MELANCHOLIA (2011)

Dirigida por Lars Von Trier.

Hay que tener los sentidos siempre despiertos cuando se trata de mirar una película de Von Trier, porque lo que siempre plasma en sus obras es un conjunto de metáforas visuales y cosas que parecen no tener sentido, pero que en el trasfondo, guarda una simbología especial que intenta comunicar siempre algún miedo recurrente que éste tiene en su vida. Y digamos que "Melancolía" se presta como un tributo al fin del mundo, visto de una manera muy personal por parte del director danés, quien no intenta ser obvio ni basarse en aquel cine que tanto odia (al cual siempre combatió) y aún sigue teniendo guiños de alguna que otra norma de "Dogma95".

Justine en el fin de todo.

La actuación de Kirsten Dunst es genial. Esto obedece a que estuvo en las manos de un director como Von Trier que no se da maña de elegir actrices o actores así nomás por elegir, sino porque ve en ellos un arma que les puede servir y los explota de la mejor forma para lograr de ellos su mejor perfomance. Esto sucede con Dunst en la película, quien interpreta a una de las hermanas protagonistas de la historia, que son la base central de lo que pretende comunicar el danés. Justine es una chica triste, pesimista, que pese a estar en el día de su matrimonio, lo ve todo como que trágico y sin una sonrisa al final del camino. Von Trier relata su visión del fin del mundo, graficado en un planeta llamado "Melancolía" que se acerca peligrosamente a la Tierra.

La felicidad de una boda - la tristeza no
aparente de Justine.

El nombre del planeta tiene mucho que ver con la tristeza y/o depresión del director, de quien ya es conocida esta faceta desde su infancia. Un planeta que va contagiando de a pocos a las hermanas Justine y Claire, quienes viven este final de una manera distinta, la una de la otra. Justine es más apegada a la devastación interna, en cambio Claire acepta lo que viene con serenidad y paciencia, sin sucumbir ante la depresión que significa perder la vida.

La historia inicia justamente con el final del mundo, representado de una manera muy poética, en donde se ven escenas en cámara lenta que muestran como poco a poco la vida se va apagando. Esto me hizo recordar mucho al inicio de "AntiCristo", la anterior obra del director danés, quien también puso escenas que describían en parte el origen de la trama, antes de aparezca el título de la película.

Observando el planeta que de a pocos devora
el suyo.

La película inicia girando alrededor de la boda de Justine. La felicidad que se supone trae una boca contrasta con el interior de Justine, quien ve todo de manera triste, de manera muy exagerada. Los esfuerzos de su hermana y marido porque ella sea feliz en ese día, son en vano. Solo se ve a una Justine deambulando entre la alegría pasajera y la tristeza, como el planeta que se asoma y se aleja, que se agranda y se achata.

De a pocos vemos como es la personalidad de ella, para seguir en el otro capítulo a Claire, quien es más centrada y permisiva pero que de a pocos cae en un abismo de dudas y desilusiones, porque el destino es irremediable y debe comprender que el fin del mundo es lo único que cuenta.

Una película que tuvo muchos elogios en Cannes y en cuanto festival se presentó, pero que lamentablemente aún no ha llegado a Lima y es duda de que llegue. De todas maneras, nunca está demás ver una película de este gran director danés, uno de los más importantes de estos últimos tiempos a nivel mundial.

Puntaje: 8 puntos.

MANHATTAN (1979)

Dirigida por Woody Allen.

La obra maestra por excelencia del director neoyorkino. Si con "Annie Hall" dejó  por sentado que su etapa de creador de comedias de gags había finalizado, dando un salto hacía un cine más ingenioso y con tramas más elaboradas (sin dejar de lado el humor), con "Manhattan" inscribe su nombre en el sitial de los directores de culto del siglo XX y de la actualidad. Y es que Woody perfecciona su guión y su manera de dirigir, para enseñarnos una película que ya es considerada un clásico del cine moderno, en donde las relaciones de pareja son la verdadera protagonista no de esta cinta, sino de las cintas que vendrían después.

Ambos personajes mirando el puente,
en una escena que retrata lo hermoso que puede ser
New York.

Siempre apegado a un relato que pareciera que nos narra algo sobre la vida del mismo Allen, ya que en esta ocasión, se nos cuenta sobre un escritor de gags para televisión, Isaac Davis, quien afrontar una terrible confrontación con su ex pareja, quien esta a portas de sacar un libro contando las intimidades que tuvieron en su pasada relación.

Isaac, cuarentón él, sale con una muchachita mucho menor que él (tiene 18 años), pero se enamora de la amante de su mejor amigo Yale. Osea, tiene conflictos por todos lados.

Lo gracioso es ver como Allen nos muestra cada uno de estos conflictos, sin poner trabas ni cosas superflas que dañen la coherencia de la historia.

La bella fotografía y el espléndido blanco y negro utilizado en la película, resalta la belleza de Nueva York, con lo que Allen le rinde tributo a la ciudad que lo vio nacer.

Isaac discutiendo con su ex.

La mirada sarcástica que tiene Woody para analizar las relaciones de pareja, es única. Su personaje es él mismo, criticando a todo el mundo y analizando siempre, con una visión psicológica y filosófica, al mundo sentimental que lo rodea. 

El tener una ex, quien vive con una lesbiana, a portas de sacar un libro en donde detalla su vida sexual, es por un lado gracioso y por otro.......como que medio irónico. Allen remeda en muchos aspectos su "yo", ventila en algo su vida sentimental y personal, sin regalar mucha evidencia y destaparse de manera tan salvaje. Es por eso que la película funciona bien. Un ritmo casi que va de pareja en pareja, en donde el personaje de Allen es que el mueve todos los cambios emocionales de una y otra. Su enamorada, una chiquilla de 17 años jajaja, es tan distinta a él, que casi parece una hija.... por la manera como él le enseña sobre cultura, sobre gustos, sobre la vida en sí. Creo que esto demuestra muchas veces la verdadera psicología de una pareja, cuando te encuentras con alguien a quien terminas tratándola como una hija y no como una novia.

Dos parejas que ni saben lo que esconden una
de otra.

La obra cumbre de Woody Allen es ésta. "Manhattan" divide en dos la filmografía del genial director neyorquino, ya que dejó de lado, al fin, el humor de gags por un cine más acorde a lo que piensa y siente. No digo que haya estado mal que incursione en el género comedia, pero le sienta mejor este tipo de historias, llenas de sarcasmo y drama, en donde cuenta de manera creíble, historias que uno mismo puede vivir a lo largo de su vida. 
Vendrían películas que también serían comedia, pero usando un humor más adulto y sin aquella gracia de los primeros años. 
Con "Manhattan" se supo que Woody Allen era /y es/ uno de los mejores y grandes directores de estos tiempos.


Puntaje: 10 puntos.

THE WRESTLER (2008)

Dirigida por Darren Aronofsky.

Escribir sobre una película dirigida por Aronofsky es ligeramente complicado. Y es que a veces se debe dejar de lado ciertas preferencias y realizar comentarios un poco más objetivos, dejando de lado otroras cintas hechas por el director y que ahora están en el pedestal de clásicos modernos. "The Wrestler" nos deja varias cosas, la principal de ellas es el regreso triunfal a la pantalla grande de Mickey Rourke, quien logró varios premios con su actuación y una nominación al Oscar como mejor actor (premio que se llevó al final Sean Penn).

Mickey Rourke interpreta un rol que le
cayó a pelo

La película es casi biográfica. Pareciera que el papel le cayó como anillo al dedo a Rourke, ya que nos relata la historia de un hombre que estuvo en la cúspide de la fama y la gloria, cuando era joven, y que lo perdió todo conforme iban pasando los años y su nombre quedaba en el olvido.

Intenta recuperar ese sitial, pese a que los años ya le pasan factura con lesiones corporales y una ya evidente vejez para el espectáculo que ofrece.

La cámara lo sigue a todos lados. Es muy personalista. Muy subjetiva. Vemos a Randy viviendo el día a día en entrenamientos, en la lucha por recuperar a su hija, en los problemas que tiene para pagar el alquiler de su vivienda, el olvido de su nombre en los aficionados de la lucha libre y el deterioro de su salud.

Marissa Tomei, más guapa que nunca.

A pesar de todo, aún existe algo de luz en su vida que pueda alimentar la creencia de que las sonrisas pueden aparecer pese a todo. La principal culpable de esto es Cassidy, una bailarina de night club, a la que siempre acude para conversar y pasar momentos agradables. La relación entre ambos es casi de trabajo, hasta que él decide trasladar su "amistad" a la vida fuera del recinto de trabajo de ella.

Ahí lo vemos como una persona natural que intenta recuperar algo de felicidad en su vida. Ella también tiene sus propios problemas (criar un hijo y trabajar de bailarina) y no desea otra cosa más que hacer feliz a su hijo.

Randy afronta problemas de salud muy graves. Debido a que se mete esteroides (para seguir con el físico adecuado para las peleas) a descuidado su corazón y debe retirarse de este tipo de luchas, por recomendación médica, sino le podría pasar algo grave, como la muerte.

Que le quiten el único pulmón de vida que tiene, la depresión y la pregunta de "qué hacer de mi vida?" surge en la mente de Randy. 

Randy y la lucha por recuperar el amor
de su hija Stephanie.

Al saber que ya las peleas no serán eternas y que su vida tarde o temprano hará un giro radical, decide recuperar lo suyo. 

Su hija Stephanie vive apartada de él. No existe una relación afectiva entre ellos. Randy entonces inicia un desaforado intento por recuperar lo que ama, para así darse fuerza y seguir mirando a la vida con optimismo.

Una historia casi de supervivencia. Un luchador que combate a la vida, que no quiere quedar relegado ni ser simplemente un ser que deambula sin destino en la vida.

Las sonrisas no parecen llegar, pero él las busca y las persigue, ya sea con su hija o con Cassidy. Igual, a pesar de que la lucha le es lejana, decide darse un gusto y organizar un retorno a lo grande....

Aronofsky lo plantea bien. Nos pone en el pellejo no de un luchador, sino de un ser humano casi acabado. Muerto internamente y preso del olvido. Dependió toda su vida de la fama y la gloria, que le dio éxito y dinero, pero no amor y sonrisas eternas. 

Perdió lo material y se mira frente a un espejo y no ve nada. Ahí es donde comienza la verdadera vida del luchador. Luchar contra lo que siempre se negó a ver.

Puntaje: 8 puntos

THOR (2011)

Dirigida por Kenneth Bramagh.

Thor debe ser de los super héroes menos recordables. Lo veo así porque no hubo tanto boom en su estreno (como en otras cintas de este tipo de super héroes), pero eso no le restó mérito a la cinta en sí. Y es que para este tipo de películas no necesitas un análisis muy profundo o esperar algo artístico, tan solo que no defraude en entretenimiento y que al menos, siga un poco a la historia del comic, que es de donde proviene.

Thor

Partiendo de esto, puedo decir que me gustó mucho "Thor", y que pese a que no haya contado con un apoyo masivo como otras películas de este tipo de la Marvel, me dejó conforme el origen de ser mitológico nórdico. 

Es increíble ver a Natalie Portman en un montón de películas ultimamente, pero también es un placer óptico, ya que es demasiado bonita. En esta ocasión, interpreta a una joven científica (así la podríamos llamar) quien encuentra, junto a su tío y una amiga, a un extraño personaje que pareciera cayó del cielo. Este no es otro que Thor. De inmediato vemos un flashback, en donde se nos narra como era la situación de Thor en su mundo, los problemas con su padre, su arrogancia ya innata y la forma impulsiva de tomar las decisiones, que no necesariamente le haría bien a su mundo, protegido por Odín, su viejo.

Thor y su padre Odín

A raíz de una conducta inapropiada y decisiones demasiado apresuradas, Odín se molesta con Thor por poner en riesgo la vida de los suyos y de Asgard, ya que este príncipe quería acabar de una vez con la amenaza latente de los gigantes de hielo, que asolaban de vez en cuando el reinado de Odín.

La sentencia final es el exilio de Thor hacía un lugar fuera de sus tierras, cayendo en la Tierra. Loki, hermano de Thor, queda como único posible aspirante al trono de Asgard, ante la ya senectud del viejo Odín.

Es entonces que vemos a un Thor en primera instancia como un ser mitológico, que vivía al lado de los dioses, y luego cae al terreno de los mortales y debe adaptarse a ellos. Aquí en la Tierra, el agente de S.H.I.E.L.D, Phil, junto a otros agentes, examinan aquel misterioso agujero que se abrió y un martillo misterioso que no saben bien a quien pertenece, pero que permanece enterrado en el desierto.

Thor conoce a Jane, la chica que le robará el
corazón.

"Thor" no duerme y no decepciona. No hay mucha acción pero sí mucha historia, que nos ayuda a comprender y conocer algo más sobre este mitológico super héroe. La aparición casi fugaz de "Ojo de halcón" nos pone en sobreaviso, ya que la llegada de los "Avengers" está próxima a arribar a la pantalla grande (se estrena el 2012) y la Marvel ya ha presentado a la mayoría de sus protagonistas para una de las películas mas esperadas del año que viene.

Si bien es cierto "Thor" no gozó del apoyo comercial que otras cintas sí gozaron, no le resta muchos créditos. Resalto la actuación del casi desconocido  Chris Hemsworth, ya que su interpretación es regular, mostrando a un ser algo petulante y arrogante en primera instancia, para luego aprender sobre las mesuras y adecuados comportamientos cuando vive en la Tierra, dándose cuenta que su poder bien usado, puede servir para ayudar a la gente y no para incrementar tan solo su ego.

A esperar a "The Avengers".

Puntaje: 7 puntos.

LA RONDA DE NOCHE (2007)

Dirigida por Peter Greenaway.

La manera como filma sus películas el galés Peter Greenaway es ya casi una forma patentada por él. Amante de los planos largos (generales), sin ser tan detallista ni tan apasionado por mostrar primeros planos ni siquiera planos bustos, es la muestra de que busca más por mostrarnos un todo en la imagen y no solo una parte. Es por eso que cuida demasiado su armado escénico e intenta darle protagonismo a la escena en sí y no al personaje.

Rembrandt

Es sabido por todos que su cine no es masivo ni busca el halago ni la aprobación de la crítica, mucho menos la concurrencia de espectadores y/o que sus películas se conviertan en "blockbusters". Sus puestas arriesgadas y una forma de contarlas tan complejas, nos ponen frente a un cineasta experimental quien siempre intenta que el arte sobresalga antes que otra cosa.

Esta vez nos muestra la historia de un pintor reconocido como lo fue Rembrandt, quien en el siglo 17 era muy famoso en Holanda y toda Europa. Pues bien, la película trata sobre el encargo que le han ofrecido a dicho pintor, de pintar a la milicia de arcabuceros de Amsterdan, para que queden eternizados en un cuadro.

La negativa del pintor es rauda y sin opción a desistir de su decisión, pero la insistencia de su esposa y amigos del entorno, lo hacen variar de opinión, aceptando el trabajo e iniciando así una serie de cosas que lo afectarán en todo sentido.

Lo que el pintor descubre tras una pintura.

Lo que se durante toda la película es arte. Lo veo así. Porque su pulida presentación, sumada a la buena labor de los actores y la gran adaptación a una época que no es la presente, logran transmitir una atmósfera artística y casi teatral.

Pues sí, el cine de Greenaway tiene tanto de teatro, desde la forma en como se presentan los planos, hasta la manera como los actores interpretan a sus respectivos personajes. El cine de Greenaway no busca nada más que transmitir esas complejidades y esa detallada visión que tiene el director galés sobre el cine en particular.

De la película no puedo hablar mucho, solo la sinopsis que ya detallé líneas arriba. No es que sea una historia simple de digerir, ni tampoco una de esas en donde reine lo banal y las escenas tontas, me parece que el ritmo es el apropiado y el desenlace se entiende. Hasta casi poético es.

La esposa del pintor tendrá un rol importante.

Lo bueno es que no decepciona. Lo bueno es que sigue siendo el mismo Greenaway osado e idealista. Que sigue en lo suyo, no siendo repetitivo ni buscando algún material reciclado para hacer sus películas. Yo lo veo como uno de aquellos directores personalistas, que siguen dirigiendo y mostrando sus trabajos, pese a que no cuenten con el apoyo general de las masas, pero si con el visto bueno de aquellos que gustamos del cine.

Eso sí, Greenaway no será masivo, pero no tiene mucho detractores (por no decir ninguno). Cosas de la vida y el cine.

Puntaje: 6 puntos.

GIALLO (2009)

Dirigida por Dario Argento.

Tal vez lo mas destacable de la película es que a raíz de ésta, Adrien Brody y Elsa Pataky se conocen y se enamoran, formándose como pareja, para terminar años después. Si me enfoco en la historia, o weno, la película en sí..... no hay mucho que alabar ni rescatar. Es otra película de Argento sin alguna pizca de genialidad. De nuevo con un final no feliz y hasta perturbador pero que no me ocasionó ningún tipo de sorpresa ni me dejo pensando.

Enzo Lavia, el detective que deberá encontrar al
asesino en serie.

Su terror se transforma en suspenso y sus imágenes de violencia no son tan espantosas como pensé que serían. Lo bueno es que no utilizó escenas de sexo para darle mayor energía y atracción a la historia. Y es que una la vez y dice..."el personaje de Brody se va a terminar acostando con alguien... fijo!!", felizmente eso no sucedió, porque hubiera sido demasiado evidente y una perdida de tiempo total. Argento se centró más en la desesperación de una chica por encontrar a su hermana quien ha sido secuestrada por un psicópata que se especializa en torturar y matar a chicas hermosas, por el simple hecho de que éste las odia.

Veamos.... no me gustó mucho la película, aunque la frase adecuada sería: no me mató. Y es que evidentemente, si pones a Elsa Pataky como la chica secuestrada, es lógico adivinar que esta no morirá y se la rescatará viva. La vaina sería mostrar como llegan a encontrar al asesino.

La tortura que abunda en la película.

Esto sería el conflicto central de la película de Argento. Conociendo ya de obvio el desenlace, lo único que interesa es saber como llegan a encontrar al asesino, que pistas dejó, que otras víctimas más tendrá y que detalles de violencia se expondrán en la película. Aquí es donde falla en muchas cosas la historia de Argento. Como que el villano no es tan convincente. Ponen a un hombre con problemas físicos y mentales (padece de una lesión al hígado) como el psicopata que mujeres hermosas y que nunca deja pistas fiables como para capturarlo. Muy pero muy irreal, hasta el punto de llegar a lo extraño y cómico. Sus métodos de castigo sí son jodidos pero no me generaron escalofríos en el cuerpo como para dejar de ver la pantalla o hacer un guiño de asco o temor al verlas.

La principal característica del asesino, es el de tener
víctimas hermosas.

Argento pierde vitalidad con esta película, pareciendo que la filmase solo por encargo y no porque le nació hacerlo. Muy mala actuación de la Pataky, jamás me comí su dolor y miedo en el personaje que interpretó. Lo de Brody es pasivo, sin llegar a ser "el personaje" y la hermana de Pataky, interpretado por la otrora bella Emanuelle Seigner, es regularón, pero superando de lejos a la española.

Me imagino que habrá tiempo para ver algún despegue de este director italiano, quien siempre intenta sorprendernos con alguna película de ese género tan particular llamado "cine giallo" y que en esta ocasión, decidió ponerle ese nombre que lo llevó a la fama a nivel mundial.

Puntaje: 4 puntos.

DEPENDENCIA SEXUAL (2003)

Dirigida por Rodrigo Bellot.

La única forma de que un cineasta haga una película de este tipo, es contando con la financiación de una productora del extranjero, o mejor dicho, lo que ahora muy comúnmente se hace: la coproducción. Muy raro que haya visto algo de cine boliviano, por lo general sé sobre cine argentino, brasileño, chileno, uruguayo y colombiano. 

La pobreza, relacionada con la ignorancia
sobre sexualidad.

Aparte de ésto, tiene una manera tan particular de narrar las diversas historias que transcurren en sus cerca de 75 minutos de duración. Es que la forma como está editada la película (con una pantalla claramente divida en dos) no es suficientemente clara como para entender lo que se quiere expresar al respecto. Yo intento en algunos pasajes creer que puede ser alguna manera de visionar diversos aspectos de las actitudes de los personajes o el querer encajar varios planos para ganar algo de tiempo, pero igual como que se muestra algo confuso y medio trivial, ya que en vez de generar ayuda, me creo una gran confusión. Me parece que el resultado complejo que intentó impregnar con ésto el director, no funcionó o no fue el más esperado.

El engaño hacia los suyos por ciertos
placeres.

Las historias cumplen con el cometido de la idea central de la película, la de mostrar a diversos jóvenes, sin semejanzas culturales, raciales o económicas, en su travesía por la sexualidad. Desde la chica humilde que pierde la virginidad de una manera no muy deseada, hasta la del chico gay que debe combatir el racismo en una escuela norteamericana, en la que es mal visto y odiado.

Pues no solo se muestra historias en territorio boliviano, también en Estados Unidos. No solo toca a bolivianos, también a colombianos y a norteamericanos. En eso podría decirse que no se encasilla en un solo perfil juvenil, ya que toca varios tipos de personajes. Por ejemplo, el del chico que se va a estudiar a Estados Unidos y es testigo de la discriminación existente en este país hacia los latinos como él.

La discriminación  es otro tema recurrente en la
película.

"Dependencia Sexual" retrata los padecimientos que atraviesan algunos jóvenes en el mundo, intento ser una fiel imagen del presente, al cual no escapa la homofobia, la violación, la virginidad o la discriminación, temas recurrentes en sociedades como la nuestra, que por lo general siempre tiene este tipo de problemas en la palestra.

Pese a estos temas tan candentes y que generan cierta atracción siempre en el espectador, la película no me terminó por llenar y dejó una ligera sensación de "no gustarme" debido a esa pantalla cortada y a un ritmo que se hacía poco entendible. 

Tal vez debieron ser menos historias y de la misma intensidad, porque la primera me pareció demasiado banal y sin un desenlace claro. Como que el director se llenó de tiempo y de casos, sin poder completar de la mejor manera todos en conjunto. Como que no hubo un buen lazo conector entre ellas, dejando el resultado final (el conjunto de todas las historias) como un pobre concepto.

Veremos si veo otra de este director, y que no divida la pantalla así de nuevo.

Puntaje: 4 puntos.

WILD THINGS (1998)

Dirigida por John McNaughton.

Dentro del centenar de películas que tengo en mi dormitorio, se encuentra ésta, que pertenece a aquel grupito de pelas que guarda algo de especial en ciertas escenas y en ciertas actrices. Y no es que el morbo sea la principal atracción de la historia, sino que tiene un relato bien extraño y bien confuso que puede engañar a cualquiera, y que deja una sensación de ver algo ingenioso y no tan simplista.
No es solo poner a una despampanante Denisse Richards como la imagen seductora y que sirve de imán para que la taquilla registre ganancias, sino que el director intenta recrear una historia que sorprenda y agrade.

La guapa Denise Richards.

Una historia que nos pone a Sam Lombardo, un joven  que ha atraído a la casi adolescente Kelly (D. Richards), quien hará de todo para seducirlo hasta lograr algo con él. Lo único malo para ella es que no puede hacer nada y tendrá que utilizar métodos un poco más osados para lograr su objetivo. Entonces lleva a cabo un plan más arriesgado que no da resultado y de pura picona, lo acusa a Sam de una supuesta violación que al parecer, si fue verídica.
Comienza el juicio contra Lombardo, para el cual Kelly tiene testigos claves que intentará usar en contra del brother, para meterlo en la cárcel y olvidar así que fue rechazada por éste varias veces.
La historia es ciertamente confusa en algunos episodios de la misma, con lo cual a veces no supe quien mentía y quien no, cuál era el plan o cual la realidad.

La escena más recordada de la película.

Tal vez el gancho de la película era el de utilizar la imagen sexual de la Richards y la escena tan comentada hasta ahora entre ella y Neve Campbell, quien en la película interpreta a Suzie, una chica algo extraña, que ayudará a Kelly con la acusación a Sam de supuesta violación. Pero esto no es más que un extraño tridente que conforman los tres protagonistas, que al parecer armaron toda esta treta para engañar a los medios, a la policía, a amigos y familiares, con un fin monetario como única causa aparente. 
Pero volviendo al tema de lo llamativo de la película, es evidente que no pasa por la historia o las actuaciones, sino por esa extraña perversión que uno siente al ver a dos actrices conocidas y guapas en planes lésbicos. Y es que la inocencia y sensualidad de la Richards (en su papel) contrastado con la rebeldía y poco feminismo de la Campbell, lograron cuajar una escena por demás provocativa.

Un trío que estuvo unido hasta en las
escenas de cama.

Igual pasa por la escena del trío, en donde los tres implicados participan y genera cierta suspicacia y curiosidad. Yo creo que por estas razones (mucho más que la historia en sí) la película logra tener un gancho y una ligera recordación, ya que con tanto giro y giro de la historia, al final no se sabe bien quien es el pendejo (o pendeja), quien el pillo, quien dice la verdad, quien es el gran mentiroso o estafador. 
Un desenlace que en verdad pudo ser mejor y sin tanto suspenso, que a mi me generó ya confusión y hasta hartazgo.


Después de todo, "Wild things" es más una película que descansa en mi anaquel de dvds por las buenas escenas de aquella nena sexy noventera, quien fuera Denise Richards.




Puntaje: 5 puntos.

THE GIRLFRIEND EXPERIENCE (2009)

Dirigida por Steven Soderbergh.

Ella es la actriz porno del momento y una de las más raras en el oficio. Esto se debe a que es una chica de cara angelical, cuerpo sencillo (no muy despampanante) y unos gustos que pasan desde hacer música industrial, hasta llegar a convertirse en una actriz fuera del circuito porno. Y es que Sasha Grey es una chica que tiene buen gusto, tanto en la lectura, películas y música, lo que la hace la "porno star" diferente. Aparte de sus ya mencionadas características físicas que la muestran como una chiquilla incapaz de hacer una mamada o recibir maltrato físico durante un acto sexual.

Seguramente Soderbergh observó ese extraño biotipo y esa extrañísima forma de ser de la Grey y le propuso protagonizar una película experimental que el director tenía en la cabeza.

Christine, alias Chelsea.

Y Soderbergh tiene de estas cosas, porque unas veces nos presenta películas para todo el público (como la que está ahora en cartelera "Contagio"), otras algo más de autor, como "Kafka" y otras en donde se luce tanto para crítica como para público. En "The girlfriend experience" retoma un poco su afán por hacer una cine que le agrada solo a él y experimentar un poco con los planos, con los diálogos, con los encuadres y con una historia que no tiene un inicio ni un final definido. Obviamente que la sola presencia de Sasha Grey en el reparto, atrae hasta al menos seguidor del cine del director.

Chelsea debe salir con una variedad de
clientes.

La historia no tiene mucho de complicada, es simplemente el seguimiento a la vida de una chica que chambea como prostituta o dama de compañía de hombres de nivel A (osea, adinerados y ese tipo de brothers). Lo jodido es que la flaca tiene novio, un pata que se dedica a ser personal trainner en gimnasios, al cual no le jode para nada que su flaca pase horas de horas con clientes de diversa índole, que le pueden pedir desde favores sexuales hasta algún tipo de acto masoquista o simplemente una compañía nocturna para pasar el rato. Se ve incluso a alguno de ellos, simulando que son pareja por una noche.... en donde cenan, miran TV, duermen, tiran, etc.

Chelsea dando cariño y algo más.

Pese a que Christine (Sasha Grey) cobra una buena suma de dinero por cada noche que pasa con sus clientes (con quienes se hace llamar "Chelsea"), siente que algo más le falta a su vida...... tal vez el novio no le brinda la seguridad como para intentar dejar esa chamba y vivir como una chica normal, o quizá porque al estar relacionada con tanto millonario, la hace alucinar con una vida de lujo y placer que cualquiera de estos le puede ofrecer.

La película de Soderbergh no agradó a muchos y no tenía porque tampoco. Se muestra demasiado experimental, con ganas de hacer un cine poco masivo y usando a una actriz atípica para el circuito comercial. Pero a su vez descubre a una Sasha Grey que tranquilamente puede hacer este tipo de películas, dejando al porno de lado. Debo acotar que la actriz en ningún momento uso sus mañas porno para esta película. Es mas..... casi no se le ve desnuda, para el malestar de sus fans que de seguro vieron la pela para verla sin ropita.

Pese a que no haya sido bien recibida por la crítica, yo valoro la actitud de Soderbergh de seguir creyendo en lo suyo y salirse de la ruta de lo comercial de vez en cuando, para darse un respiro como éste.

Puntaje: 7.5 puntos (a mí sí me gustó).

THE INTERNACIONAL (2009)

Dirigido por Tom Tykwer.

Quería ver una cinta de acción y me entusiasmé por ver esta con Clive Owen y Naomi Watts, pese a que me olía a que se vendría algo trillado y sin mucha recordación luego de verla. Al menos la película entretiene y no mezcla mucho el amor con la acción. Es más, casi no hay una relación sentimental aparente entre él y ella, lo cual me vaciló ya que se centra más en la trama de acción que en algún tipo de romance conflictivo por la naturaleza misma de la acción de la historia (osea que sus vidas corren alto riesgo).

Eleanor y el agente Salinger, luchando contra
el poder corrupto.

La historia une a dos personajes que luchan por el mismo ideal y por la justicia en sí: Louis Salinger (agente de la Interpol) y la hermosa ayudante de Fiscal: Eleanor Whitman, quienes se conocen luego de que uno de los amigos de Salinger, otro agente de la Interpol,  es asesinado de manera extraña y misteriosa, por lo cual comienzan a investigar quien pudo haberlo matado, llegando a la conclusión de que detrás de este crimen y otros mucho más graves, está uno de los Bancos más importantes del mundo, quienes a cualquier manera silenciarán a Salinger y Louis, sin importarles que vida deberán eliminar.

La película cumple con su rol de poner una trama en donde la justicia se ve como algo tan pero tan lejana y, por lo general, son los malos los que salen ganando debido al poder que manejan.

La bella Naomi Watts.

Me gusta mucho físicamente la Watts, ya que tiene esa presencia tan resaltante cuando uno la ve en la pantalla, en donde destaca una inocencia que puede variar en actitud enérgica y de valor, la cual acompaña de gran manera a esa figura ruda que emana Clive Owen, quienes se convertirán en una especie de héroes o justicieros, buscando luchar ante los poderosos, arriesgando su vida, para conseguir que la justicia prevalezca, pese a que suene a utopía mientras la película va avanzando, ya que se enfrentan a uno de los bancos más importantes del mundo y a toda la mafia tras de ellos. 
Lo bueno es que la película nunca decae y no busca ser lenta en ningún momento. El director pone personajes que pueden ser de confianza y a la vez no, viéndolos morir o sobrevivir de una forma tan progresiva que creí por un momento que todo el mundo era ladrón.

El agente Salinger, expondrá su vida hasta llegar
a la verdad.

Y es que en "The Internacional" se pone de manifiesto lo contaminado que está el planeta en cuanto a valores y las ansias de poder que reinan, utilizando todos los medios para silenciar a la justicia y a aquellos que interfieran en sus planes.
Un desenlace que me hubiera gustado sea mejor, pero que no le restó puntos a la película, que como dije, tuvo la grandísima idea de no caer en romances y/o escenas de amor que no venían al caso, dejando todo para la especulación.


Puntaje: 6 puntos.