VIDEODROME (1983)

Dirigida por David Cronenberg

David Cronenberg

Bienvenidos al mundo de David Cronenberg, uno de mis directores preciados y favoritos. Hablar del cine del canadiense es sumergirnos en la psicología humana, en ciertas patologías existentes, que derivan en sexo, en violencia o conducta alterada por algún virus o la misma sociedad. Comenzó haciendo películas que se podría considera como terror, que en realidad no daba mucho miedo, pero causaba cierto asco (sobretodo en "Vinieron desde adentro") por ciertas escenas algo bizarras.

Cronenberg apuntaba más que nada al cambio de la conducta humana a causa de agentes externos, como en "Crimes of the future, "Shivers" o "Rabia", en donde a raíz de ciertas bacterias o "gusanos" (como en Rabia), las personas cambiaban su conducta, transformándose en seres violentos y enfermos. También exploraba el terreno de los problemas mentales o el miedo hacía estos, como en "Scanners", "Dead Ringers" o en "La mosca", en donde se ve como una persona va transformándose a lo largo de la película.

El televisor cobra vida.

"Videodrome" es una de las cintas de Cronenberg, en donde comienza a explorar terrenos más allá de lo físico. Se atreve a ir un poco más allá y a no jugar con solo mostrar sangre fácil y escenas subidas de tono. 

Esta película es casi futurista, porque el director intenta comunicar el absoluto control que tiene la televisión sobre las mentes humanas y la manera tan fácil como manipula conciencias, al punto de transformarlas hasta llegar a degradarlas.

La conciencia manipulada de Renn.

Max Renn es el dueño de un canal por cable, que se especializa por pasar imágenes pornos y de violencia. 

Un día, uno de sus programadores le informa sobre la existencia de un canal llamado "Videodrome", que transmite escenas de violencia en tiempo real. Renn le pide que retransmite para su canal, estas imágenes, para así poder levantar el bajo raiting que tiene.

A la par, comienza a salir con Nicki Brand (la cantante de Blondie en la vida real), quien es una conductora radial que tiene extrañas preferencias por la automutilación (ya estamos entrando a un punto algo quemado).

La bella cantante de Blondie, interpreta un personaje
algo particular.

Poco a poco se ve la deformación de Renn, al enterarse que Videodrome realiza escenas reales de violencia, que ponen en riesgo la vida humana.

Comienzan las imágenes de terror fantástico, que es normal en aquel cine de Cronenberg, como la vagina abdominal de Renn o la explosión cerebral de uno de los personajes de la película.

La escena del televisor es un clásico de esa década ochentera. Es casi una metáfora visual del como el televisor cobra vida propia e intenta apoderarse de la persona quien está al frente (en este caso Renn).

El control de la televisión sobre la mente humana.

Cronenberg se adelanta al futuro y expone su fuerte crítica sobre esa televisión que busca apoderarse de la conciencia humana y transformarla (o deformarla) a su antojo, para manejarnos como si fuéramos títeres. Usa ya cuestiones algo mas contestatarias, que no había utilizado en sus anteriores películas.

El canadiense comienza a explorar un terreno más analítico, que en los 90s ofrecería su plena madurez en películas como "Crash", "Naked Lunch" o "Mr. Butterfly".

Los dejo con el trailer de esta película, dirigida por uno de los maestros del cine de autor, que sigue fiel a sus ideales y persiste en hacer películas a su gusto. No depende mucho de las masas, eso es lo que más me agrada de David Cronenberg.

**Mas tarde un breve análisis de los nominados al Oscar.

ÁTAME (1990)

Dirigida por Pedro Almodovar.

Ya era hora que pusiera algo de este director español, y pues como hoy es lunes de nuestro idioma, que mejor momento para poner algo sobre él.  Pues bien, "Átame" viene a ser la entrada a una nueva década para Almodovar. Ya había dirigido una decena de películas, y ésta significaba su ingreso a los años 90s. Contó con el protagonismo de Victoria Abril y Antonio Banderas.

Antonio Banderas y Victoria Abril.

"Átame" es una historia de amor algo turbia y un poco enfermiza. Bueno, es obsesiva, por parte del personaje de Banderas, llamado Ricky, quien vive "enamorado" de la afamada actriz Marina Osorio (Victoria Abril).

Pues esta obsesión lo lleva al punto de conseguirla sea como sea. Decide secuestrarla, para así saciar sus sentimientos enfermizos.

Almodovar explora esta forma de expresar amor de manera inteligente y bizarra, sin llegar al punto de ponernos a pensar que Ricky sufre algún tipo de trastorno o que es en realidad un loco.

Ricky se apodera del mundo de Marina, a quien secuestra en su propio departamento, desapareciéndola del mapa, para amigos, familiares y compañeros de trabajo. Esto al principio no es nada gracioso para ella, pero poco a poco va sintiendo cierto apego hacía su secuestrador.

La escena de la masturbación, es célebre.

Acá como que la historia se torna medio masoquista, ya que lo que empieza como un secuestro, va tornándose en amor.

Ambos han tenido pasados diferentes, y eso influye un poco en el desenlace de la historia. Mientras Ricky vivió recluido en reformatorios e instituciones sociales (debido a que era huérfano), Marina lo tenía todo desde que era una niña, conviertiéndose en una gran actriz de películas pornos y terror, sin dejar de mencionar su manía x las drogas, lo cual afectaban en cierta medida su conducta.

Ricky examinando a su presa.

Ricky busca la manera de que ella corresponda a su amor, así tenga que usar métodos no tan sociables como el secuestro. La mantiene atada a una cama, mientras mira TV o sale de compras. Ella poco a poco va sintiendo cierto afecto x él (extraño, no?) hasta que nace el amor entre los dos.

Almodovar nos mostró al masoquismo como herramienta para buscar el amor.

Una extraña manera de transmitir amor.

"Átame" supone el trampolín para que Banderas vaya a Hollywood, sin reeditar grandes actuaciones hechas en el cine español. Para Almodovar significó el seguir creciendo como cineasta, y comenzar una seguidilla de premios y menciones en Festivales importantes, como el Oscar, Globo de Oro, Cannes, etc.

La extraña forma en que encuentran el amor Ricky y Marina, es el argumento principal de esta película, que muestra aún a un novel Almodovar, que ya comienza a dar guiños de lo que en los próximos años mostraría.

Les dejo con el trailer de esta buena película española, que de vez en cuando se puede disfrutar por cable.

"500 DAYS OF SUMMER" (2009)

Dirigida por Marc Webb.

Cuando el año pasado dieron como ganadora, en el rubro Mejor comedia, a "The Hangover" sobre esta película en los Globos de Oro, me dio cierta pena y a la vez sentí que había injusticia. Si bien es cierto, la comedia sobre los resaqueados en las Vegas, era muy graciosa y buena, no le ganaba en originalidad  a la pela de Webb. Pero weno, eso ya pertenece a un tema de subjetividades y otras cosas que no conciernen al tema central de lo que les quiero escribir el día de hoy.

Tom (Joseph Gordon-Levitt) y Summer (Zooey Deschannel)

"500 días con ella" es una película sobre el desamor y que le da la contra a muchos estereotipos que suelen verse en tipos de películas cursi o mal llamadas "comedia romántica".

De entrada nomás, la voz en off te advierte que la historia que se cuenta, no es de amor. Y lo agradable de todo, es que esta vez el personaje de basura o mala, por así decirlo, es el de la flaca, interpretada por una princesa llamada Zooey Deschanel.

La víctima, el perjudicado, no es otro que Joseph Gordon-Levitt. Ambos interpretan a Summer y Tom, respectivamente. La manera como se conocen o como comienzan a conocerse es tan natural, o weno, es algo que podría pasarle a cualquiera. Sin tantas "casualidades" de x medio ni tantas escenas robadas del centenar de películas que tratan de un tema en común, como es el amor, "500 days of summer" intente asemejarse a lo natural y a lo real. A lo que en verdad suele suceder y a lo que hemos experimentado alguna vez.

Summer cantando "Sugar Town" en el karaoke.

Un punto que destacar es la excelente banda sonora. Al menos sé que a las personas que recomendé esta película, se quedaron prendidos de la banda sonora, tanto así que muchos escuchaban por primera vez, bandas muy conocidas y de relevancia mundial, como The Smiths, Doves o The Temper Trap.

Volviendo al tema de la película en sí, es fantástico como llega a copar del todo el transcurso de la trama. El juego temporal que realiza el director, no altera mucho en el orden del entendimiento final. Esto quiere decir que no genera un caos visual que impidiera que el espectador entienda del todo la historia en sí. En algo se basa mucho el contar los días y ver las diferencias abismales de lo que pasa en el día 50, con respecto al día 450. Uno denota fácilmente el auge y declive de la relación, sin que te cuenten el porque.

La típica situación de "expectativas" y "realidad".

La escena en que la pantalla se divide en dos, mostrando "la realidad" y "la expectativa", es lo mas significativo de toda la película, a mi gusto. A quién no le ha pasado eso!!!!!

La típica, no? Vas a un lugar, te generas ilusiones. Llegas al lugar en sí, y es totalmente diferente a como lo pensabas, y vas cayendo poco a poco al abismo de la desilusión o decepción.

Es algo que resalto de toda la película, porque es la muestra clara de lo que quiere mostrar Webb: la realidad de las relaciones de pareja.

Esta no es una película de amor.

"500 days of Summer" es una muy buena película anti romántica. El éxito de ésta, ha originado que Marc Webb, su director, sea elegido como el próximo director de "Spiderman reboot", que está en proceso de grabaciones y se estrenaría el 2012 (creo...). 

Si te llega al pincho el amor plástico que muestran algunas películas yankies, esta es una buena oportunidad para que te nutras de una película que muestra que a veces ellas también son crueles.

Los dejo con el trailer de esta buena película. Y ya saben..... no es una película de amor. Es todo lo contrario. Y sí.... terminarán odiando a Summer, pero a Zooey... NO. 

CINEMA PARADISO (1988)

Dirigida por Giuseppe Tornatore.

Ganadora de un Oscar a Mejor película extranjera, de un Cannes, de los premios BAFTA y otro sinnúmero de premios, esta película italiana está entre las 5 mejores películas que he visto en mi vida. ¿Quiénes integran esta selección? Pues bien, la integran "Cinema Paradeso", "Érase una vez en América", "Straight History", "2001: Odisea en el Espacio" y "Candilejas".

La historia de "Cinema Paradiso" se centra en Toto, un gran empresario de cine. Él tuvo una niñez afortunada x así decirlo. Estuvo apegado al cine desde el comienzo gracias a Alfredo.

Toto y su amor por el cine.

Alfredo era el encargado de proyectar las películas en el cine del pueblo en donde vivían, en algún lugar de Sicilia. Pues bien, la historia inicia con un Toto ya mayor y siendo un respetado director de cine. Una noche, recibe la ingrata noticia del fallecimiento de su viejo amigo y maestro Alfredo (un extraordinario Philipe Noiret). Esto conlleva a que no solo Toto viaje a los funerales de su viejo amigo, sino que regrese al pasado, aquel pasado que le resulta maravilloso.

Es aquí en donde hacemos un viaje hacía el pasado del protagonista, en donde nos muestra a un niño de familia pobre, cuyo padre muere en la guerra, quedando solo a cargo de su madre.  Pues bien, Toto era acólito de la iglesia del pueblito donde vivía, pero sentía esa atracción x el cine.

Alfredo y Toto, una relación paternal.

Terco y obstinado, le pide a Alfredo para que le enseñe todo lo concerniente al manejo del proyector de cintas que él usaba. Alfredo no lo quería ayudar, pero gracias a la terquedad del pequeño Toto, decide ponerlo como su "ayudante" o "asistente". Es así como comienza la relación casi paternal entre los dos.

Todo va bien hasta que ocurre un incendio en el cuarto de proyecciones, resultando muy mal herido el viejo Alfredo.

Toto lo ayuda a escapar, pese a ser un pequeñito, pero el incendio deja graves secuelas en Alfredo, al punto de dejarlo ciego.

Toto de joven, va conociendo el amor.

Lo que sigue en la película es ya la parte adolescente y juvenil de Toto. Guiado por los consejos de Alfredo, el ya joven Toto queda a cargo de las proyecciones del Nuevo Cinema Paradiso. Se ve a leguas un claro tributo a la cinematografía clásica y a los viejos cines de barrio que en ese entonces habían. Así como la forma en que era tomado el cine x los espectadores en ese momento. Era una fiesta total. 

Toto crece y con él descubre el amor, las decepciones, el destino. El apego entre él y Alfredo es mas fuerte. Un lazo que ni la distancia puede apagar.


"Cinema Paradiso" es una película nostálgica. Recorre lugares, personajes y sentimientos que ya no están en el presente. Toto mira su pasado con cierta tristeza porque ya no encuentra esa alegría en el presente.

Escena final, uno de los mejores finales de la historia
del cine.

Las escenas finales están plagadas de sentimientos de nostalgia. Uno no puede negar que llega a meterse en el personaje de Toto y sentir cierta tristeza por aquellos años del pasado que ya no volverán.
Los rincones donde antes había vida, en el presente de la pela están ocultos tras telarañas y polvo de un tiempo que se fue.
Tornatore logra llegar al corazón de todos quienes hayan visto esta película y con el lacrimógeno final, cierra con broche de oro un homenaje al cine de antes, y también, porque no, al cine de ahora.


A mi en lo particular, me gustó demasiado el personaje de Alfredo. Aquel señor que le enseñó todo lo que sabía al pequeño Toto. La frase que siempre recuerdo es: "No quiero que seas como yo, tú tienes que ser alguien importante, no conformarte con ser un simple obrero que maneja un proyector de cine". Que grande.


Tengo que resaltar la fastuosa banda sonora que compuso para la película, el genial Ennio Morricone. Cada partitura acompaña congruentemente el compás de la nostalgia que expresa el film.


Los dejo con el trailer. Estoy seguro que muchos han visto esta película, y algunos (por no decir todos) han soltado sus lágrimas. Es lo normal. Es lo bonito del cine. Te muestra y mete emociones.
Alabado sea por siempre "Cinema Paradiso".

OMAGh (2004)

Dirigida por Pete Travis.

Esta película fue para la TV. Como sabrán, hay películas que son especialmente hecha para que se transmitan por TV o cable (como HBO). Pues bien, yo estaba interesado en buscar algo sobre este director inglés, de quien había leído muy buenas referencias. Hasta que encontré esta película que me mantuvo en vilo los primeros 30 minutos. Y es que ni en el relato de Oliver Stone sobre el atentado de las Torres Gemelas, sentí esa sensación de miedo (no sé como llamarlo) sobre algo que iba a ocurrir, pero que la película no te pinta el momento exacto. Todo es sorpresivo. 

Junio de 1998, el peor atentado en la historia de Omagh

Pues este atentado si sucedió. Los hechos ocurrieron en el año 1998. Ya en la cinta de Jim Sheridan, "En el Nombre del Padre", había conocido algo de la historia del IRA, una organización paramilitar que buscaba la exclusión de Irlanda del Reino Unido, y la unificación irlandesa (osea, Eire e Irlanda del Norte). Obviamente sus pedidos iban acompañados de alguito de violencia.

Regresando a la historia de la película, se sitúa en un tiempo de "paz". Ya habían sido paralizadas las acciones de violencia por parte del IRA, y se vivía un clima de paz total en toda la región. Omagh es un pueblito tránquilo, moderno y de mucha paz.

La familia Gallagher

Los Gallagher son como la mayoría de familias que viven en el pueblo. Dedicados al trabajo, a la familia y a sus vidas. 

La película muestra como era el día familiar de ellos, hasta que el atentado irrumpió en su tranquilidad y en la del pueblo. Aidam, el único hijo varón de la familia, era ayudante de mecánica del taller de su padre. La mañana del atentado, Aidam decide ir al centro del pueblo con su amigo, para hacer ciertas compras.

Esa mañana, el centro del pueblo estaba muy poblado. Mucha gente iba a hacer sus compras, otros a huevear a algún centro comercial, otros a trabajar. Había una visita de niños españoles al centro que también coincidía con el atentado.

Michael Gallagher y otros familiares, protestando
a las afueras de un local del IRA.

Los minutos previos al estallido del coche bomba son de terror. Nunca se sabe en que momento va a estallar. Ves el carro en la pista, como esperando el momento exacto para detonar. La cantidad de personas que caminan x los alrededores.....

Es demasiado tenso ese momento. La cámara rodea la periferia del coche, mostrando las posibles víctimas del atentado. Obviamente, se le da preponderancia a la familia protagonista y a sus integrantes. Que hacían, dónde estaban. 

Vuelvo a recalcar, la primera media hora es muy buena (a mi me gustó). La manera como Travis enfoca esos momentos previos, son de full tensión, tanto así, que en el momento justo del estallido del coche bomba, se siente la pegada y el asombro. Es sorpresivo ese momento.

La madre de Aidam no cree que perdió a su hijo.

Hasta este instante, me imagino que ya sabrán en que consiste el fondo de la trama. Pues sí, en la lucha de la familia Gallagher por encontrar a los culpables y que se haga justicia con ellos. El grupo autodenominado "IRA auténtico" se proclamó como el que ocasionó dicho atentado. A raíz de esto, Michael Gallagher y otros familiares de las víctimas, se organizan para llegar al fondo del asunto. Buscan culpables en la policía y en la organización "IRA auténtico".

Los dejo con el trailer de esta buena película. "Tarata" (F. Aguilar) hubiera tomado como ejemplo esta cinta para su opaco relato. Le hubiera servido de mucho.

SEX, LIES AND VIDEOTAPES (1989)

Dirigida por Steven Soderbergh

Steven Soderbergh

Steven Soderbergh es un cineasta noventero algo particular. Ha combinado éxitos comerciales con algunas películas de corte no masivo, intentando no perder el rumbo. Algunas de sus películas han alcanzado gran éxito comercial, como "La Gran estafa" y sus dos secuelas posterios; "Erin Brockovich" y "Traffic". También ha hecho cintas que no precisamente son de corte comercial, mas bien, son experimentos que hace, haciéndole caso a su ingenio o a ese bichito que muchos cineastas tienen de hacer lo que les plazca. Películas como "Solaris", "The girlfriend experience" o "El Ché", tienen a un Soderbergh que busca más el aprecio de la crítica que del público. Y así ha ido combinando películas, dejándolo como un referente del cine contemporáneo. No se le pierde de vista a sus proyectos, ya que se ha ganado el respeto de todos por los diversos premios que ha obtenido, como un Oscar a Mejor Director por "Traffic" o el primer premio que recibió en su carrera como director, con su ópera prima que hoy me toca recordar.

Graham y Ann comenzando a conocerse.

"Sexo,  mentiras y videotapes" es la ópera prima de Soderbergh. Ganó el Premio del Público en el Festival de Cine Independiente de Sundance. Posteriormente fue nominada a Mejor Guión Original en el Oscar de aquel año. La historia es buena, y nos mostraba a actores no muy conocidos que alcanzaron cierta notoriedad a raíz de esta cinta. Soderbergh se centra en 4 personajes, una joven pareja que vive en Luisana, que son Ann y Jhon. Pues bien ellos viven una relación estable y agradable (se podría decir), hasta que un ex compañero universitario de Jhon, decide regresar a la ciudad.

James Spader interpreta a Graham.

Graham decide regresar a la ciudad, luego de 9 años de haber estado alejado de ella. Jhon lo acoge en su hogar hasta que él encuentre donde vivir. Aquí es donde comienzan las cosas turbias....

Cynthia, hermana de Ann, mantiene una relación amorosa con Jhon, de sexo y desenfreno. Mientras que en casa, la llegada del misterioso Graham ha alborotado el comportamiento de Ann, debido a que éste, tiene ciertas aficiones escondidas que ella intenta descubrir.

La historia que nos pinta Soderbergh tiene algo de voyeurismo, algo de morboso. Una historia muy buena que a veces intenta engañarnos sobre quien es el malo o que es lo malo. La extraña perversión (si es que se puede llamar así) de Graham, no es tan enferma como aparenta la película. La extraña manía de entrevistar mujeres y grabarlas, le produce cierta excitación, sin que intente tener algo con ellas.

Ann no se pudo resistir al misterio de los videotapes.

Es a  partir de esta extraña maní, que nacen los conflictos entre los dos amigos de universidad, que se desconocen uno del otro. Uno por ser mujeriego, y el otro porque lo creen un enfermo y aprovechador.

Las mentiras y el sexo tienen mucho que ver en la trama, sobre todo en lo que concierne a la pareja de amantes que conforman Jhon y Cynthia. Ella aborrece a su  hermana, en el sentido que es muy sana para Jhon, a comparación de ella, que es (espectacularmente) sexy y provocadora. Al final, los videotapes le juegan una mala pasada a Cynthia, en el sentido de que suelta toda su interioridad frustrada, ocasionando un eclipse total en su forma de ser, que hasta ese momento mostraba.

Una de las escenas candentes, protagonizada por Laura San
Giacomo (Cynthia)

"Sex, lies and videotapes" es el ingreso al mundo de cine, de gran manera, de Steven Sodderbergh, quien ha sabido mantener el ritmo entre fracasos y grandes historias. Ha sido criticado y alabado x muchos, pero lo más importante, ha seguido firme con lo que le encanta hacer. 


Los dejo con el trailer de su gran ópera prima. La encuentran en Polvos, para ser específicos, en "Mondo Trasho" (Pasaje 18, 1er piso). Donde se consigue buen cine.

ANNIE HALL (1977)

Dirigida por Woody Allen

Woody Allen

Hoy martes, en el día dedicado a mis directores favoritos de todos los tiempos, toca presentar algo de este gran director neoyorquino. Aquel señor que saca una película por año. Si bien es cierto, no ha sacado nada resaltante desde "Match Point", siempre es agradable saber que está en constante actividad. Por lo general, muchas de sus películas han soltado actuaciones destacables, acreedoras de premios importantes, como el Oscar a Penélope Cruz por "Vicky Cristina Barcelona".

Toda una vida dedicada al cine, ya sea como actor, guionista o director. Estuvo relacionado con su pareja en "Annie Hall", Diane Keaton, luego con otra de sus musas como lo fue Mia Farrow, con quien se separó tras un escandoloso desenlace, porque el señor se enamoró de la chica que habían adoptado. Que serio, no? jajaja.

Diane Keaton y Woody Allen, pareja protagonista de "Annie Hall"

Pues bien, yo hablaré de una de las tantas películas que tiene (41), y que para mí, es la mejor de todas. Aunque tiene 3 o 4 más que me agradan demasiado. "Annie Hall" es la película con la que se desprende definitivamente de la etiqueta de director "humorístico". 

La escena en el cine es ya un clásico.

Pues bien, Allen siempre habla de los problemas sexuales, sociales y personales que tienen sus personajes entre ellos y con la vida misma en sí. En esta película, le toca interpretar a Alvy Singer, el nombre verdadero de Woody Allen, quien es un comediante algo neurótico que hace conflicto por todo. La historia relata la relación de pareja que tiene con Annie Hall (D. Keaton), quien es más neurótica que él.

Hay escenas muy célebres, al igual que varios diálogos. Al comenzar nomás, con el monólogo que hace Allen, mirando a la cámara, es algo que en su época era raro e inusual. Verlo caminar x las calles de su Nueva York querido, relatando como conoció a Annie Hall y todo lo que vivió con ella. Lo diferentes que eran en algunas cosas y las graciosas discusiones que tenían.

Alvyn siempre quería ver el cine de Bergman. Que genio!

La escena en la cola del cine es muy graciosa y célebre. El contacto con el público espectador que hace Allen, como una especie de conciencia, es divertida. Explicando ciertas dudas que tiene él como persona, con respecto a actitudes de algunas personas, las cuales no entiende ni tolera. Encima, lidiar con una enamorada como Annie, quien al ser más disparatada, hacía que tengan unas discusiones un poco locas.

El guión es muy bueno. Woody interpreta al personaje de toda su vida y le sale bien. Diane Keaton, quien obtuvo un Oscar por este personaje, resalta x la extraña forma de vestir que tiene. Yo pensé que era solo para la película, pero al ver videos y fotos de la época, descubrí que a ella le llegaba altamente la moda y solía vestirse así. Incluso fue a recoger su Oscar, algo despeinada y muy mal vestida. Que ídola!!

Monólogo de entrada, una escena imitada en varias pelas.

"Annie Hall" es el comienzo de otro tipo de cine para Woody. Se había acostumbrado al cine de humor, de gags, de comedia. Le había resultado, pero él quería algo mas, algo que esté de acorde a sus influencias, como Bergman o Fellini. Esta película fue el comienzo de este cambio, y vaya que le fue bien. La crítica lo miró con otros ojos, y comenzó una carrera ascendente que hasta ahora perdura. Ya menos preocupado en ganar premios o aceptación por parte de crítica o público, le importa e interesa más hacer el cine que está en su cabeza. Inventarse historias que crea en el momento. Como él mismo dice, siempre hay historias que su cabeza crea y le agradece a Dios x eso, sino se quedaría sin chamba. Una película x año.... no es nada fácil. Menos aún si no son guiones adaptados.

Les dejo con el trailer de esta gran película, de este gran director. Uno de mis 5 favoritos. Genial intelectual, músico de jazz. Woody Allen tiene aun mucho que mostrar, y estaré ahí para seguir viendo su cine.

Por cierto.... me he visto 38 de sus pelas. Tengo las 41, pero entenderán que al tener mas de 500 pelas en mi cuarto, es un poco difícil ver todas....

Igual, les recomiendo DEMASIADO esta película. 

LOS CRONOCRÍMENES (2007)

Dirigida por Nacho Vigalondo

Luego de haber escrito y dirigido varios cortometrajes (uno de ellos fue candidato a un Oscar al mejor cortometraje), el español Nacho Vigalondo se lanzó con su primer largo, en donde se juega mucho con el espacio temporal, creando una historia en donde es recurrente el viajar en el tiempo. Al principio es algo confusa, pero con el transcurrir de la trama, se van uniendo las piezas hasta llegar a tener las ideas más claras. Vigalondo escribe una interesante historia.

Nacho Vigalondo, actor y director de su propia película.

El personajes principal es Héctor, quien está tranquilo en el jardín de su casa, hasta que de pronto observa, a través de sus miniculares, a una mujer desnudándose. Obviamente que esto lo perturba un toque y la curiosidad por conocer a esta mujer, lo obliga a ir al lugar del desnudo. 

Su sorpresa es grande es al no encontrar a nadie, y más aun, recibir una apuñalada por parte de un hombre desconocido. Aquí comienzan las cosas extrañas para Hector, porque presume que es un asesino quien lo persigue, así que decide huir hasta llegar a una casa grande que es habitada por un intrigante científico. Aquí es cuando comienzan los viajes temporales.

Héctor y la mujer.

En realidad, la historia es muy quemada. Llegas al punto de marearte porque el mismo personaje tiene tres representaciones en el tiempo, que son conocidas como Hector1, Hector2 y Hector3 (jajajaja), o weno..... así los denomina el científico. Héctor cae en una especie de locura al no llegar a entender lo que le sucede ni comprender bien lo que es la máquina del tiempo ni si en verdad se ve en el futuro o en el presente. Comienza a huevearse con los tiempos y con sus propia naturaleza.

Un personaje típico de la película.

Como dije, es un toque confusa pero se llega al comprender del toda, una vez finalizada. Uno queda con ganas de ver algo más de este loco director. Siempre es interesante ver películas o historias en donde los viajes temporales son el tema principal. Cada uno lo ve de la manera como lo quiera creer, y eso es lo interesante, ya que a veces se ha estereotipado tanto con este asunto, que resulta repetitivo a veces el ver una película y observar que tiene las mismas ideas que otras. "Los Crimenes" no es así.

El te ve, pero tú no debes verlo.

Vigalongo no termina de explicar, dentro de la película, muchas cosas que tal vez dejen inquietantes al espectador (a mi me hizo alucinar cosas, y me inventé mi propio argumento). Este tipo de "inquietudes" son las que hacen interesante a las películas y les genera una especial recordación.

Tienen que ver el corto nominado al Oscar (entren a este link: http://www.youtube.com/watch?v=F1isC_3Ehdo), podrán observar con detalles una historia original y algo rara de un director que recién lleva una película, y que ya es toda una promesa en la madre patria.

Los dejo con el trailer de esta muy buena película española. No los decepcionará.

CAPTURING THE FRIEDMANS (2003)

Dirigida por Andrew Jarecki

Yo no soy de ver documentales, porque a veces me parecen tediosos y algo aburridos. Mi buen amigo Danny me recomendó uno hace un buen tiempo, llamado "Man of wire". Su recomendación fue hecha en base a que ganó un  Oscar a mejor película documental. Así que le puse mas atención a este tipo de pelas, y sin basarme en premios ni nada, decidí ver esta película del 2003, porque me interesó la historia en que se sumergían. Algo particular, controversial y, lo importante y obvio, real.

Los Friedmans, cuando todo era felicidad.

El documental se centra en la familia Friedmans. Una familia tranquila, normal y apacible. Una familia bien constituida, que al principio la ves como la ideal, la típica familia de clase media con sus buenos modales y bien constituida.

Todo se deforma cuando la policía encuentra en el cuarto del jefe de familia (Arnold Friedman) revistas con contenido pornografico infantil. 

Ya la policía andaba investigando a este profesor de un colegio, por algunas acusaciones hechas por niños, que lo culpaban de violación y otras atrocidades. Junto a él, su hijo Jesse también fue acusado por colaborar con su padre.

El documental es muy interesante, porque no se trata de ver a una familia como los Friedmans, como los grandes culpables de la historia, ni tampoco verlos como santos inocentes, mas bien, jamás te muestran del lado de quien están (gran acierto del director). 

El testimonio de uno de los hijos.

Tengo que mencionar, que este hecho ocurrió en los 80s (resaltar que el documental es del 2003) y se basa en reportajes televisivos, en videocintas caseras de la propia familia y en testimonios del año (2003) por parte de familiares y agraviados. 

Sinceramente, la pedofilia es algo fuera de los límites de la normalidad. Más que una anormalidad, lo veo como algo deformado en el cerebro de una persona. Teniendo ésto como concepto sobre la pedofilia, el documental no me muestra a un Arnold Friedman como monstruo. A veces parece que fuera inocente. Cuando te ponen testimonios de hermanos, de la esposa, de los hijos o de algún amigo, da que pensar que es inocente. Luego al escuchar los testimonios de chicos que fueron presa de su enfermiza mente, se entiende a que este señor era un  hijo de puta.

Padre e hijo acusados de pedofilia.

La película documental de Jarecki solo muestra los testimonios, los videos que grababan en familia los Friedmans y los videos noticiosos que pasaba la TV de entonces. No hay una off que te guié ni que juzgue. Con esto, el que saca sus conclusiones, es el espectador. Muy inteligente por parte del director, el mostrar las dos caras de la realidad: la familia del acusado (Los Friedmans) y el rostro acusador, que lo describe como una persona desequilibrada, al padre y a Jesse, el hijo.

Los video caseros son una muestra de lo que vivía la familia, luego de sucedido los acontecimientos.

"Capturing the Friedmans" es un interesante documental de como una familia tranquila, conservadora y común, a veces no puede verse como tal si no se le conoce bien. Sea culpable o no, la historia te hace ver como se deforma el núcleo familiar a raíz de lo acontecido. Y como la figura de un padre ejemplar, va transformándose en una imagen de pena y decadencia.

Los dejo con el trailer de esta interesante película documental. El final es probable que les haga botar algunas lágrimas, a mi me conmovió bastante. La RECOMIENDO demasiado.

SCENT OF A WOMAN (1992)

Dirigida por Martin Brest

No es la mas sobresaliente de sus actuaciones, pero ya era hora, en ese entonces, que se le reconociera a Al Pacino con un premio como el Oscar. Si uno ve la película, se dará cuenta que el papel de ciego que hace, es formidable. Sin ser su mejor actuación (en "Scarface" y "Serpico" lo veo mejor), Pacino brilla con luz propia en una película que no es tan genial, pero que él con su actuación, la hace destacable.

Al Pacino con el papel que le valió un Oscar.

Al principio pareciera que la historia girará en torno de Charlie, porque es con él con quien comienza la trama. Un chico universitario, de bajos recursos, necesita viajar para celebrar Navidad con los suyos. Para esto, decide aceptar la chamba de cuidar a un teniente retirado del ejercito, que tiene el problema de ser ciego. Aparte de esto, tiene un carácter muy difícil de aguantar y sostener, motivo por el cual, varios chicos han desistido de trabajar a su lado.

El teniente Frank guiando al joven Charlie.

El trabajo de Al Pacino es excelente. Uno se la cree que es invidente. Lleva bien la personalidad de un teniente hastiado de la vida, que toma con ironía el destino que la vida le tiene preparado. Habla de la muerte como algo normal, que no le asusta. La relación que lleva con Charlie es casi paternal. El viejo dicho de "Mas sabe el diablo viejo que por diablo" calza muy bien con las aventuras y problemas que afrontan ambos. Sobretodo cuando el teniente, tiene la brillante idea de viajar a New York, solo para huevear y darse la gran vida, antes de que la muerte venga por él.

Es en esta parte de la película en donde sucede la escena mas recordable de toda la película. Cuando conocen a una chica en un restaurant, quien está esperando a su novio. El teniente la corteja como todo un galán, enseñándole a Charlie, como caer a una flaca desconocida.

Pese a su ceguera, demuestra que domina el tango.

Al sonar un compás de un conocido tango, el teniente la saca a bailar, ante el temor de ella de que él por ciego, no tenga ritmo o se pueda tropezar. 

El teniente bailó excelente y dejó encandilada a la flaca. Es más, Al Pacino en sí bailó bien. Se movió como un ciego que no puede ver el área en donde baila, con un baile suave pero con ritmo, sin caer en el ridículo. Escena inolvidable.

Brillante actuación de Al Pacino.

"Perfume de mujer" (título en español) es la película de Al Pacino. Sin él, la película no tendría la recordación que tiene el día de hoy. Le valió un Oscar a mejor actor para Pacino, pero esto no desmerece para nada sus actuaciones anteriores, en donde debió ganar dicha estuatilla, por la superlativa actuación que tuvo en películas como "Tarde de Perros", "El Padrino", "Serpico" o "Scarface".

Les dejo con el trailer de esta buena película protagonizada por Al Pacino. La enseñanza de que nunca es tarde para intentar VIVIR (pese a todo).