hasta cierto punto, originales.

Una película que no se ha estrenado en nuestras salas y que por ende, es chevere conseguirla y verla. Vuelvo a repetir, las canciones de Zelda que suenan en la cinta, son cheveres. Hasta se gana una vida extra Scott por hacer un alto "score" jajajaja.

Los dejo con el trailer:

PARADISE NOW (2005)

Dirigida por Hary Abu-Assad.

No creo que esta película palestina esté basada en algún evento real o biográfico, pero lo que si sé, y creo que todos saben, es que la realidad tiene mucho que ver con lo que transmite esta cinta. El pueblo palestino vive así. Sus creencias son así. Su dolor, sacrificio y frustración es así. Los jóvenes crecen con esas ideas y mueren a causa de ellas. "Paradise Now" se centra en dos muchachos, amigos de la infancia, quienes llevan una vida normal como la de cualquier otro joven de su edad. El país o ciudad en donde viven no parece afectarlos, hasta que se topan con las "fronteras" custodiadas por soldados israelitas, que los mantienen como prisioneros dentro de su propio país.

Khaled viendo como le ponen los explosivos.

Said y Khaled chambean en una mecánica. Cada uno sobrevive a su manera y tiene su propio carácter. Lo único que los asemeja es la creencia y el idealismo religioso que ambos tienen. 

La perspectiva de estos dos jóvenes puede diferir de la de otros jóvenes palestinos que viven en la actualidad, pero la película muestra como son las horas previas de dos muchachos dispuestos a sacrificar su vida, mediante un acto terrorista, tan solo como muestra de amor a su Dios y como forma de repudio a la invasión israelita. Ellos representan a todo ese pueblo de palestinos refugiados en Cisjordania, que viven la opresión y el encierro fronterizo.

Khaled dando su testimonio antes de morir.

Son reclutados para un ataque suicidad en Tel Aviv, el cual responde al asesinato de uno de los lideres de la resistencia palestina. Este acto suicida es tomado como un llamado de su Dios, con el cual serán recompensados con la vida eterna en el Paraíso, el cual ellos idealizan. 

Los momentos previos al ataque suicida son de tensión y de total entrega a sus dogmas religiosos. La escena en que son grabados sus testimonios, previo al ataque suicida, se puede notar cual es el afán de estos grupos palestinos. La idea de venganza corre x sus cabezas, sin medir las consecuencias que esto trae para las familias de los suicidas, para el destino de su pueblo y para el alejamiento parcial de la paz entre ambos pueblos.

Said minutos antes de viajar a Tel Aviv.

A lo largo de la película, vemos como la conciencia de ambos amigos va cambiando y cediendo hacia la coherencia. Sobretodo por la aparición de Suha, una chica que al inicio del film, lleva su carro a reparar a la mecánica en donde trabajan Said y Khaled. Suha es la hija de uno de los fundadores e importantes lideres de la resistencia palestina. Su padre fue la persona asesinada por huestes israelís, y es por culpa de este asesinato que se realizará el acto suicida. Suha es miembro de un grupo Pro Derechos Humanos, e intenta internarse en la mente de ambos amigos y disuadirlos para que no cometan semejante locura.

"Paradise Now" ganó el Globo de Oro a mejor película en lengua no inglesa en el 2006, y fue nominada a la misma categoría en los Oscar del mismo año. 

Es recomendable ver esta palestina y así, darnos una idea de como es esta cultura, como sus jóvenes viven el día  a día, como están tan metidos en su religión y buscar un paraíso. Tal vez su verdadero paraíso sea el morir, porque viven en un infierno.... en la actualidad.

Los dejo con el trailer:

FACTORY GIRL (2006)

Dirigida por George Hickenlooper.

Andy Warhol: ¿crees que se acordarán de nosotros?

Edie Sedwick: cuando estemos muertos?yo creo que la gente hablará de como cambiaste el mundo

Andy: y que dirán de ti en tu obituario?

Edie: supongo que nada bueno

Andy: venga ya!seguro que pondrá: Eddie Minturn Sedwick guapísima artista y actriz

Edie: si ,y loca de remate

Andy: se la recuerda por su gran salto a la fama

Edie: y por huir de las garras de su familia

Andy: era amiga de todos y de nadie

Edie: originaba el caos y la confusión por donde iba,se divorció tantas veces como se casó y nos ha dejado buenos deseos

Andy: espero morirme antes que tú ,porque sino me moriría de pena

Siena Miller como Eddie Sedwick.

Es muy probable que el nombre de Eddie Sedwick no se me borre de la mente por un buen puñado de años. Esta película sobre una de las musas de Andy Warholl me pareció buena e informativa. Muy aparte que quería ver como Guy Pearce interpretaba al creador del "Pop Art", toda mi atención se centró en el papel central de la película, el que hizo la guapa (es más bella con cabello oscuro) Siena Miller.

"The Factory" era el salón o studio que tenía Warhol en Nueva York. Ahí llegó una estudiante y soñadora Eddie Sedwick, gracias a un amigo (Chuck) quien presentó a ambos en una de las tantas reuniones artísticas que había en esa década de los 60s. Pues bien, primero vemos a una Eddie soñadora, dulce e interesada en el arte, que se muda a New York con la finalidad de ver cumplidos sus sueños. Sin embargo, todo cambia cuando conoce a Warholl, quien se queda completamente maravillado con la joven.

Andy Warhol y su team.

Él le promete que la convertirá en toda una estrella y le pide que sea protagonista de sus películas. Las pelas de Warhol eran medio experimentales. Yo las veo como que el artista filmaba lo que se le ponía en frente (en su studio), sin guiones ni historias de por medio. Solo servían las preguntas de Andy y que quien esté frente a la cámara, las conteste y sea algo versátil y que se le note desinhibida, cosa que Eddie cumplía a sobremanera.

Como toda relación (del tipo que fuese), esta se inició muy bien, con halagos y una fama que desbordó rapidamente x todo el circuito pop y underground de New York. Tanto Andy como Eddie estaban muy maravillados el uno del otro. 

Cuando Eddie conoce a Dylan.

 Muy al margen de su doloroso pasado (un padre ultra conservador y autoritario), Eddie conoce a Bob Dylan y se estrella con la realidad. Dylan le abre los ojos de alguna manera y, como dice en una parte de la película, la vida es como un ascensor, todo lo que sube, baja. Eddie no supo retornar a la fantasía que había creado junto a Warhol y comienza su caída vertiginosa.

No me gustó mucho la interpretación de Hayden Christensen como Bob Dylan. No lo veo muy metido en el personaje y no me la creo. Fácil otros que hayan visto la pela estuvieron conformes, pero yo no. El papel de Sienna sí es sorprendente. No es merecedor de premios, pero al menos sí de una mención honrosa. Igual, Guy Pearce fantástico como Warhol.

Eddie conoce "The Factory".

"Factory Girl" o "La chica de la Factoría", nos muestra el inicio, gloria y caída de una de las musas mas reconocidas del mundo Warhol. Un ícono de los 60s para muchas chicas y el deseo femenino de muchos varones. Interesa ver el lado B de Andy Warhol, como aquel artista que al parecer hacía dinero usando el talento de otros, como el de Eddie. Al menos, la película grafica eso. La escena en que Dylan acepta y va a "The Factory" para graba una pela de Warhol, es memorable. Practicamente Dylan le dice sus verdades (que a mi me cayeron antipáticas) a Warhol, quien atinó solo a callar.

En el diálogo que puse al inicio, hay cierta veracidad. Al final Warhol, hoy es conocido como un artista universal, que le dio otra perspectiva al arte. Eddie no corrió la misma suerte. Es más una artista underground, conocida por ciertos círculos, no llegando al nivel de Warhol. 

Al final de cuentas Dylan se equivocó. Hoy tanto Warhol como Dylan son artistas globales.

Los dejo con el trailer de esta interesante película:

FALLEN ANGELS (1995)

Dirigida por Wong Kar Wai.

La carrera de este director hongkonés es prolija. Cada película que hace, es una obra visual completa y roza los bordes de la perfección estética. Esta es su quinta película y es una obra de arte (para mí) completa. La cámara nos muestra el mundo del director tal y como el se lo imagina. Una fotografía impecable y una cámara que se mueve al compás de la vertiginosa vida nocturna que existe en aquel Hong Kong noventero.

Nuevamente el amor es protagonista subliminal en una historia que pareciera estar marcada más x la violencia que por algún sentimiento afectivo que predomine sobre escenas de acción y sangre.

Leon Lai, asesino a sueldo.

Lai es un asesino a sueldo. Él recibe el encargo y simplemente cumple con su chamba. Trabaja solo. Vive solo. Pareciera que solo existiera para cumplir encargos, que por lo general son los de matar personas.

Michelle es quien le da esos encargos. Ella lo contacta y se los da. El detalle es que no pueden tener contacto el uno, con el otro. Osea, ni se conocen. Aún así, Michelle siente una atracción especial por Lai. Tal vez esa curiosidad por conocer al tipo que mata gente. Tal vez sea algún tipo de placer hacía aquella violencia escondida.

Lai ya no quiere chambear de eso. Quiere dejar ese mundo y convertirse en una persona normal. Wong Kar Wai nos muestra aquel submundo en el que está atrapado Lai. Aquellas noches que recorre, plagada de peligros y un mundo salvaje que tal vez el día no se da cuenta.

Michelle Rois, socia del asesino.

La soledad de ambos mundos, el de Michelle y Lai, nos muestra el factor común entre ambos. 

Pese a esto, Lai conoce a una flaca de nombre Karen, con la cual intenta iniciar un romance o algo así. Esto acelera la desición de Lai por dejar el trabajo en el que está, lo cual no es fácil dejarlo.

Paralelamente a esto, la existencia  de un mudito llamado Takeshi, resulta colorida en la trama. El silencio producto de su mal, contrasta con el silencio que transmite la soledad de los otros protagonistas. Una soledad que explaya tristezas, frustraciones, ánimas solitarias que pareciera que han nacido en el mundo equivocado.

Buscando escapar del mundo al que han caído.

Wong Kar Wai es un poeta. Un poeta visual. Cada película nos sorprende con la precisión estética que le impregna, tanto en fotografía, montaje o vestuario. En esta película, la cámara es un factor importante. Los movimientos y el lente angular son protagonistas. La música es una socia ideal en ésta y todas sus películas.

Kar Wai es el artista visual y el director asiático más importante en estos tiempos. Y por que no..... el mejor de aquel continente. Los dejo con el trailer de esta belleza.

EL HIJO DE LA NOVIA (2001)

Dirigida por Juan Jose Campanella

Esta película argentina es una de las mejores películas que he visto en mi vida, y es que la historia, actuaciones, dirección y el fondo de la misma, son geniales e inolvidables. Siempre la recomiendo, y siempre los que siguen mi recomendación, quedan encantados con la pela de Campanella.

Empezar diciendo que fue nominada a Mejor película Extranjera en la ceremonia del Óscar de aquel año, en la cual no tuvo suerte, pero eso no importó para adquirir el gran valor que tiene hoy en la actualidad.

Norma y Nino, rumbo al altar.

La historia se centra en un solo personaje, en Rafael Belvedere (Ricardo Darín), quien tiene a su cargo un restaurant, una hija producto de la relación con su ex-mujer, una hermosa novia, un padre que fue quien fundó dicho restaurant y una madre que padece de Alzehimer y a la cual no visita hace tiempo.

El día a día de Rafael es stressante. Los problemas con el restaurant son de nunca acabar, debido a que existe el interés de compra, por parte de una cadena de restaurantes. Obvio que Rafa no se quiere desprender de una propiedad creada por sus viejos y que el piensa sacar adelante.

Pero su vida cambia cuando su viejo le manifiesta su anhelo de casarse con su madre. Ellos no lo habían hecho, debido a las creencias de Nino, quien no creía en el matrimonio, por lo cual su esposa Norma, comprendió y aceptó dicha determinación, conviviendo desde entonces.

Pelea de espadachines entre Juan Carlos - Naty
vs Rafael y su hija.

Debido al stress diario que padece, el carácter de Rafael es inestable. No trata como debe ser a su novia Naty, quien confía en que lo suyo es duradero. Rafa no sabe que curso seguir. Tener el control de un restaurant a la deriva, problemas con su ex-mujer por su hija, una madre enferma y un padre con la idea de casarse con ella, originan un cuadro de salud débil, que se ve en un ataque cardiaco que sufre mientras veía TV.

Es el primer golpe y lo último que contaré sobre la película, por si no la has visto. 

Otro personaje resaltante es el de Juan Carlos (Eduardo Blanco) amigo de la infancia de Rafael, quien regresa al barrio e intenta retomar su amistad. Que gran actor que es Blanco, y cuando se junta con Darín, hacen una pareja de polendas.

La primera escena de Eduardo Blanco en la pela.

La historia muestra a un Rafael, que solo se quiere ir a la mierda. Y también vemos el deseo de Nino, por darle la última felicidad a Norma, antes que pierda x completo la memoria, ya que tiene muy avanzada su enfermedad. La escena en que describe a Norma, cuando atendía a la clientela que iba a consumir al restaurante, es hermosísima. A uno lo contagia de tal modo, que conmueve demasiado. 

Escena inolvidable.

El amor no tiene edad y pese a enfermedad, años o realidad, el amor de Nino es invulnerable. Como él dice cuando se lo preguntan..."Hasta que la muerte los separe? - Y después de ella también".

Campanella logra así su 2da película, la cual obtiene un sinfin de premios y el máximo galardón de ser nominada al Oscar. Un relato ágil, entretenido, con escenas inolvidables, como la de Rafael en el intercomunicador, como la de la actuación de extras o Rafael hablando con su madre en el patio del Asilo en donde ella se encuentra.

Un disfrute esta película, ideal para verla en estos días tan comerciales que abundan y que en vez de ser aprovechados para tirar, deberían ser usados para admirar algo de arte.

Trailer de una de las mejores películas que he visto.

ROMPIENDO LAS OLAS (1996)

De Lars Von Trier.

Hablar de este director danés es hablar de Dogma95, una corriente alterna que buscaba independizarse de lo convencional en el cine. El danés era un renegado de convencionalismos cinematográficos, que tengan que ver con planos y dirección de cámaras. En cuanto a historias o cosas x el estilo, no eran nada del otro mundo sus propuestas. Él solo quería mostrar un cine mas real, basándose en la muestra visual. Sin que haya tanta post producción de x medio. Eso es lo que yo entiendo. Es probable que con bases más técnicas, otros expliquen mejor esta corriente escandinava que lanzó un buen ramillete de películas, que hoy son consideradas de culto.

Emily Watson, en el papel de Bess.

La historia esta ambientada en la década de los 70s, en una región escocesa caracterizada por ser ultra conservadora. Bess es una joven perteneciente a esa región, que vive enamorada de un empleado portuario (una manera sútil de llamar a un pescador) de nombre Jan.

El romance entre ellos iba bien. Pese a que su familia y su ambiente era muy conservador, Bess vivía su amor muy feliz y libremente. Cuando ya llevan buen tiempo de relación, Bess y Jan deciden casarse, y es toda una huevada... porque deben tener la aprobación de la susodicha iglesia a la que pertenece Bess (muy bien interpretada por Emily Watson).

Bess y Jan, casados.

La boda se realiza y tienen su primer encuentro sexual, en el cual ella pierde su virginidad (para que vean que tal conservadores son los de su religión). 

La pareja iba bien. Casados y felices. Él seguía cumpliendo con sus labores portuarias, en medio del mar. Un día, él sufre un accidente que lo deja paraplejico y es aquí en donde la historia comienza para Bess.

Su marido, Jan, quien siempre dependió de su fuerza y de su movilidad para salir adelante, ahora estaba postrado en una silla sin poder moverse. El temor de Jan comenzaba aparecer. No poder moverse implicaba no poder tener relaciones. Verla infeliz a ella, era su temor.

Bess cuidando a su esposo.

Lars Von Trier comienza aquí sus cuestionamientos. Comienza a lanzar alternativas en la cabeza de Jan. Opciones que no serían muy bien vistas por las amistades, familiares e iglesia de Bess. Él quería que Bess tuviera relaciones con otros, para sentir placer de lo que ella le cuente y no verla al pie de su cama...

Esto era un desafío para Bess, debido a que su iglesia jamás se lo permitiría.

Un amigo ayudándole a fumar un pucho a Jan.

El deseo de Jan era verla feliz a ella y al menos que los relatos que Bess le cuente, le generen placer. La cólera de saber que su mujer era poseída por otro, no importaba.

Notable actuación de la Watson para interpretar a una mujer sumisa x su religión, ingenua de la vida, fiel a su matrimonio y dulce como una niña. La escenas donde solo sale ella, originan este tipo de comentarios. 

Esta película es el origen de una triología llamada "Corazón de oro", que completan "Bailando en la Oscuridad" y "Los idiotas", con lo cual Lars Von Trier examina el corazón guerrero de muchas personas por salir adelante pese a las dificultades. 

"Rompiendo las olas" tiene un final inesperado. Un final que fácil no se lo esperaba cualquiera, pero que las consecuencias de lo extremo, siempre son así.

El trailer de esta joyita danesa.

SINGLES (1992)

De Cameron Crowe.

Cameron Crowe era un asiduo colaborador de la revista Rolling Stone y de otras revistas que tocan temas musicales. En su segunda película, la cual me permito escribir en esta entrada, adorna la atmósfera de Seatle (en donde ocurre la historia) con la música reinante en esos años: el grunge. Así que no es casualidad escuchar a grupos como Pearl Jam, Alice in Chains, Smashing Pumpkins, Soungarden, etc.

"Singles" trata sobre la historia de 6 jóvenes, hasta 7 diría yo ah, que tienen en común la soltería y el andar caminando al borde del amor, cosa que no lo encuentran con facilidad. No viene al caso, pero pese a que luce mas joven y menos despampanante, me enamoré de Bridget Fonda. Que sonrisa que tiene por Dios!!! (jaja).

Steve, Cliff, Janet y Andy.

La película comienza con una pendejada. Pues sí, es una pendejada la primera pequeña historia. Eso del floro de que te estas de pasada x la ciudad y te quitas en una semana (para ya no volver nunca más), es la clásica cuando quieres conseguir algo rapidito. Eso le pasa a las muy inocentes criaturas.

Son dos historias que resaltan en la película. La de Janet y Cliff, por un lado, y la de Steve y Linda. Tres de ellos viven en una especie de "residencial" (o algo así), con lo cual comparten una amistad con otros como Debbie y Andy. Pues, son jóvenes solteros, soñadores y que buscan pasar buenos ratos. Cliff es miembro de una banda de rock que busca ganar algo de notoriedad, y que cuenta en su alineación con los músicos de Pearl Jam (incluido Eddie Veder).

La banda de Cliff: Citizen Dick. Eddie Vedder como
baterista del grupo.

Es gracioso verlo a Edder actuar. Cliff es interpretado por Matt Dillon, un mártir del cine independiente, y debe ser el personaje más recordable de la cinta. Su seudo romance con Janet (Bridget Fonda) ronda lo liberal y lo onírico. Él está mas preocupado x su banda, ella por el amor de él (cosa que no existe al 100%). Cliff es un chico que no está contento con solo una chica, y se lo hace saber.... pero ella está enamorada y lo ve como el hombre perfecto, pese a que no le de mucha bola. 

Por el lado de Linda y Steve, la cosa es diferente. Linda fue la protagonista de la pequeña historia que conté más arriba. A causa de ello, vive decepcionada de los hombres y no está dispuesta a encontrar el amor (todos sabemos que ese floro no es cierto). Steve es un empleado de transportes, quien tiene una idea super novedosa de transporte, y vive para ella, hasta que conoce a Linda en un concierto grunge. El amor no surge ahí mismo, él tiene que chambear duro hasta que logra algo positivo.

Steve y Linda.

De todos modos, la cosa no es sencilla. Los miedos y paranoias de Linda cortan a cada instante la relación, dejando a Steve siempre en la depresión o en la duda de saber si puede o no confiar en que lo de ellos salga adelante.

De ahí tenemos a Debbie, que por lo que entendí de la descripción que lanzó Steve, es una flaca que le gusta probar diversas formas varoniles (osea, es una chica abierta a todos). De ahí Andy, es pura boca y fiel amigo y escudero de Steve. Todos estos personaje conforman el mundo de "Singles", que tiene como base de operaciones, la ciudad de Seatle, que por ese entonces, era la capital mundial del grunge y de la música.

Escena final en el ascensor.  ¿Estornuda?

El amor viene y va. La soltería tambalea y es rígida en ocasiones. La historia de Janet y Cliff es la más interesante, porque toy acostumbrado a ver ese tipo de relaciones, en donde los hombres son fríos, y cuando muestran cierta calidez, es el punto elevado para la felicidad de la mujer que lo quiere.

Cameron Crowe logra contar una historia entretenida, ágil y que cuenta con la aparición de varios músicos y amigos (se podría decir cameos), como la de Tim Burton como peluquero, eso fue demasiado gracioso.

Cercanos al día 14 de febrero, en donde todo es mas monótono que de costumbre, es recomendable ver este tipo de películas, porque este tipo de relaciones suelen pasar y no están adornadas con estereotipos estúpidos que siempre se ven en las mal llamada películas "románticas". 

Por qué mal llamadas? Porque los que alguna vez hayan estudiado algo de literatura universal (o hispana) sabrán que el romanticismo nació como una corriente de rebeldía a lo ya establecido, que buscaba expresiones de amor no usuales, y que iban algo más allá de lo ya acostumbrado.

Viendo las películas "románticas".... ¿Hay algo fuera de lo usual ahí?

Trailer de "Singles":