THE KILLER INSIDE ME (2010)

Dirigido por Michael Winterbottom.

Se estrena en Lima el último trabajo hecho por este irregular director británico, quien muy rara vez ha aparecido en carteleras limeñas, y en verdad me parece extraño e inaudito saber que una de sus películas (menos mal la última) esta en cartelera, pese a que paso más de un año de su estreno mundial. Uno de los factores que quizá influyeron en que esta cinta llegue a salas limeñas, sea el hecho de que tiene a Jessica Alba en su reparto, la cual realiza ciertas escenitas subidas de tono, lo que permitiría una asistencia masiva de público fan de la actriz, que quiera verla en este tipo de escenas.

Lou y Joyce, un amor que parecía prosperar...

Winterbottom es de no repetir siempre la misma temática en sus historias, por eso que no hay una congruencia entre films. Sus historias a veces son perturbadoras o enigmáticas, jugando con el suspenso intrigante y el thriller.

En esta película nos muestra a un sheriff llamado Lou Ford, quien aparenta ser un hombre tranquilo y recto, que dedica su vida a visitar a una meretriz de la zona, Joyce (Jessica Alba), pese a que tiene a su novia Katy en la ciudad. Joyce vive alejada de la ciudad, en una casita en la carretera. Conoce a Lou de la manera más fortuita, ya que él ha sido mandado por su jefe para que la puta sea expulsada de la zona. Al encontrar resistencia por parte de ella, se genera un encuentro violento entre ambos, que deriva en sexo, que perdurará por varios días.

Qué demonios internos guardará Lou?

Al parecer Lou ha tenido problemas de violencia en el pasado, por la forma tan extraña como afrontará las cosas. Y lo digo de ese modo (ya que la sinopsis me lo permite) ya que deben saber que Lou asesina a Joyce de la peor manera: a golpes. La razón por la cual la mata, la sabe él nomás. Quizá no quería que entorpezca la relación que tenía con su novia o que sé yo....

Esto sería el inicio de una serie de crímenes que el perturbado sheriff haría en la ciudad, que el honor, respeto y conducta que ya tenía ganado en el pueblo, lo limpiaban de cualquier grado de sospecha.

Tantas mentiras y secretos no podía guardar
durante mucho tiempo.

Hasta que alguien comienza a dudar de él y de las extrañas cosas que iban sucediendo, aparte que Lou no pudo ocultar durante más tiempo algunas cosas, y el copito de nieve que en un inicio creó, se transformó en una avalancha de sospechas y secretos que lentamente se fueron volviendo en su contra.

Winterbottom dirigió una historia atípica en cuanto a tipo de películas venía realizando. Nunca una de violencia o de acción de este tipo. Me había acostumbrado a algún experimento como "9 songs" o alguna brillantez (efímera) como "Wonderland". Tal vez haciendo caso a su premisa de "variar siempre en cada película" es que se encaminó en este proyecto.

No le fue bien. A mi no me agradó el final en algunos puntos.... esperaba algo más sorpresivo. Eso sí, jamás aburre la trama y siempre te mantiene pendiente, dado que ocurre cada crimen inesperado.

Puntaje: 5 puntos.

TIRESIA (2003)

Dirigida por Bertrand Bonello.

Hay películas... y hay películas. Cuando leí acerca de lo que trataba esta historia, me llenó de curiosidad por dos factores: el punto al que puede llegar una mente enferma obsesiva y los cambios que puede sufrir una persona transexual en su aspecto físico. Y es que "Tiresia" tiene en su trama ambos factores que están muy relacionados uno del otro, aunque tenga un final algo confuso y hasta medio caído, por lo que significó sus primeros 30 minutos.

Tiresia aprisionada, producto de una belleza que ella
mismo diseñó.

Se comienza con un hombre que al parecer tiene ciertas imperfecciones en el cerebro, lo cual lo hace una persona solitaria que busca tener a alguien que no lo abandone (de la manera como el percibe "el abandono"). Es así como frecuenta una calle italiana en donde reina la prostitución y se fija en un atractivo transexual que por ahí caminaba. El nombre del transexual es Tiresia, a quien le dice para ir a su casa. Una vez en dicho lugar, el hombre decide secuestrarla (la denominaremos como femenino a Tiresia) atándola a la cama, para que así, ella no se escape.

Él la quiere como si Tiresia fuese una reliquia. Una belleza que pocas veces puede encontrar, y que por ende, no debe permitir que se le escape. Llega a tal punto de obsesión que pareciera que olvida que Tiresia no puede vivir sin sus hormonas femeninas, para seguir teniendo el cuerpo de mujer que tiene.

Él la cuidó como si fuera la última Coca-Cola
del desierto.

Día tras días se nota a una Tiresia que va cambiando su aspecto físico, y todo lo hermoso que una vez logró, va desapareciendo hasta dejar secuelas del aspecto varonil que alguna vez tuvo.

El encierro simboliza una prisión de su feminidad, la cual parece caer en un vacío sin escape y sin retorno, el cual trae al presente, facciones masculinas que tanto le costó dejar y que ahora, en su prisión, ve como se acercan peligrosamente.... encerrando la estética que tanto le costó lograr crear.

Tiresia ciego y vidente.

 La película se divide en dos partes, y la segunda me parece algo confusa, si es que no fuera porque hubo una escena de enlace que al menos me informó que se acababa el encierro para Tiresia, pero que el encierro de su apariencia femenina, quedaría perpetuo.

La segunda parte es ya el Tiresia varón. Aquel del que tanto renegó y el que tanto evitó.....

Por cosas del destino es rescatado por una comunidad muy religiosa, que ignora el pasado del transexual brasileño. 

El hombre que la secuestró, al ver que Tiresia perdía la belleza que tanto admiró, que tanto deseo, que tanto valoró y que tanto cuidó (a su mala manera), decidió botarla y quitarle los ojos (sí, la dejó ciega).

Tiresia fue encontrada ya como varón por esta comunidad, en donde lo cuidaron y lo sanaron. No pudieron evitar que quede ciego, pero ganaron a un vidente.... que trajo consigo problemas de tipo religioso con la comunidad. 

Una película que explora algunas facetas de la discriminación en Europa, de lo desquiciadas que son algunas mentes de ciertas personas y del mundo jodido que viven los transexuales (sobretodo si son inmigrantes). 

**El inicio de la película es como apocalíptico.

Puntaje: 6.5 puntos.

ONCE (2007)

Dirigida por John Carney.

Hay películas que se me quedan grabadas mas que nada por el soundtrack o banda sonora que tienen. Obviamente que si la película es un bodrio, la música quedaría en mi cerebro por un corto tiempo, pero como esta NO LO ES, de hecho que me acordaré de ella por mucho tiempo. Y es que podría etiquetar a "Once" ("Una vez") como una película musical, pero no la veo tan así. Es una película sobre músicos, y en ella tiene que haber música, obviamente. Una película independiente como ésta, de la manera como fue filmada (pareciera que fuese en digital) y la forma como fue llevada en su distribución (una cinta indie que participó en Sundance), me hace notar que nuevamente una cinta sin muchos bombos y platillos logra cautivar mi ser.

Glen, Marketa y su banda, ensayando
en el dormitorio de él.

"Once" es el reflejo de una ciudad dura como Dublin (Irlanda) y la lucha de los músicos por salir adelante. La vez anterior comenté sobre la mirada social que me hace notar cada película que veo. Y es que como son pelas de diversos países o continentes, son muy distintas las costumbres, las tradiciones, la personalidad de cada sociedad. En este caso, ver el de la ciudad irlandesa, tan desprejuiciada, sin tanto conservadurismo exagerado (y estúpido que abunda en ciudades como la nuestra), limpia demasiado la atmósfera de "Once", y deja a la historia tranquila para que pueda ser contada sin contratiempos ni escenas que están demás. Es por eso también que dura 80 minutos y creo que con eso fue suficiente.

Glen y Marketa, unidos por el amor a la música.

Glen es un músico que se dedica a tocar la guitarra en una de las calles de Dublin para ganarse la vida. Su talento es magnífico y logra que una inmigrante checa de nombre Marketa se enganché con sus melodías, al punto de que nazca entre ellos una amistad que va más allá de preferencias musicales. Cuando todo parecía indicar que solo sería cuestión de un día, Glen le comenta que también se dedica a reparar aspiradoras en la tienda de su padre, lo cual coincide con el desperfecto sufrido por la aspiradora de ella.... otro motivo más para verse. Ambos comienzan a conocerse uno del otro. Ella, que también trabaja en la calle vendiendo rosas, es música aficionada y sabe tocar bien el piano. Aparte que tiene una pequeña hija, quien vive con su madre en un departamento de la ciudad irlandesa.

Ambos trabajan en la calle.

Ambos coinciden en gustos musicales y deciden hacer música para alegrar el presente tortuoso que tienen (ambos no tienen un trabajo estable). Glen es un magnífico compositor, y su sueño es llegar a grabar un disco y ser todo un cantante profesional. 

Hasta su pasado romántico fallido también los une. Ella se casó con el padre de su hija, solo que eran tan distintos que la relación no pudo prosperar, separándose. A él lo engaño su ex con uno de sus amigos, y ella se quitó a Londres donde era feliz con "alguien" que él desconoce. La mayoría de sus letras reflejan esa desazón.

Pese a que crece una ligera atracción entre ellos, su inseguridad y su propio pasado no los deja expresarse libremente. Adornada con una bella banda sonora compuesta por Glen (quien en la vida real es integrante de la banda "The Frames) y por Marketa, "Once" es una película que me llenó de sobremanera y pocas veces una historia como ésta me logra conmover. 

Merecido el oscar a mejor canción para "Falling Slowly", en el 2007. Una hermosa canción cantada a dúo entre los protagonistas. 

Puntaje: 8.5 puntos.

HARRY POTTER Y EL MISTERIO DEL PRINCIPE (2009)

Dirigida por David Yates.

Esta película que pude fácilmente etiquetar como "comedia romántica americana" es la 2da película dirigida por David Yates, quien intentó reivindicarse de las malas críticas obtenidas en "La orden del Fenix", pero no lo pudo hacer y al contrario.... la cagó más. Y lo digo así porque prioriza demasiado el romance que la magia o la aventura de la que tanto se había acostumbrado el público en las anteriores películas. No he leído el libro pero he sabido de fanáticos y otros lectores de los libros de J.K. Rowling que este capítulo en particular, está muy mal adaptado y varía enormemente (para mal) a la lectura original de la que se supone se basa. Solo Yates sabe que intentó demostrar con tantos cambios en la saga y como es que luego dio otro giro radical (para bien esta vez) en cuanto a la forma de ver el mundo Potter.

Harry y Ginny, romance naciente.

 Los romances están a la orden del día durante toda la película. Resulta hasta a veces medio exagerado el tono romántico que se le da a la película, tanto con el ya obvio amor escondido entre Ron y Hermione, y el nacimiento de una atracción/sentimiento entre Harry y Ginny (hermana de Ron). Lo de Hermione y Ron resulta hasta protagónico en toda la película, pareciendo más importante saber si es que podrán consumir ese amor que se tienen, que el hecho de que la batalla entre Potter y Voldemore está ya al otro lado de la vereda. Y es que esta película debió prepararnos mejor para lo que se veía en el capítulo final, pero se dedicó más a priorizar romances y a llenarnos de mucho diálogo y poca aventura.

La reveladora maldad de Draco.

El caso es que ya se comienza a develar muchos secretos, y los malos que parecían malos, lo ratifican y se agrupan en el equipo que les pertenece. El caso especial es el de Draco, quien decide servir a Voldemore y encargarse de eliminar a Potter como sea. Severus Snape es quien lo ayudo, manifestando así una lealtad al señor oscuro que probablemente pocos imaginábamos. Esto como que ayuda a motivar la película, viendo como la orden de los magos buenos comienza a ver que las cosas no están tan a su favor, sobretodo si varios de los suyos comienzan a caer en batalla (recordar que Sirius Black fue asesinado en la anterior película).

Como intentando acoplar a Harry hacía lo que será su gran confrontación contra Voldemore, el director de la escuela y mentor de Harry, Dumbledore, le explica a Potter mediante recuerdos de éste, que el señor oscuro dividió su alma en 7 partes llamada "horcruxes", que serán fundamentales en lo que quede de la saga.

Ron y una constante en la película: crearle celos
a Hermione.

Al margen de esto, está un libro de pociones que descubre Potter, libro que es propiedad de un tal "Príncipe Mestizo", que ayudará a Harry a resolver muchas interrogantes y problemas durante su estadía en Hogwarts durante aquel año.

Como ven, se entremezclan romances adolescentes, explicaciones en relación al epílogo de la saga, escenas muy edulcoradas por el amor imposible y algo de oscuridad que poco a poco iba perdiendo la saga. Pero todo esto fue tan solo un traspié en el camino de Yates, porque felizmente no repitió los mismos errores en los capítulos finales de la saga y salvó con honores su despliegue final en el mundo mágico del joven mago.

A todo esto, mencionar que terminé de ver las 8 películas de Harry Potter, dejándome una opinión tranquila de la saga, sin conceptuarla como pésima o como una obra maestra. Cumplió hasta donde debía cumplir, y el trabajo de cada director fue como el que se esperaba. 

Muy destacable lo de Cuaron en "El prisionero de Azkaban" y lo de Yates en "Las reliquias de la muerte, Parte I". Eso como que me hizo ver con otros ojos a la saga y tomarle cierto cariño como para ir a la función especial de estreno del capítulo final de todo este mundo mágico creado por la Rowling.

Puntaje: 4 puntos.

TIEMPOS MODERNOS (1936)

Dirigida por Charles Chaplin.

Hoy estuve en el conversatorio de Geraldine Chaplin, hija de Charles Chaplin. Esta demás decir lo mucho que admiro a Charles, no solo por lo gran director, actor, compositor, creador y editor que ha sido, sino por lo que valió como persona, siempre intentando dejar una enseñanza en cada película e intentando (y siempre lográndolo) hacer reír al mundo cuando más lo necesitaba (1era y 2da guerra Mundial). Hoy Geraldine habló de muchas películas de su padre y se me vino a la mente esta que he puesto hoy, y decidí subirla para opinar sobre ella y alargar un poco más lo conversado hoy en la mañana. Que genial Geraldine. Toda la herencia de su padre en su humor y en su humildad. Una genia. Gracias por venir a Lima.

Charlotte y la máquina de hacer comer.

"Tiempos Modernos" fue creada cuando el cine ya conocía del sonido, pero Chaplin no quería aún saber nada con él. Según Charles, el sonido le quitaría el encanto a su personaje principal: el vagabundo. Ponerle voz a "Charlotte" hubiera sido como matar el encanto del personaje, así que decidió usar el sonido para otras cosas dentro de la película y mantener la etiqueta de "cine mudo" que tanto bien le hacía a su cine. Sabía que una vez que usara el sonido en sus películas, habría que hacer descansar al vagabundo.... y eso aún no quería.

"Tiempos modernos" nos muestra una ciudad llena de materialismo. La primera escena es una metáfora tan clara de lo que desea comunicar Chaplin a todos. Aquella de las personas entrando a su centro de labores a trabajar, y luego poner el mismo escenario, pero en vez de las personas a ovejas. Más claro no podía ser. Con esto Chaplin lanzaba su repudio hacía ciertas normas laborales que hacían que la persona deje de ser tal y se convierta simplemente en un borrego o un peón a las órdenes del jefe o dueño o presidente. Genial escena que hasta ahora es valorada por todos.

Charlotte en el interior de una máquina.

Pero Chaplin intenta comunicar más cosas y no solo comparaciones, también se burla de la modernidad, en el sentido de los inventos que solo ayudan a robotizar al ser humano. La escena del invento para que un obrero termine su almuerzo de manera rápida (para que vuelva a trabajar de inmediato) es una muestra de como las máquinas intentan privar de libertades y facultades a las personas. Se ve a un Charlotte totalmente utilizado y sin chance de pedir un stop o negarse a tal hecho. El resultado es cómico..... un desperfecto en la sincronización del aparato, origina que se arme un despelote en la forma de alimentar al vagabundo, haciendo que el proyecto sea un total fracaso.

Es una película que refleja el ambiente laboral que se vivía en aquel entonces en Estados Unidos. Estoy refiriéndome a la época de la Gran Depresión, en donde las condiciones laborales no eran las mejores y el mundo se acercaba a la Segunda Guerra Mundial que despertaría unos 2 años más tarde.

El hermoso final de una obra de arte.

Es por eso que Chaplin era muy querido por todos, porque se preocupaba por tocar temas sociales relevantes para todos y no solo para un sector elitista o de clase minoritaría. Lo de la "Gran Depresión" era un agravante que afectaba a una gran mayoría, y en tiempos en donde no todo era felicidad, donde abundaba la preocupación, el futuro incierto, el trabajo arduo y desmesurado, aparecían Chaplin para hacer reír a todos y burlarse de los problemas. No era una comedia simplona ni llena de gags típicos y muy gastados, él siempre quiso crear algo nuevo, quiso relacionar aspectos de la vida con algo de sentido de humor, algo de metaforismo, de sencillez y con un toque de emotividad, ya que a Chaplin le preocupaba todo eso y el personaje del vagabundo era su manera de intentar comprender los problemas que aquejaban a todos.

Una obra maestra de Chaplin, que cada vez maduraba más como director y como compositor. Lo del trabajo actoral era ya genial. Charles Chaplin había decidido años antes dedicarse a producir y dirigir sus propias películas, y conforme avanzaban los años, lo iba haciendo mejor. En "Tiempos Modernos" lo secunda la quien sería uno de sus romances más secretos en ese entonces (una de las tantas), la bellísima Paulette Goddard, quien para mí ha sido su mejor actriz en todas las películas que ha dirigido o filmado el gran Chaplin.

Una obra de arte que hoy recordé gracias a su hija Geraldine. Y seguiré diciendo y repitiendo lo que dijo ella: "Charles Chaplin es mi héroe".

Puntaje: 10 puntos.

THE STRAIGHT STORY (1999)

Dirigida por David Lynch.

Hay películas que cada vez que me preguntan: "Qué tal es tal película?" Yo suelo decir: "Es bonita... hermosa". Esta película de Lynch tiene esas características, y pareciera que no es de Lynch, porque conozco muy bien la forma como encara la filmación de una cinta y su percepción de las cosas. En esta, se aventuró a mostrarnos algo que tenía escondido y le salió una obra de arte. Una película que es considerada por muchos como su gran obra maestra, ya que nos muestra una historia que a cualquiera le puede llegar al corazón y a sentir lo mismo que siente el protagonista.

Alvin Straight, el gran protagonista.

Alvin Straight es un anciano con problemas en la columna, con problemas en la vista y con una licencia de conducir anulada por estos problemas, los cuales no les permite estar apto para conducir un vehículo. El viejo Alvin existió, y la historia en la que se basa esta película es de la vida real. Tomada y guionizada por la propia esposa de Lynch, es un relato sobre la experiencia que vivió el propio Alvin Straight.
A pesar de todos estos problemas que acabo de mencionar, él se decide a emprender un viaje largo para ver a su hermano enfermo. Un hermano el cual está grave y tal parece, no le queda mucho tiempo de vida. El problema para Alvin es el poco dinero con el que cuenta para costearse un pasaje vía terrestre o vía aérea (aparte que el médico le exigió reposo absoluto).

Conoce cada personaje en su largo viaje.

Pese a todo esto, decide agarrar su pequeño tractor cosechador e iniciar un largo viaje montado en él hasta llegar a Winsconsin, en donde se encuentra su hermano.
El viaje es largo.... es de un extremo a otro de Estados Unidos (Alvin se encuentra en Iowa). El viaje le tomaría 7 semanas casi y es una aventura total. Se imaginan un recorrido en un pequeño tractor como en el de la foto? Osea... es toda una odisea. Encima sumarle los peligros que corre el anciano al no tener mucho dinero en el bolsillo, una enfermedad en la columna, la poco visión y un carrito que avanza cada hora 1 km.

Vive cada percance por cada pueblo que cruza.

La forma como transcurre la película en la visión de Lynch es poética. Cada noche, cada parada de Alvin es una enseñanza de este señor. La forma como él percibe la vida y lo poco que le queda por luchar y soñar para ser feliz. Mención especial merece la música compuesta por Angelo Badalamenti para esta película, un fiel aliado de Lynch en su filmografía, quien esta vez se inspiró demasiado para componer una hermosa composición que adorna de cierta melancolía al film. Pero digamos que es una historia con un objetivo en concreto: Alvin debe llegar a la casa de su hermano, pasando lo que deba pasar. Lo que vi durante cerca las 2 horas que duró la película, fue una aventura hermosa.


Me quedo con el diálogo entre Alvin y el joven en una fiesta de un pueblo que a él le tocó como parada. Un corazón abierto el del viejo, en donde expresa lo que en verdad siente sobre la vida, y sobre lo que le queda en este mundo.
Hermosa obra de arte.


Puntaje:  10 puntos.

TETRO (2009)

Dirigido por Francis Ford Coppola.

Hay que ser sinceros, es uno de los mejores directores con vida en la actualidad. Me importa un pepino si no lo siguen muchos o que ultimamente solo se cuelgan por la triología del "Padrino". Esos son cucufatos o personas que pasan efimeramente por el mundo del cine. A Coppola hay que admirarlo por su conjunto en sí. Por a haberse arriesgado a reinventarse y realizar películas de acuerdo a su criterio. A su gusto. Aquel que aún sigue siendo bueno e intenta siempre ser congruente con la vanguardia. Así es como podría iniciar este post sobre "Tetro", la última película dirigida por Coppola, previo al estreno oficial de "Twixt", film que estrenará este año en el Festival de Toronto.

Buenos Aires, la ciudad que albergó a Tetro.

"Tetro" es el borrón y cuenta nueva de Coppola. Intenta rehacer todo, sin borrar lo anterior, e intentar hacer cine alejado de formatos comerciales, ligados al cine para las masas, que (sin quererlo) buenos réditos le dieron. Y digo sin querer, porque el cine de Coppola no es necesariamente masivo. La gran calidad de éstos y los múltiples galardones obtenidos a través de la historia, han hecho que sea casi una obligación haber visto alguno de estos films.

"Tetro" transcurre en Argentina, en donde  un joven marino  busca a su hermano en la gran Buenos Aires, al cual no ve hace años y del cual su familia no sabe absolutamente nada. 

La mirada de desconfianza.

Tetro es el nombre del hermano, un escritor que vive de forma anónima con Miranda, a quien conoció en un hospital psiquiátrico. En realidad la identidad de "Tetro" es otra, ya que la verdadera está ocultada en su cabeza, para que así el pasado no se aparezca. 

Es un hombre que odia su pasado, por lo que pude notar en toda la película. Me gusta demasiado el blanco y negro de la película, como que la dota de belleza a la trama. Resalta demasiado cada rasgo y cada gesto de sus protagonistas. La belleza de Maribel Verdú se destaca demasiado, así como su interpretación. Aunque no llega a ser sensacional, creo que en conjunto hacen una película aceptable y no tan experimental como tanto leía y oía decir por ahí.

Una dudosa Miranda, desconoce con quien vive
realmente.

"Tetro" es una historia que pareciera estuviese situada en el pasado y no en el presente. Me refiero a la ambientación, ya que a la ciudad porteña la ponen como una ciudad sacada de los 80s o una década cercana. Debe ser por la forma como viven los bonaerenses, que me dejó pensando. 

Eso sí, la forma tan europea que tiene "Tetro", no se lo quita nadie; y ratifica la fama de Buenos Aires de ser una ciudad tan identificada con ciudades del viejo continente. Eso sumado a las personas que aparecen en la película, la gran mayoría son actores argentinos. 

Es el nuevo inicio de Coppola. Es bien recibido por mí. Espero que siga creyendo en sí mismo.

Puntaje: 8 puntos.

PULP FICTION (1994)

Dirigido por Quentin Tarantino.

Un clásico de la cultura noventera. De aquello que nos dejó esa década en cine. También es el trabajo que consolidó de manera definitiva a Quentin Tarantino, quien ya había tenido un prometedor debut con "Reservoir dogs". Lo que significo para él "Pulp fiction" fue demasiado significativo. Logró el respeto masivo de todo el mundo. Ganó la Palma de Oro de Cannes (un premio con mayor valor que el Oscar) y encima fue nominado a los Oscars en los rubros de "Mejor Película", Mejor Guión y Mejor dirección. Un gran logro por parte de un director que creció y se influenció con las películas de series "B" y con las revistas pulp de aquella época setentera, que tanto adoró y que en la mayor parte de sus películas, rinde homenaje.

Vincent y Jules, ajustando cuentas.

"Pulp Fiction" es una película que revolucionó en cierto sentido la forma como yo veía al cine. Un film dividido en diversos capítulos que no tenían un orden correlativo en cuanto al tiempo y al espacio. Si en el 1 veías a alguien morir, en el 3 lo veías vivo pero en otro espacio temporal. Una chanfaina que supo bien mezclar Quentin, haciendo que la historia no tenga ningún tipo de confusión ni caos narrativo. Mis mayores elogios van para los diálogos. Que entretenido puede resultar el hecho de generar todo un diálogo en base al tipo de hamburguesas que se consumen en Holanda. Es increíble como Tarantino logra que estos temas tan triviales, sean parte de un libreto bastante extenso. Y encima... no aburren!!

Momento de revivir a Mia.

Para el reparto contó con actores que parecieran que ya estaban olvidados en el cofre de los recuerdos, como es el caso de John Travolta, quien fue rescatado del olvido por Tarantino y que gracias a este film, logró saltar a la palestra de nuevo, tanto así que fue nominado al Oscar por su papel en la película del norteamericano.

Otro que podría decirse que fue sacado del ya inminente olvido era Bruce Willis, aunque en menor escala. Junto a Uma Thurman, Samuel L. Jackson, Tim Roth, Harvey Keithel, entre otros, conforman un elenco que refleja las historias violentas, de unos tiempos ciertamente violentos y llenos de mucha droga, alcohol y ajustes de cuentas. Y lo primordial: algo de sangre. Pero Tarantino no cae en la violencia barata y hueca. La adorna con buenos diálogos y situaciones demasiado controversiales. O me van a decir que el capítulo cuando aparece el personaje Winston Wolf para salvar del apuro en que se metieron Vincent y Jules, es demasiado divertida. Que genial es ese capítulo.

El baile entre Mia y Vincent es célebre.

Para seguir con los elogios, el soundtrack de la película es GENIAL. Una muy buena discoteca debe tener Tarantino para elegir siempre tan buena música y que pegue y sea recordada por años. La escena del baile entre Vincent y Mia Wallace es inolvidable. Es una de esas escenas que ya es un clásico del cine.

Así como también cuando la bella Mia se pone a bailar en su casa, esperando a que Vincent salga del baño.

Hay tantas escenas difíciles de olvidar, que hablan del gran aporte al cine que ha dado esta cinta, sobretodo en la manera como Tarantino plantea el espacio temporal en la narración. No sigue un orden específico.

Los buenos diálogos, las escenas violentas, el baile, la música, la cuestión de las drogas, la violencia urbana, las hamburguesas, los cambios de giro, la cronología variable, el trabajo de fotografía, los planos tarantinianos, los productos que existen solo en ese mundo, etc... tantas cosas que usaría para alabar a una de las mejores (sino la mejor) películas de los 90s.

Puntaje: 10 puntos.

LOVE AND OTHER DRUGS (2010)

Dirigida por Edwars Zwick.

"Amor y otras drogas" es una película que podría ser catalogada como la típica comedia romántica norteamericana, solo que a mi modestia opinión, yo la etiquetaría como drama, y lo digo de ese modo porque lo que en un principio te lo venden como una comedia, termina siendo un dramón serio y con toques románticos, en donde la comedia pasa casi a un tercer plano. Y es que el tema que tocan no es para nada gracioso. Ni siquiera hacen el intento de ser sarcástico o algo referido a ésto. La forma como el director centra el tema de fondo (el amor entre dos personas, que luchan frente a la enfermedad de una de ellas: el Parkinson).

Jamie, un vendedor que busca resaltar
sobre los demás.

De gracioso a lacrimógeno va la película protagonizada por la carismática Anne Hatthaway (hace recordar demasiado a Sandra Bullock a veces) y por el irregular Jake Gyllenhall. Y es que primero nos describen las "contras" que tendríamos que afrontar para alucinar un romance entre dos personas que se asemejan en algo: no les gusta las relaciones serias. 

Ante tal parecido, lo único que se me venía a la mente para que la película gire en torno a un "final feliz", era que en medio de encuentros furtivos (con sexo de por medio) y alguna que otra escena romántica por ahí, ambos se terminen flechando hasta quedar enamorados. Me equivoqué.

Los encuentros entre Jamie y Maggie siempre
son sexuales, en un principio.

Y es que el trailer te cuenta una cosa y la película es casi el anverso. Ambos se comprenden a la perfección en la cama, la pasan bien juntos, llega a nacer ese bicho del amor pero existe el temor, el prejuicio, el miedo a la soledad y a que el futuro no sea el que ambos esperan, al menos desde la percepción de Maggie, quien es la que sufre la enfermedad y tiene miedo de ser abandonada de por vida.

Jamie es un vendedor que se ha hecho solito. Ha ido avanzando de menos a más, remando contra la corriente, buscando el puesto que la vida le tenía separado, pero que lo había reservado frente a varios obstáculos.

Lo que comenzó como una aventura, nos iempre
termina en aventura...

Y justamente al final de la película, me enteré que esta historia era basada en un libro sobre la creación del Viagra, tema que tampoco fue tan mencionado en los avances. Entonces, me encontré frente a un drama romántica con algo de comedia (muy poco), dirigido para aquellos que les gusta los amores que suelen ser imposibles y por los cuales se lucha tanto.

Ahí perdió sorpresa, para mí, la película. Se volvió por momentos obvia y hasta algo discordante con la época en la cual se supone ocurren los hechos. Ambos actores están bien en sus puestos (tampoco requiere de una gran actuación cada papel) y el epílogo es una mezcla de epopeya romántica con algo de "esperanza al amor". Muy pero muy fresa.....

Es entretenida en cierto modo, pero vamos..... creo que el final fue cantado. Hubiera deseado un desenlace sorpresivo y algo más de alegría por parte de la Hatthaway, quien es una gran actriz solo que no la saben explotar.

Lo de "otras drogas" es en mención (creo) a lo que vende Jamie. 

Puntaje: 5 Puntos.

JERRY MAGUIRE (1996)

Dirigida por Cameron Crowe.

Otra genial muestra de que Cameron Crowe es un gran director y escritor. Había ya sorprendido a todos con "Singles" y ahora regresaba con esta gran película que tuvo mayor acogida por crítica y público. Y es que Crowe explotó al máximo a Tom Cruise en esta película, al punto de lograr que éste sea nominado a los Premios Oscar, en el rubro de Mejor Actor Principal. Similar suerte corrió Cuba Gooding Jr., solo que él si logró llevarse la dorada estatuilla a su casa.

Rod y Jerry, cliente y manager. Amigos.

"Jerry Maguire" toca de nuevo el mundo que conoce a la perfección Cameron Crowe. Aquel de managers, publicistas y comunicadores, que como él, tienen una vida algo compleja y difícil de manejar. En "Singles" había presentado a un grupo de chicos universitarios que tenían cierta afinidad con la música y cosas relacionadas con ella. Choque de personalidades e incompatibilidad entre muchas de ellas. Lo mismo ocurre en "Jerry Maguire". Pues Maguire es un exitoso asesor de imagen o manager (como quieran llamarlo). Administra la imagen de reconocidos deportistas, ayudándolos a conseguir buenos contratos publicitarios y a que su imagen sea una constante en los medios, lo cual genere una recordación en el público.
Pero el mundo de Maguire se destruye de un momento a otro. Y cuando hablo de destrucción, es porque absolutamente TODO se va a la mierda.

Jerry quedó prendido de la dulzura de Ray, el hijo
de Dorothy.

De tener respeto, éxito, clientes, fama, amor y dinero, pasa a perderlo todo de la manera más injusta. Pero esto le sirve de reto para superar este revés fregado, y también para pisar tierra un toque. Mucho tiene que ver la ayuda de dos personas importantes en la película: Rod, un desconocido futbolista quien es el único deportista que Maguire podrá manejar, y Dorothy, una secretaria, madre soltera, que apoyará en lo que sea a Jerry, hasta el punto de quedar enamorada de él.
Ambos son la cara real del mundo que Maguire desconoce que existe. Y lo digo así, porque hasta antes de la tragedia que vivió Jerry, su mundo era demasiado plástico. Hasta su novia lo era. Una mujer interesada solo en la imagen de Jerry, que una vez que él lo pierde todo, chapa sus cosas y se retira de su vida, convirtiéndose en su enemiga (ambos trabajan de lo mismo).

Jerry tendrá que conocer más sobre la vida
para poder rescatar su relación con Dorothy.

Rod es un futbolista negro que no tiene la fama que otros futbolistas, pero que tiene un espíritu fraterno tan grande, que es el gran giro que Maguire debía de tomar para su vida. Y es que el moreno más que un cliente, se convierte en un amigo para Jerry, y éste lo apoya en todo, hasta lograr los objetivos planteados en un comienzo.
El caso de Dorothy es distinto. Ella estuvo enamorada de Jerry desde un inicio, y significa la parte no materialista de la historia. Pese a que Jerry lo pierde todo y queda como un gran Don nadie, ella apuesta por él y cree en él (lo más importante). Son estas cosas que Maguire toma en cuenta para rehacer su vida y para que veamos una historia entretenida, de enseñanza, con toques románticos y, sobretodo, con muy buenas actuaciones.


Nuevamente Crowe se impone en el guión a varias películas de ese entonces, y nos muestra a un magnífico Tom Cruise, quien no pudo conseguir el Oscar, pero que demostró que cuando se lo propone, la hace bien.




Puntaje: 9 puntos.