ALBERT NOBBS (2011)

Dirigida por Rodrigo García.

Las grandes actrices son las que desafían cualquier tipo de papel y se meten a interpretar personajes que requieren de un cambio físico impactante. Eso ha pasado con varias ganadoras del Oscar como Nicole Kidman, Marion Cotillard, Meryl Streep o Charlize Theron, por mencionar a algunas. Pero esto por lo general es siempre relativo, ya que por el hecho de solo transformarse el físico no amerita que la actriz se una grande en su rama. No siempre es así.

El caso es que muchas de ellas ya han sido reconocidas como buenas y deciden seguir explorando más papeles y arriesgándose a cambiar su aspecto físico, acorde a lo que pide el guión. En "Albert Noobs" es la veterana actriz Glenn Close la que realiza dicha labor.

Glenn Close dando vida a Albert Nobbs.

Es de conocimiento de muchos lo gran y respetable actriz que es, pero tenía en su cabeza ya hace varios años, llevar a la pantalla grande esta historia escrita por George Moore, en donde el personaje principal (que lleva el nombre de la película) es una mujer que se viste de hombre para poder trabajar de mozo en un prestigioso hotel y así poder ganar el dinero suficiente para subsistir. 

La transformación de Close no es tan impactante, pero sí su actuación que la ha llenado de elogios en cuanto festival se ha presentado la película, llegando al punto de ser nominada al Oscar como Mejor Actriz.

Janet McTeer ha sido nominada al Oscar por su
actuación.

No solo ella sufre esta ligera metamorfosis, también sucede lo mismo con Janet McTeer, quien interpreta al Sr. Page, un supuesto albañil (en realidad es un mil oficios) que chambea en varios oficios en el hotel, como tercero. En realidad es una mujer, quien vive hace años casado con otra mujer.

Para Noobs esta vida es un poco arriesgada, por lo cual tiene en mente dedicarse a otra cosa con la plata que lleva ahorrando hace años. Para esto debe rodearse de gente de confianza que lo ayude a sacar el negocio adelante (dedicarse a vender tábaco en una tienda especializada).

Nobbs paseando con Helen.

El soporte de la película no recae en Close como uno pudiera imaginarse. La historia parte desde el momento en que Nobbs ve que su doble vida corre el riesgo de ser descubierta e intenta ver la forma de como sustituirla.

La ambientación y vestuario son ejemplares, así como la labor de otros actores como Aaron Jonshon (quien la hace de antagónico) y Mia Wasikowska, quienes componen un reparto que entremezcla actores jóvenes con otros de gran recorrido.

La labor de Glenn Close es destacable y admirable. Me gustó la forma como llevó su personaje, pero no me agradó mucho el final. Quedaron ciertos cabos sueltos que el director no supo cerrar. Esto no complicó en nada la apreciación hacia la labor de Close, quien me parece ha sido justamente nominada al Oscar. No creo que se lo lleve, pero su actuación es digna de elogiar.

Puntaje: 7 puntos.

INLAND EMPIRE (2006)

Dirigida por David Lynch.

Una película de poco más de 3 horas dirigida por David Lynch merece una preocupación masiva. Y no es porque estemos ante algo malo o un bodrio de aquellos que siempre tiene la cartelera limeña, sino que puede que se presencie una historia compleja, que deje mal a más de uno o que logré espantar a los espectadores de sus butacas (retirándose de éstas).

"Inland Empire" es una experimentación de David Lynch, ya que utiliza el formato digital para presentarnos una historia que podía dividirse en sueños y no escenas.

Nikki y su conjunto.

El enredo en que nos mete Lynch es casi incoherente. Carece de guión y los actores simplemente son guiados por el director, quien les dice que deben hacer y que deben improvisar para que salga cada escena, sin libreto que aprender, sin diálogo que seguir.
Estamos ante un juego de imágenes que no sabemos si son reales o pertenecen a algún sueño. Ante personajes que podrían verse como reales y ante otros que quizá sean surrealistas, entremezclándose unos a otros en varios pasajes de la película. Lynch no sigue una línea coherente, con lo cual marea a aquel que intente entender la historia. Por ahí que sigue algún tipo de conexión entre situaciones, pero no es lo más lógica al momento de intentar comprenderla.

El surrealismo

Entonces ¿por qué mirar "Inland Empire"? Porque como experimentación que es, merece nuestra atención y posterior crítica (ya sea positiva o negativa). Es cierto que no es la mejor película del genio director, pero cuando intentas experimentar con algo, no necesariamente te saldrá una maravilla. En este caso Lynch se pasó para el lado del formato digital (cosa que si le salió bien), con una historia bastante surrealista y llena de escenas que dejarán a mas de uno con un forado en el cerebro, por lo terriblemente complejas que son y lo altamente espanta espectadores que pueden ser....

Escena de "Los Rabbits".

La trama comienza con un juego de escenas que enredad la comprensión, pero que esconden un simbolismo que pocos saben apreciar.
Se estabiliza con la aparición de Nikki, una chica la cual se prepara para una película en la cual será la protagonista, pero que tiene el escollo de tener que convencer a todos que es la indicada para dicho papel.
Vemos aparecer personajes sacados de un sueño, así como escenas que se pintan en el lenguaje del surrealismo, como queriendo ahuyentar en algo a lo poco de congruencia que existe entre escena y escena.
Lynch juega con nuestros sentidos mostrándonos un mundo aparentemente real, pero que abunda dentro del onirismo, uno del que pareciera no se tiene salida y que las simbólicas imágenes que muestra, aturden y hacen demasiado largas las tres horas de duración


Esta vez Lynch si que me quemó el cerebro.




Puntaje: 6. 5 puntos.

LA BELLE PERSONNE (2008)

Dirigida por Christophe Honoré.

Nuevamente una película francesa. De nuevo una historia no tan convencional de contar pero que a su vez es tan normal y común en Europa. De nuevo una historia de jóvenes que ya experimentan cosas de adultos y se sienten aprisionados en este nuevo mundo.

Pese a que la historia esta basada en un libro (publicado en otra época), el director se las ingenia para trasladar la trama al París de hoy, con los pensamientos de hoy y las acciones que cualquier joven francés por lo general toma.

Junie

Junie es una chica de 16 años que decide cambiarse de escuela, luego de la muerte de su madre. Su nuevo lugar de estudio es el mismo que el de su primo, quien en el primer día de clase decide presentarle a sus amigos. La belleza de Junie es percibida por todos, generando que cada uno de ellos intente concretar una salida (cita) con la nueva chica de la escuela.

Junie, para sorpresa de todos, decide salir con el más callado y abobado de la clase, Otto, quien la hace su enamorada.

La manera tan rápida como suceden los hechos nos demuestra la forma como suceden las relaciones de pareja (ya sea la sexualidad que sea) entre los jóvenes franceses y en general en toda Europa, ya que se ve que todo es muy apresurado. No hay un tiempo de conocerse, ni mucho menos de entablar una amistad. Todo fluye acorde a los gustos recíprocos entre dos personas.

Junie y Otto.

La relación entre Junie y Otto sería perfecta, si no fuera por el hecho mismo que nació de manera acelerada. Esto quiere decir que una de las partes es probable que no esté tan segura de lo que ha hecho.

Aquí surge la figura de Nemours, profesor de matemática de la escuela, un maestro joven y buen mozo que atrae la atención de Junie enseguida, convirtiéndose así en el gran amor de ella.

La historia muestra este tipo de amor como algo prohibido, ya sea por el cargo que tiene Nemours, por la diferencia de edad entre ambos y por el hecho de tanto uno como el otro.... tienen pareja.

El profesor Nemours.

Poco a poco la película va mostrando cosas que en primera instancia fueron ocultadas. La percepción que tiene uno de Junie es de una chiquilla medio timida y reservada. Transcurren los hechos, defórmandose (no para mal) aquella primera impresión.

Y es que la vida te va haciendo cambiar de actitud ante cada nueva experiencia que va apareciendo en el camino. Uno no puede ser siempre la misma persona ingenua e inocente que fue en una edad, tiene que amoldarse a los nuevos caminos que la edad, valga la redundancia, va poniendo como reto.

La ilusión aparece como un arma de doble filo ya que la pequeña Junie se negará a luchar por lo que mas quiere, huyendo por completo de su destino. Se nota aquí la diferencia de mentalidad de una persona mayor, con una adolescente. 

Una película que no muestra mucho para el análisis, pero que cuando finaliza..... te deja esa estela de querer conversar sobre ciertos aspectos y ciertas expresiones que nos muestra la juventud acá. No creo que haya una gran diferencia entre la europea y la que abunda por estos lares, pero quizá en el fondo de ambas realidades, exista un gran parecido.

Puntaje: 6.5 puntos.

BEGINNERS (2011)

Dirigida por Mike Mills.

Qué es el amor? Es simplemente una etiqueta para dar a entender lo que es la felicidad?  En verdad existe un parametro para conocer al amor tal como la sociedad lo pinta? En verdad son románticos aquellos que solo hacen y poco arriesgan?

Lo agradable de "Beginners" es ver una historia tan pero tan diferente que pese a tener ese aroma de rara, uno la podría tranquilamente ver en el vecino de al lado, en el amigo, en el amigo del amigo o en uno mismo.

Anna y Oliver experimentando felicidad.

El mejor modelo que uno puede seguir para aprender del amor, es el amor que vio de sus padres. Que mejor maestro o aprendizaje que el que vio en ellos, para intentar entender y comprender lo que significa el amor entre dos personas.

Oliver lo creyó así, hasta que luego de la muerte de su madre, su padre de 75 años le confesó que toda su vida fue gay. Y la yapa del asunto, tiene una enfermedad terminal, con lo cual le queda poco tiempo de vida. Experiencia no grata que vivió Oliver, ya que la historia está ambientada más que nada en el presente, en donde su padre ya falleció y él conoce a Anna, una francesa irreverente, impredecible y hermosa, de la cual se enamora perdidamente por esas mismas cualidades.

Hal y un modelo a seguir para ser feliz.

Pese a la felicidad que abunda en su presente, los 38 años acuestas de Oliver no le sirven como experiencia para saber afrontar esta relación. El recuerdo de su fallecido padre está más presente que nunca durante toda la historia e intenta siquiera llevar a cabo algún tipo de enseñanza que éste le dejó como legado.

Todo aquello que conoció de él, que recuerda de su madre, los momentos más tristes y más graciosos afloran en su mente, usándolos para intentar amar a Anna.

La película es hermosa. El ritmo que le pone Mills es preciso. La forma como explora una relación de amor envuelta en una capa de inseguridad y bastantes dudas. El recuerdo del padre es como el aliento que uno necesita cuando sabe que las cosas no van nada bien y necesita del apoyo de alguien que le ayude a seguir el camino adecuado. Que lo empuje a hacer lo correcto.

Padre e hijo unidos 

Para Oliver su viejo lo fue todo. Pese a la confesión de su homosexualidad (y al engaño que esto conlleva, ya que estuvo casado con su mamá sabiendo que era gay), no importó demasiado para que él apreciara la forma de como veía la vida su viejo.

Hasta los últimos instantes, Hal fue un hombre que vivió con buen humor y una gran valentía, características que le sirvieron a Oliver para afrontar con mucho esfuerzo este nuevo reto en su vida.

La verdad que me gustó mucho la película, por la forma tan sincera como se transmite el mensaje de la misma. Creo que el director hizo una buena labor, sobretodo en la manera como iba contando cada momento, cada recuerdo, cada sensación y la manera de articular el pasado con el presente.

Te da una muestra de las diferentes formas de amar que no son tan convencionales y tan usadas en las películas que suelen llamarse "románticas". Y es que el romántico de estos tiempos, solo tiene el apelativo más no el concepto en sus actos y sensaciones.

La forma como vivió sus últimos días Hal, es la muestra clara de la felicidad.

Pd.- Se merece el Oscar a mejor actor de reparto Christopher Plummer, señor actor. De pie deberán aplaudirlo todos.

Puntaje: 8 puntos.

THE DESCENDANTS (2011)

Dirigida por Alexander Payne.

No se necesita tener un gran cartel de actores o un presupuesto enorme y grandes efectos visuales para lograr crear una joya cinematográfica. Se necesita una buena historia (que llene en todo sentido), una buena dirección y un buen trabajo con los actores del reparto. Así es como películas que no son tan llamativas, con el tiempo se transforman en pequeñas joyas de culto, que son admiradas por las tantas emociones que transmiten y la gran calidad del producto en sí.

Alexander Payne ya nos tiene acostumbrados a que películas de tendencia "indie", se transformen en pequeñas joyas, admiradas por público y crítica, que lucen una belleza poco descriptible pero que emociona demasiado desde el primer minuto de metraje.

Matt y su hija Alex.

Varias cosas por destacar: la escena del inicio y la del final son perfectas. Jamás vi dos escenas que comunicarán tanto y que sean usadas en dos momentos que se supone son claves. En el inicia se nos muestra una escena de un solo plano y ligeramente corta, que de por sí narra todo lo que va a ocurrir a partir del hecho. Ya para el final, ese plano fijo, nos concluye tantas cosas, que no es necesario que te pongan las clásicas letras de lo que pasó "luego de..." (cuando te cuentan el final de cada personaje de la película). 

La actuación de George Clooney es monumental. Sabe como cambiar de roles. Puede ser un personaje cómico (en esta historia es un humor ácido), pasando a un padre enérgico y luego a un marido que pese a todo, se puede emocionar por el hecho de perder a su compañera de años.

Matt y sus hijas caminando por alguna
playa de Hawai.

Matt King es un hombre de negocios de Hawai. Todo iba bien hasta que su esposa cae en un coma letal, lo cual provoca que se apegue más a sus dos hijas, Alex y Scotty, quienes son realmente difíciles de domar.

Matt poco a poco se va a acostumbrado a su nueva vida: cuidar a su esposa, cuidar a sus hijas y velar por sus negocios; hasta que descubre una verdad oculta de su esposa, que le hará cambiar por completo la percepción que tenía sobre ella y sobre la vida.

Payne nuevamente nos pone ante una historia que podría ocurrir en cualquier familia del mundo, pero que la ambienta fiel a su estilo de humor medio ácido, satirizando demasiado el estilo social de la familia norteamericana.

Matt y sus dos hijas: Alex y Scotty.

"The Descendants" está nominada a varios premios de la Academia (película, actor, director, guión) y hasta el momento es de las que más me ha agradado, junto a "El árbol de la vida" y "Medianoche en París". Me logró pegar la emoción que la historia intenta transmitir y ver como Clooney puede interpretar el personaje de un hombre normal, un hombre común y corriente. Que llora y ríe. Que es traicionado y que tiene ciertos principios.

La familia como protagonista invisible en la película, es la que intenta ante todo problema y frustración, salir adelante y seguir sonriendo y viviendo pese a todo.

No sé si ganará algún premio esta película de Payne, pero de hecho que el tiempo la sabrá conservar como una joya del cine independiente.

Mis respetos para George Clooney.

STARDUST MEMORIES (1980)

Dirigida por Woody Allen.

Luego de obras maestras como "Manhattan" o "Annie Hall", el genial Woody Allen se dedicó un poco a hacer películas que vayan de acuerdo a sus gustos e influencias. Dejó por completo el lado humorístico que caracterizo el cine de sus primeros años e intento no ser tan masivo, explorando terrenos que le habían sido ajenos hasta ese entonces, pero que en realidad eran caminos con los cuales creció, ya que siempre dijo que de niño gustó del cine europeo. "Interiores" había sido una muestra palpable de que Allen quería cambiar de aires y hacer un cine algo más de autor, pegado a ciertos rasgos europeos.

Sandy perdiendo la paciencia.

"Recuerdos" (como se le llamó en castellano a esta película) tiene tanto que beber de la influencia de Fellini en Woody, que sería mentira decir que es una historia sacada netamente de la cabeza del director neoyorquino.
Con esto no le quiero quitar mérito al director, ya que es normal (y bueno) que los discípulos de alguna manera u otra rindan tributo a sus maestros, en esta ocasión utilizando ciertas semejanzas con "Ocho y medio", obra de culto del director italiano Federico Fellini. Pero más allá de que la historia tenga algo que ver o no con dicha película, lo que más me agradó de la película fue la manera como Woody  gráfica una especie de autobiografía, en donde él es el foco de atracción.

La bella Daysi.

Allen pone sobre el tapete la manera como un cineasta está ya cansado de hacer películas cómica, así que intenta tomar otro camino, lo cual es impedido por los productores quienes en un afán desesperado por seguir con un cine comercial, deciden cortar el final de la última pelicula de dicho director.
Sandy Bates (el director) aparte de tener conflictos en su vida profesional, también las tiene en el amor. Perturbado por las mujeres que tiene a su lado y a las que conoce de manera inesperada, intenta dar un giro en su vida para poder así evitar la depresión y poder seguir adelante.

Sandy y su mundo: el cine.

Tal vez sea esta la película que describe realmente al realizador neoyorquino, ya que nos muestra sus obsesiones, sus inquietudes, sus miedos, sus anhelos y sus más escondidos secretos, que pueden que sean ciertos o no (total, estamos ante una ficción después de todo), pero se nota ese tufillo de crítica hacía sus espectadores y a la industria del cine en sí, ya que se nota cierto mensaje contestatario durante gran parte de la película.
El cine de Woody Allen cambió radicalmente desde "Annie Hall", siendo "Interiores" el punto de partida para saber que el giro radical ya había sido establecido. 
Yo, como tantos otros, veo a "Stardust Memories" como el gran homenaje de Allen hacía un cine que le ayudó mucho en su carrera. La escena de su personaje saliendo de la sala de cine, aplaudido por el público, es una muestra de como él observa todo desde su interior.


Puntaje: 6.5 puntos.

UNA HORA MÁS EN CANARIAS (2010)

Dirigida por David Serrano.

Alguien la vio?  
Yo me pregunto, por qué la vi? Tal vez porque actuaban Juana Acosta, Angie Cepeda y Eduardo Blanco.....porque no me explico otra razón. Aparte que la sinopsis no me vendía una historia interesante. Pero cuando uno ve el trailer de esta película española, te da curiosidad de verla, más aún si en el extracto de una escena hacen mención al Perú, cuando una flaca amenaza a la otra con un cuchillo diciéndole: "Te rajo esa cara de travesti peruano que tienes", que tal manera de etiquetar la cara de una mujer, no?

Ciertas escenas eran musicales.

La historia es algo enredada, ya que el conflicto sucede entre tres personas, aparentemente, pero luego se va tornando un poco más extensivo, llegando al punto de ver a una cuarta persona más metida en el lío amoroso que cuenta la historia.
Pablo está cansado de ser el amante de Claudia (A. Cepeda), así que corta por lo sano y decide tener una novia formal y seria, como cualquier persona común y corriente.
Lo raro es que esto le jode demasiado a Claudia, que no se come la idea de que su querido amante tenga a otra, pese a que ella es casada y tiene la familia ideal. Decide tomar cartas en el asunto con la ayuda de su hermana Mónica (Juana Acosta).

El recelo de la madre de Pablo hacía Claudia.

La novia de Pablo, llamada Elena, es algo especial. Cuando siente que terceras personas se entrometen e intentan robarle al novio, o merodearlo por ahí, se vuelve loca y es capaz de hacer de todo con tal de sacarse del camino a dicha persona.
Su paranoia es total, transformando su apariencia tranquila y angelical, en demoníaca y con personalidad asesina, tanto así que sabe esconder bien este tipo de reacciones, ya que su novio no se da cuenta.
Entonces Claudia las tiene difíciles, ya que tendrá que lidiar con una loca para poder acercarse a su amante e intentar hacerlo cambiar de parecer. La idea de ella y su hermana es llevarlo lejos de la novia, a un lugar más lejos e intentar volver a seducirlo, cosa que se tornará difícil por la conducta enfermiza de la novia.

Hasta la hermana de Claudia llega a tener
cierta relación con Pablito..

Claudia hará de todo para recuperar a Pablo, inventándose cada cosa......
La historia tiene algo de musical en ciertas escenas, así como también cierta comedia que no me terminó por convencer del todo, pese a contar con actrices y actores que podrían haber hecho un mejor trabajo. En suma, una película con obvios aires para llenar las salas y recoger la mayor cantidad de taquilla que se pueda, sin importarle mucho lo desordenado de la trama y simple desenlace que se vio al final. 
No valió en casi nada el aporte de un gran actor como Eduardo Blanco, quien luce fuera de lugar y con una actuación demasiado forzada. Su aparición es casi trivial, ya que no le aporta nada a la trama (me pareció que lo pusieron de manera forzada).


"Una hora más en  Canarias" debió durar una hora.... o hasta menos.

MERMAIDS (1990)

Dirigida por Richard Benjamin.

En verdad nunca sabré porque vi esta película. Debe ser porque me gusta mucho Winona Ryder que quise ver varias de sus películas o porque por ahí leí que esta cinta fue una de las mejores en su año, pese a no tener ningún galardón o premio en festivales que la avale como tal (como tantas otras obras de culto). La historia tampoco parecía llamarme tanto la atención, ya que no era algo fuera de lo convencional. Pensé que sería uno de esos dramas que siempre abundan en el cine, pero al chequear bien la cinta y pegarme por unos instantes con la buena actuación de Cher, entendí que tuve mucha suerte de toparme con "Mermaids".

Kate, Rachel, Lou y Charlotte.

No la quiero llenar de loas ni subirla al rubro de obras de culto. No es mi intención tampoco sobrevalorarla ni recomendarla a gritos. Pienso que "Mermaids" es una cinta correcta dirigida por un director que no es tan conocido ni tienes películas reconocidas en su filmografía.

Tiene que haber tenido la suerte de haberse topado con esta historia y de elegir a los actores correctos.

"Mermaids" es un drama familiar de mujeres, ya que los personajes protagónicos son de mujeres...... salvo el de Lou, quien viene a ser el novio de Rachel Flax (Cher), la madre de dos hijas, una de ellas es Charlotte (Winona Ryder) quien es una chica adolescente que recién comienza a descubrir el mundo.

La armonía entre la madre y sus dos hijas.

La relación entre la madre y las hijas es armoniosa y tranquila, hasta que poco a poco la edad va jugando un papel importante en la vida de Charlotte, quien con el descubrimiento del amor y otras cosas (sentimientos) referidos a éste, va a alejándose de lo maternal y el apego hacia su familia. Digamos que su madre tan señora no es y aun tiene su jale, sin menospreciar su atractivo. Esto origina en la su hija mayor una especie de celo y envidia que se pondrá de manifiesto poco a poco....

Las dos hijas tendrán que aprender a vivir.

No quiero olvidarme de la pequeña Kate (Christina Ricci en su primer papel en el cine) quien es la ternura de la familia y una de las principales protagonistas del final de ésta.
"Mermaids" es la visión sobre una familia plagada de mujeres y la manera como afrontan la vida y sus diversos obstáculos (amor, desilusión, engaños, temor, sexo). No fue la gran película que uno esperaría, pero sí de aquellas que al menos te hacen pensar que estos dramas familiares son buenos para pasar una tarde viendo buenas películas.


Puntaje: 6 puntos.

EL LABERINTO DEL FAUNO (2006)

Dirigida por Guillermo del Toro.

La fantasía, el temor, la ilusión. El mundo creado por Del Toro para narrar una historia que podría ser tomada como fantasiosas, pero en el mundo de los niños, la fantasía es menos ficticia de lo que creemos. Y es que los niños viven un mundo aparte, en donde lo utópico es lo real y la ficción es el mundo en el que habitan. Así podría encasillarse a "El laberinto del Fauno", una película que consolidó al mexicano Guillermo del Toro como uno de los mejores cineastas latinos de nuestra época, que usando mucha imaginación ha logrado crear películas y personajes inolvidables.

Ofelia con Mercedes, quien será una de las que
cuiden de la niña.

La película esta ambientada en España de fines de la guerra civil que afrontó en los años 40s. Ofelia es una niña que con su madre viajan rumbo a una especie de campamento franquista en donde se encuentra Vidal, marido de la madre de Ofelia, la cual se encuentra en un avanzado estado de gestación.

En este ambiente de guerra, torturas y malicia, la niña descubre un laberinto en el molino en donde se encuentran viviendo. En estas especies de ruinas, conoce al fauno quien le develará un secreto: ella no es una niña cualquiera, es una joven princesa, la cual tiene que pasar tres retos para así poder regresar a su reinado.

Es así como la fantasía y la magia chocan de manera bruta con la realidad que vive la pequeña Ofelia: la cruel guerra civil española.

Ofelia haciendo contacto con el Fauno.

El personaje de Vidal, un capitán franquista, es déspota e insensible. No escatima en usar una variedad de torturas a prisioneros republicanos, para así poder acabar con la resistencia que se encuentra en el lugar. Esta maldad pura contrasta con el mundo que crea Ofelia cada vez que llega la noche.

Vemos como la niñez puede llegar a ser tan ilusa con el hecho de no sentir una guerra y solo imaginar personajes surrealistas y mundos quiméricos.

La verdad que a mi me sorprendió demasiado cuando la vi porque no podía creer que se trataba de una película latinoamericana (con cierto capital español obviamente).

Uno de los tantos personajes creados por Del Toro.

"El laberinto del Fauno" confirma el buen momento que atravesaba Guillermo del Toro, quien con su película obtuvo varios premios en Festivales, incluso con la mención de ser nominado a los Premios Oscar.

Si te gusta ese tipo de historias sobre el mundo imaginario que un niño puede crear en su mente, no te decepcionará la película, ya que tiene un poco de cada cosa (incluso de suspenso).

Puntaje: 7 puntos.

THE ARTIST (2011)

Dirigida por Michel Hazanavicius.

Es raro películas en blanco y negro en esta época, muchos menos presenciar películas con ausencia sonora. Esto nos remonta a inicios del siglo XX, cuando el cine se valía solo de imágenes y un piano que acompañaba a un costado de la pantalla, en las salas de cine. Pero así como el mundo fue presenciando la aparición de revoluciones tecnológicas, el cine también ha sufrido diversas transformaciones, que en el día de hoy se pueden observar en aquellas películas en formato 3D o en calidad Blue-Ray. 

Pese a todo eso, "The Artist" es un tributo al cine como arte y expresión. A aquel que cine de los inicios y de la época dorada. Respetan absolutamente todo (salvo algún que otro movimiento de cámara), desde el maquillaje de la época hasta la manera en como se actuaba en aquellas épocas.

George Valentin firmando contrato con Kinograph.

Pese a todo ese tributo que es la película, un homenaje al cine como tal y a aquella dorada época, la trama de "The Artist" no me cautivó mucho. Si la historia no tuviera esa particularidad de ser muda y a blanco/negro, me parecería una más del montón. Lo que si es destacable son las actuaciones y la manera como me creí el verso de que pareciera una cinta de principios del siglo pasado.

Los decorados y vestuarios son correctos, al igual que las costumbres de la época (he visto tantas pelas de Chaplin, que puedo aseverar que "The Artist" parece filmada en los 20s). Eso sí, vuelvo a recalcar, salvo alguno que otro movimiento de cámara, la película sigue los canones de filmación de la época.

Pieza de baile memorable entre George y Peppy.

"The Artist" me hace recordar en algo a "Candilejas" de Chaplin. Tiene ese tufillo de nostalgia hacía un cine que parece desaparecer (el mudo) y verse aplastado por el futuro, representado por cine sonoro. George Valentin es uno de los mas reconocidos actores de cine mudo, quien es una estrella de Hollywood y goza de la popularidad que el cine le ha dado.

A la salida del estreno de una de sus películas, en medio de toda la fanaticada que lo esperaba afuera, una desafortunada chica se cae, tropezando con Valentin. Ante el asombro del actor y de los fotógrafos, éste solo atina a sonreír, desatándose la curiosidad de la prensa por conocer la identidad de esta chica misteriosa.

Esta chica se llama Peppy Miller y asiste a un casting al día siguiente, en donde se encuentra de nuevo con Valentin quien le confiesa que tiene mucho talento para ser una gran actriz.

Peppy siendo reconocida en la calle.

Poco a poco ella va ganando notoriedad en el cine (de menos a más), mientras que la estrella de Valentin comienza a apagarse, debido al auge del cine sonoro y desaparición del cine mudo, ya que como dicen los productores, el futuro del cine es el sonido.

Es así como mientras unos suben, otros bajan. La admiración de Peppy hacía Valentin es incondicional, llegando incluso a lo sentimental..... cosa que la película narrará poco a poco, mientras vemos como cada uno va atravesando diversos momentos en su vida.

"The Artist" está ambientada entre los años 1927 y 1932, mostrando ciertas características de la época (como la "Gran Depresión" de fines de los 20´s en Estados Unidos).

No me pareció tan buena o tan imponente la película, pero me imagino que la gente de la Academia va a valorar en demasía la originalidad del director francés de hacer una película muda y en blanco/negro en tiempos donde el 3D y los efectos especiales reinan.

Sería como un homenaje al cine madre. A aquel que sirvió de base para lo de ahora. Pero premiarían más que nada a una forma y no a un fondo.

Igual "The Artist" es una belleza casi física. Solo eso.

Puntaje: 8 puntos.