Una de las grandes cosas que trae el Festival de Cine de Lima es el poder apreciar cine de nuestra región. No creer que solo Estados Unidos y Europa proveen de cine al mundo, y que Argentina y Brasil son los únicos de esta región que pueden ofrecer un buen film. Existen otros países que también tienen obras de gran importancia y de buena calidad. Una de ellas es esta película chilena que trata sobre una nana (o bueno, una empleada domestica).
Raquel protegerá su puesto ferozmente.
El asunto es que la película es tan bien llevada, que uno puede experimentar lo sufrido y aguerrido que es vivir una vida como la de una empleada doméstica, en este caso, en el vecino país sureño. La actuación de Catalina Savedra, quien interpreta a Raquel (la nana) es formidable. Ella carga con todo el peso actoral de la película y nos muestra a una extraña mujer que labora de sirvienta en un hogar de familia económicante pudiente, quienes la tratan de gran manera, solo que pareciera que ella no sintiese ese cariño como la familia se lo muestra. Vive encerrada en recuerdos, en miedos, en una timidez que se expresa en su forma de ser y su forma de responder a los estímulos de terceros.
El hogar de la familia Valdez, hogar de Raquel.
Miedo a envejecer y sentirse inútil para la familia, alucinando que tal vez pierda el empleo a causa de otra sirvienta u nana. Este miedo origina que veamos a una mujer huraña y silenciosa, que no se relaciona con el personal doméstico que contrata la familia, para que ayude a una cada vez más afligida Raquel, quien a veces enferma por el extenuante trabajo que realiza en el hogar de los Valdés. La actitud de Raquel es comprensible, en el sentido de aquella persona que no quiere perder su trabajo. Pero el temor de perder el oficio que 23 años ha tenido a su cargo, origina que se convierta en una mujer que cela en lo más mínimo a aquellas personas que intentan ayudarla en su chamba. Es por eso que se ve como cada sirvienta que ingresa al hogar a ayudar a Raquel, termina siendo atacada de alguna u otra forma por ésta, hasta obligarla a que renuncie.
Mercedes, la peruana que intentará amilanar
la frialdad de Raquel.
Lo atractivo de la película es la aparición de un personaje que será la única capaz de vulnerar aquella coraza de hierro que enmarca el corazón de Raquel. Ella es peruana (imagínense), y con su inocencia y cordialidad se irá ganando el corazón de Raquel. Pero ocurrirán cosas que harán que esto no sea para siempre.
"La Nana" es una interesante película chilena que nos muestra lo inseguro que es a veces el mantener un puesto de trabajo, y las conductas que se optan para aferrarse a él. En este caso, el oficio de empleada del hogar pasa a un segundo plano, cuando vemos la identificación de Raquel con la familia Valdez, a quien quiere como si fueran su familia (23 años trabajando con ellos es suficiente, no?) y siente que perder su trabajo, es perder su amor y el valor de lo que significa tener una familia. Eso es lo que más se percibe en esta gran cinta chilena.
"Clerks" es un clásico del humor de los 90s y una de las películas de culto para este humilde servidor. Sin mucho humor físico (gags) ni tanto cliché propio del género, la primera película de Kevin Smith sentó las bases de un nuevo tipo de humor que daría de que hablar en la comedia americana. Y esto básicamente recaía en un guión muy original, lleno de diálogos memorables y escenas inolvidables.
Dante y Randal nuevamente juntos.
En esta oportunidad, Smith vuelve a llevar a la pantalla grande la película que tanto buenos comentarios le dieron a su trabajo. La secuela de "Clerks" aparte del color (como visible diferencia) nos traía a los mismos personajes, luego de 10 años de haber aparecido en la primera película del director. Así pues repiten el plato Dante y Randal, al lado de los callejeros Jay y Bob el Silencioso.
Esta vez ya no trabajan en un minimarket y una tienda de videos, ahora están como cajeros en un fast food llamado Mooby´s, que esta supervisado por la guapa Becky (Rosario Dawson), quien tendrá que lidiar con este par que tiene una manera muy peculiar de llevarse bien.
Jay y Bob el Silencioso, dúo de pastrulos.
Nuevamente fui testigo de diálogos divertidos y originales, pero a diferencia de la anterior "Clerks", esta luce algo más romántica, algo más feelin. Por un momento temí ser testigo de una especie de secuela de "Jersey Girl" por la manera como transcurría la historia. Felizmente, hay escenas que contraponen lo que es normalmente conocido como "romántico", con unas conversaciones sobre sexo, sobre triologías en el cine, sobre el racismo (muy chistoso) y la escena del regalo de bodas a Dante, que es muy bizarra. Y es que el personaje de Dante, luego de 10 años de no saber que hacer con su vida, decide casarse con su novia Emma, quien le ofrece una casa (regalo de su padre) y un trabajo de lava coches en la empresa de su daddy. Esto es un cambio de vida total, algo que resalta en la trama y que veremos durante toda la historia: la decisión de Dante de dejar su vida caótica (pero que le gusta) o casarse y vivir por fin de algo seguro pero que no es suyo.
Becky y Dante son el toque romántico de esta secuela.
El romance resalta cuando Becky enfrenta con algo de celos el matrimonio de Danny con su novia. Los hechos se suceden entre diálogos divertidos, el ya conocido desparpajo de Randal para decir lo que piensa, el dúo de Jay y Bob el silencios, quienes siempre están presto para colocar una pizca de humor y drogas al asunto, y los nuevos personajes que mete Smith en esta secuela de "Clerks", como es el caso de Elias, otro cajero de "Mooby´s" quien para discutiendo con Randal de temas muy pero muy pendejos jajajaja.
Es una película con bajas y subidas, que nunca decae. Escena imborrables y graciosas y un final algo nostálgico (medio lacrimógeno) para aquellos que adoramos "Clerks". Los años no pasan en vano.... como se diría.
Esta película es bien pero bien particular. Pudo haber tenido un mejor sendero de vida en este mundo cinematográfico, pero por alguna razón.....no pasa de una de las tantas pelas que pululan por ahí. Y eso que el guión me pareció interesante, solo que ciertas cosas pudieron haber sido mejores, con lo que hubieran hecho que la película sea todo un suceso....al menos desde mi punto de vista.
Carmen vivía una aparente felicidad en pareja.
Y es que lo que aparenta ser una usual historia de amor, termina siendo toda una pantomima o un simulacro de lo que pudo ser y no fue. Es como cuando la ficción juega a ser más ficción de lo que es y convierte a la historia en algo que aparenta ser y no lo es, mezclando mentiras y verdades. Interpone un juego real con una red de mentiras que atrapa no solo a sus protagonistas, sino a los espectadores (en este caso yo, que la vi).
Lo lamentable es que la película no encierra todos esos aditivos necesarios como para que historia sobresalga y no deje vacíos ni pequeñas dudas. Como que el director intenta no dejar ni un clavo suelto, y a pesar que logra su cometido, a mi no me convenció.
Carmen y Kit, en el beso que inició el romance.
Carmen esta a un paso de casarse con Barnaby, pero en la noche de su despedida de soltera, conoce en un restaurant de comida francesa a Kit, a quien besará de manera improvisada, iniciando así una historia que los llevará a un romance prohibido que ambos saben es imposible de realizar.
Aquí todo bien con lo que aparenta ser una típica película de triángulo amoroso, en donde el que toma el papel de malo, por lo general, es el varón engañado (paradojas de la vida). Pero......eso es realmente lo que la película es? Pues es parte de una película dentro de otra película. Y así debe ser vista hasta donde se entienda, ya que las explicaciones son coherentes, destrozando toda naturalidad de un romance que parecía idílico.
Gael García interpreta a Kit.
"El punto sobre la I" es una muestra de lo que pudo ser algo bueno, pero que por cosas de guión y tal vez de un mejor desenlace, no pudo gestarse como una película de culto underground, como otras de su especie.
Las actuaciones de Natalia Verbeke y Gael García son normales y no tan espectaculares, y es probable que si el director los exigía un poquito más, otro hubiera sido el concepto final de la película en sí.
Aclarar que la película está en ingles, pese a que los roles protagónicos son para dos actores de habla castellano.
Esa época (fines de los 90s, inicios del nuevo siglo) debió haber sido la más brillante para dos personas, que justo cruzaron sus caminos en esta película. Me refiero a Julia Roberts y a Steven Soderbergh. Actriz y director. Ella estaba espectacular tanto en su forma de actuar como en su apariencia física. Hermosa en todo sentido. Él iniciaría una seguidilla de buenos éxitos, tanto en público como en crítica ("Once eleven", "Traffic"). Justo en esta historia basada en hechos reales, conjugan perfectamente para recrear la historia de una mujer guerrera, capaz de tirarse abajo a toda una compañía, a basa de garra y mucho pero mucho esfuerzo y deseo de que la justicia y la verdad triunfen. Quien mejor que Julia Roberts para dar vida a aquel personaje que la sociedad norteamericana conocía a medias y que ella recreo de gran manera.
La gran interpretación que le valió un Oscar a Julia Roberts.
La verdad que Erin tiene toda la pinta de ser una mujer normal sin mayor relevancia profesional. Lo único que la diferencia del resto, sin necesidad de haber estudiado en una universidad, es las ganas de salir adelante y no darse por vencida que tiene y que le falta a varias profesionales. Y pues, en toda la película vemos como ella lucha ante la adversidad y ante todo aquel que se le ponga en medio para que sus ideales tengan un triunfo no solo para ella, sino para quienes comparten esos pensamiento con ella. Y lo digo de esa forma, porque ella se entromete en un rollo social, al cual defiende a capa y espada hasta lograr que se haga justicia (pese a que en la película, dicha justicia es pintada como una utopía) y que se castigue a los culpables de daños a una comunidad castigada por la contaminación.
Erin con el abogado que le dió chamba: Edward.
Consigue un trabajo de secretaria en el estudio de abogados, de quien fuera su defensor en un caso particular: un accidente de tránsito que tuvo, en el cual ella demandó al culpable y no tuvo éxito. Por esta derrota, ella le exigió a su abogado chambear en su estudio. Tanto insistir e insistir.....logró convencerlo y lo que inició como una simple chamba de secretaria, terminó con introducirse a un caso de contaminación del agua que ha causado diversas enfermedades (incluido cáncer) a la comunidad.
Esto hace que Erin conozca más de cerca a los afectados, dialogue con ellos y sienta el dolor e impotencia que éstos tiene, ya que la justicia no ha hecho nada por ayudarlos.
Erin y George, intentando ser una "familia".
El estar muy entrometida en este caso, hace que la relación que lleva con George, un motociclista a quien conoce recién y con quien se siente apoyada para el cuidado de sus tres hijos, se diluya por la ausencia notoria de él.
Erin es lo que llamaría la encarnación perfecta de la madre luchadora. Se da cuenta que debe intentar llevar una casi doble vida. Aquella de la madre que engríe a sus hijos, que pasa el tiempo necesario con ellos, y aquella mujer que intenta servir al prójimo, ayudándole en lo que puede, más aun si está laburando en un estudio de abogados que puedo abogar por su caso y luchar hasta el final por lograr que la justicia llegue a ellos.
"Erin Brockovich" es Julia Roberts. Así de sencillo. Su manera de interpretar a la madre luchadora es formidable. Hace reír cuando dice las cosas como son, cayendo en vulgaridades y lenguaje soez, pero es así como la gente se expresa y ella no tiene porque ser la excepción. Brillante actuación de la Roberts y brillante el desempeño tras de cámaras de Steven Soderbergh, que una vez más yendo por la senda del guiño indie, nos pone una historia ágil y entretenida sin caer en aburrimientos ni vacíos.
Una película que premió con un Oscar a Julia Roberts, y preparó el camino para que Steven Soderbergh ya sea de una vez reconocido como lo que es, un gran director. Pero esto llegaría en un próximo proyecto....
Luego de haber dirigido tres películas que podrían etiquetarse como "películas para todas las masas", como eran el caso de "Good Will Hunting", el remake de "Psicosis" y "Descubriendo a Forrester", pareciera al director norteamericano Gus Van Sant le jodió ese paso por el cine "comercial", dejando de lado su estilo personal y su manera de pensar cine. Y digo esto porque de ahí llegó "Gerry" que fue una pasteleada que se metió Van Sant, olvidando por completo las historias de superación que brillaban en dos de sus tres anteriores films. Y para que la crítica y público pensara que "Gerry" fue solo un breve desvío, dirigió "Elephant", con lo cual volvió a ser aquel prometedor y gran director de cine que es considerado en la actualidad.
John caminando por los pasillos de su colegio.
La historia está basada en hechos reales, que en aquel entonces conmocionaron a la sociedad norteamericana: la matanza en un colegio gringo. La manera como nos muestra los hechos, es excelente. Nos presenta historias dentro del colegio, horas antes (incluso días) del siniestro. John es el muchacho al cual la cámara sigue en casi toda la película. Él pasea por los pasadizos del colegio, en donde se cruza con casi todos los implicados en la trama, dejando ver la perspectiva que quería transmitir el director. Los diálogos no son tan brillantes ni tan interesantes. Lo bello que se llega a sacar de ellos, es la forma tan simple y tan común como se realizan. Es tal como si fuera de la vida misma, por decir, si fuera una cámara que documentó los hechos horas antes de la matanza.
En su camino se cruza con varios personajes, relacionados en la historia.
Van Sant plantea conversaciones normales entre estudiantes de colegios norteamericanos de aquellos años (no tan lejanos) en donde se tocan temas de drogas, homosexualidad, sexo y familia como si nada, sin tapujos ni inhibiciones. Esto le da el toque maestro a la película, que acompañada del tipo de lenguaje cinematográfico que empleó el director, me hacen catalogarla como una obra de culto, de las tantas que ya ha creado Gus Van Sant, quien es homosexual confeso y siempre ha intentado tocar temas relacionado con ésto, sin mayor exageración y con demasiado tino.
John y su padre.
Muy aparte que nos presenta historias de sobrevivientes a la matanza, de chicos que no pudieron escapar de aquella, vemos en paralelo la historia de los culpables. De los "asesinos", quienes surgieron de una especie de depresión o de exclusión social en la cual se veían inmersos (ambos eran homosexuales, como lo plantea la cinta). Su extraño odio hacia el sistema, reflejado en la escuela, es manifestado en la actitud que toman frente a ella. El comprar armas de fuego, ver mucha sangre vía TV y sentirse excluidos de una vida social que ellos mismos detestaban.
"Elefante" no usa la historia real como para vender una película llena de sangre, suspenso y acción, nada que ver. Van Sant intenta ir más allá y lo logra de gran manera. Vemos la conducta de los jóvenes (edad favorita de las historias de Van Sant) que sienten y piensan diferentes a los adultos y que no pueden cargar el peso de ciertas discriminaciones y prohibiciones. El nombre de la película esta basado en una frase de origen inglés, que en castellano es "Elefante en la habitación", que significa sobre aquellos grandes problemas que todos ignoramos. En este caso, es un problema social..... que tuvo las funestas consecuencias que de gran manera Van Sant narra en su película.
Ganó la Palma de Oro y Mejor director en el Cannes del 2003.
Hace un tiempo atrás, cuando estaba en boca de todos "Paranormal Activity", se hablaba de su bajo costo y de lo rentable que fue esta película para su director, quien invirtió poco y ganó demasiado. Pero, en verdad era la más barata de todas las películas en la historia del cine? Entonces comencé a buscar, a investigar, a googlear. Muchas películas, sean buenas o malas, tienen siempre el adjetivo de "bajo costo" como plus para que genere morbo y la gente acuda a ver como es el cine de ese modo, ya que suena a que una película cualquiera la podría realizar. Es así como me topé con esta película que costó solo 70 dólares, y es de origen británico. El director galés Mac Price solo usó 50 euros para su realización y contó con un grupo de entusiastas asiduos a las redes sociales, que se prestaron para actuar en el proyecto de manera gratuita.
"Colin", la película que costó 70 dólares.
Los equipos de filmación fueron prestado o alquilados y se nota a lo largo de la película, lo precario que fue la situación técnica en todo el film. Aún así, la historia me pareció pasable y jamás vi a un zombie tan humano como éste. Y es que la acción comienza desde la primera escena, cuando vemos a un Colin que ha sido mordido por un zombie y comienza a transformarse en ese tipo de especie subhumana.
"Colin" enfoca el cine de terror o de "zombies" desde la perspectiva de ellos. No hay una causa que explique su origen, ni una manera científica que cuente el porque vemos dichos zombies en la historia. Todo inicia con ellos como parte de nuestra naturaleza, en una guerra entre humanos y zombies.
Zombies por doquier.
El guión no es tan bueno. Prima la acción, la sangre y el enfrentamiento entre humanos que buscan sobrevivir y zombies que buscan comérselos. Entre toda este ambiente apocalíptico, la cámara muestra a Colin buscando una salida a su caótica existencia.
Su familia intenta ayudarlo, pero se dan cuenta que es imposible que puedan hacer algo. Así es como vemos que la vida de Colin deja de existir para pasar a enrolar las filas de los zombies que deambulan x las calles de Inglaterra en busca de comer seres humanos.
Los efectos visuales son sencillos y algo escasos, abunda más el maquillaje y la utilería para hacer creíble ciertas muertes y cierta sangre que por algunas escenas ha de correr.
Para costar 70 dólares está bien, sobretodo en lo que se quiere contar que me pareció original. No siempre vemos la situación que atraviesa un zombie, lo que siente y lo que mira hacía adentro. Colin puede ser visto como un chico poseso y que debe seguir a la corriente (atacar humanos) pero no es así. El aún almacena recuerdos y todavía puede sentir, y es en la película en donde se nota ésto.
Colin intentando escapar de su infierno.
Como dije antes, el guión no será fenomenal ni amplio en texto, pero la forma como se enfoca el problema que atraviesa el protagonista, no necesita de diálogos extensos.
"Colin" causó sensación en varios festivales y tuvo un boca a boca fructífero. El solo hecho de tener un bajísimo costo de producción, hizo que muchos se interesaran en la película, ganando masividad y siendo distribuida en varios países europeos y en festivales del viejo continente y Estados Unidos. Al menos, el director tuvo la fortuna de ganar 10 veces más de lo que gastó como producción.
Es interesante verla, ya que muestra una faceta diferente en cuanto a pelas de zombies se trata. No es la clásica de la raza humana vs. la estirpe zombie. Es algo totalmente diferente. No hay un inicio (con causas aparentes) ni un final. Es simplemente la historia de Colin, un zombie que intenta vivir en medio de su infierno.
Uno de los libros que más recuerdo del gran Jose Luis Saramago es sin dudar "El ensayo sobre la ceguera", el cual me sorprendió en cuanto a historia y desenlace. Varios años después de haber sido publicado el libro, el director brasileño Fernando Meirelles ("Ciudad de Dios", "Jardinero Fiel") se lanzó al proyecto de llevar al cine esta obra del escritor portugues, quien había ganado un Premio Nobel el año 1995 gracias a este título.
Con la alternativa de nombre ya planteada, "Blindness" es una adaptación regularona que intenta transmitir la misma sensación que uno sintió al leer el libro.
La mujer del médico ayudando a los infectados.
Y aquel que no lo haya leído, es probable que tenga una buena impresión de la película en sí. La historia nos narra un hecho sin precedentes que está ocurriendo en varias ciudades del mundo: una epidemia de ceguera.
Inicia con solo un pequeño grupo de infectados, para luego extenderse por todo el mundo, dejando a su paso una extraña blancura en los ojos de los infectados. Ellos solo pueden ver algo muy blanco, muy saturado, que les impide ver. Como si se les hubiese colocado esta alfombra blanquesina por delante, que no posibilita la visión normal que hasta ese entonces tenían.
Esto se inicia con la infección de un joven manejando un carro, y se extiende hacía el doctor que vio su caso. Así, poco a poco, se va transmitiendo el "virus"
La prisión de los ciegos.
por cada una de las personas con las que el primer "ciego" tuvo contacto de manera directa o indirecta.
El gobierno decide crear un espacio en donde se aísle a los pacientes, para que así no se sigan contagiando a más personas. Este albergue, que más parece una prisión, recibe a los primeros infectados, entre ellos a la esposa del médico quien es la única a la cual la ceguera no la afectó. Ella decide ir a dicha prisión, para proteger a su marido y cuidarlo. Es a partir de este momento en donde vemos lo tan necesario y hasta dependiente que es el ser humano a su visión. Sin ella es como si viéramos a un cadáver andante o a una persona que ha perdido todo tipo de facultades y llegara a ser similar a una planta o animal salvaje.
La mujer de gafas oscuras, interpretada por Alice Braga.
Lo inhumano también se manifiesta con la forma como el gobierno actúa. La manera como separa a los enfermos de la sociedad, es tan pero tan torpe, que se siente la poca importancia que a veces se le da (en el trato) a un enfermo, olvidándose por un instante, que éste también es un ser humano como el resto.
La ceguera aparece como castigo divino, ya que no se sabe ni el por qué ni el cómo apareció esta epidemia ni qué es lo que la ha causado.
"Blindness" intenta ser fiel al libro en cuanto a la historia, sin perturbar de manera superlativa el relato original. No se le agrega ni quitas extractos fundamentales del libro, pero pareciera que faltara algo más de tiempo.
Me gustó más el libro (para variar) pero no le hecho tierra a la adaptación de Meirelles, ya que intenta transmitir lo que el percibió de la novela. En todo caso, lo suyo es un trabajo nada criticable. La ceguera abunda en todas partes, solo que teniendo visión para ver, no vemos los problemas que a veces el mundo tiene presente e intentamos obviarlos, siendo nuestra peor condena la indiferencia.
La noticia que ha "sacudido" el ambiente cinéfilo en Lima, es la llegada del gran John Malkovich, para una puesta teatral que tendrá lugar en San Isidro. Y lo cómico del asunto, es leer varios medios de información (webs sobretodo) en donde catalogan al actor como el "protagonista" de Transformers 3. Osea, dan a entender que es su trabajo más loable, obviando por completo su rica filmografía. Pero bueeeeeno......estamos en Lima, y es muy probable que la gente solo conozca a Malkovich por ese tipo de trabajos (felizmente no lo destacaron por su actuación en "Jonah Hex", ya que sería el colmo). La película dirigida por el quemado de Spike Jonze, es una cinta que debe tener mayúsculas el adjetivo de ORIGINAL. Y es que la historia es hilarante y muy creativa desde cierto punto.
El túnel descubierto, para acceder a la mente de John Malkovich.
Era el debut de Spike Jonze como director, y el de Charlie Kaufman como guionista, el dueto dorado que entregarían más films de gran valía posterior a ésta.
Y es que "Quieres ser John Malkovich?" es una película algo sacada de foco, porque cuenta la forma como una persona encuentra un tunel "temporal", en donde se puede transportar hacía la mente del famoso actor John Malkovich (personaje que él mismo interpreta). Es hilarante desde un inicio, cuando Craig (el díscolo de John Cusack) encuentra un "piso" entre dos pisos, osea, es un pisco escondido. Craig chambea en lo que se refiere a manejo de marionetas y consigue un trabajo como archivero en una empresa en Manhattan. El piso donde debe trabajar se encuentra incrustado entre dos pisos. Desde ahí, la película ya me pareció hilarante.
Craig chambea en un piso muy particular.
Lo destacable del guión es que pese a que la historia en sí sea muy alocada y ciertamente irreal, el tino con que la manejan es tan bueno, que no me dejó la noción de ver una quemadez mal hecha o una comedia bizarra sobre algo que podría denominarse "estúpido". No, nada que ver. Jonze desenvuelve a sus actores tan bien, que en ningún momento se me pasó por la mente que lo que veía era disparatado.
Aún no encuentro el significado o concepto oculto que el director quiso transmitir, ya que el hecho de encontrar un sendero que te permita transportarte hacía la mente de una persona, es una señal clara de que algo se te quiere comunicar.
El genial John Malkovich.
Es importante resaltar la aparición de varios actores, quienes hacen cameos decorosos que ponen cierto aire gracioso a la película. Cameos como los de Brad Pitt, Sean Penn o Wynona Ryder como simples extras.
La actuación de Malkovich no es brillante, pero es interesante saber que se presta para este tipo de proyectos, con lo cual demuestra su manera tan camaliónica para la interpretación, en donde se le ha visto en infinidad de papeles, uno más diferente que el otro.
Una película que fue bien acogida por la crítica, sobretodo por su guión tan original, que le valió ser nomidada a un Oscar de la Academia. A mi me divirtió demasiado.
Aunque parezca difícil de creer, esta película es de nacionalidad sueca, con ayuda de capitales alemanes y daneses. Y claro, es realizada tanto en Nueva York como en Tailandia, por actores que no son precisamente de nacionalidad sueca, mucho menos alemanda o danesa. Esto puede sorprender a algunos, pero ya estamos acostumbrados a ver películas de este estilo, que son coproducidas por varias productoras y que cuentan con un elenco bien variopinto. De todas formas, su contenido no es alterado por esta mezcla de culturas y nacionalidades. El problema a tratar podría ocurrir en cualquier parte del mundo, al cual nadie es ajeno.
Una familia feliz.
Y es que "Mammoth" no es necesariamente una película que trate algo acerca de aquellos gigantescos mamíferos que desaparecieron hace miles de años, es mas bien el retrato de una familia y los efectos que se producen cuando el núcleo familiar se desintegra. Así es como yo la vi, a manera personal.
Una familia economicamente estable, con Leo (padre de familia) que maneja una importante web de juegos y Ellen, quien es una médico cirujano que salva vidas en un importante hospital de Manhattan, barrio en el que viven al lado de su pequeña hija Jackie, quien es cuidada por Gloria, una nana oriunda de Filipinas, quien se encarga de la pequeña mientras los padres trabajan.
Así como ven, es una familia común y corriente.
Jacky y el apego a su nana filipina.
Qué hecho podría alterar esa armonía familiar? Pues bien, a Leo lo mandan de viaje a Tailandia, para firmar un tratado de expansión de su página web, y debe viajar para buscar la firma de los capitales tailandeses que desean invertir en su creación.
Este viaje tiene una duración algo extensa, con lo cual Ellen se queda sola y descubre los problemas que hay en la familia y que una ceguera de felicidad le había ocultado.
Esto es el hecho de que por mucho trabajar, descuida a su hija, quien siente mucho apego por su nana. Otro sendero que toma la película es la vida de dicha nana, ya que Gloria tiene dos hijos en Filipinas, quienes son cuidados por su madre.
Al tenerlos lejos, se produce una nostalgia por parte de ella y una ausencia fatal para los niños, quienes extrañan demasiado el yugo maternal.
Leo conociendo a una muchacha tailandesa.
Leo en cambio, se siente solo en Tailandia. Lo lento que es el procedimiento de trabajo, hace que se sienta solo y extrañe el calor familiar. Al intentar olvidar aquello y no caer en depresión, decide salir de noche por las playas turísticas de Bangock, hasta que llega a entrar a un círculo de drogas y sexo, del cual no sabe si saldrá.
Así es como noté que la idea principal de la película es cuando el núcleo familiar se quiebra o sufre alguna separación de sus integrantes. Se hace muy difícil cargar con el peso de la familia y darse cuenta los problemas que no son visibles cuando reina la armonía y están completos los integrantes.
Corre el peligro de desintegración, de tomar otros rumbos, una nostalgia que persuade a buscar algún tipo de refugio en el cual se puede olvidar la pena.
"Mammoth" es una interesante película sobre la familia. No le vi otra noción más. Es muy recomendable ver el trabajo de Gael García Bernal, un actor que ya pasó las fronteras del mercado latino y se encuentra siempre activo en trabajos cinematográficos en diversos países del mundo. Y sabe escoger en que proyecto estar inmerso.
Felizmente existen películas como ésta en donde el amor entre homosexuales no es tan tosco ni visiblemente ridículo. Y es que los estereotipos nos muestran siempre parejas gays, en donde por lo general son algo alocados o se visten de manera muy llamativa. Sus relaciones parecen sacadas de algún programa cómico o por lo general, no produce nada de seriedad en el ambiente. He visto buenas películas que toca el tema del amor entre gays de una manera decente y eficiente. Esta cinta danesa no toca al amor entre ellos como algo principal, sino que ya vemos a una pareja establecida y lo jodido que resulta conservar a la pareja como tal.
Jacob y Jorgen, una pareja "feliz".
Jacob y Jorgen constituyen lo que podría llamarse una pareja feliz. Sin tapujos y con mucho sentimiento, viven una relación feliz y con mucha expectativa por el futuro, ya que han acordado optar x el matrimonio, para consumar su amor.
La película nos sitúa en la fiesta de que organizan en donde se dan cuenta que ya deben dar ese paso importante en sus vidas. Pero es justamente en aquella fiesta en donde todo se va al carajo.
Digamos que Jacob no es tan seguro de su homosexualidad, o weno... al menos así parece a simple vista. En una especie de bajos instintos, siente una ligera atracción por Caroline, amiga de la pareja, quien acudió a dicha fiesta y puso en aprietos sentimentales a Jacob.
El tridente protagonista de la película.
La cosa empeora cuando se besan y, como consecuencia, crece un sentimiento de amor en él para con ella. La historia inicia desde ahí, en el casi triángulo amoroso que forman los implicados y la forma como los "amantes" intentan seguir su vida, pese a que ambos tienen sus respectivos compromisos. Caroline es la esposa del hermano de Jorgen, con quien tiene un hijo, pero con el cual vive de manera infeliz y sin siquiera una esperanza de sonrisas en el futuro.
Con todo esto, la vida de Jacob es realmente jodida..... engañar a su novio, sentir cosas extrañas x Caroline (y tirar con ella a cada instante).
Lo que tiene que sufrir Jorgen...
Una película que mezcla comedia, drama y romance de buena manera. Y es que poner como acto principal a una pareja homosexual, es de por sí ingeniosa y atrevida, pero con ese tino tan correcto y menos exagerado que hacen que la historia sea bien llevada y bien vista.
Lo mejor de la película es pasada la media hora, cuando comienzan a descubrirse ciertas cosas y cuando se pone de manifiesto lo parecidas que pueden ser las relaciones de amor entre heteros y homosexuales.
Nuevamente el cine danés muestra un tipo de cine agradable y que está en otra escala a nivel Europa. Muy feliz debería sentirse Von Trier de ver que sus compatriotas dejan en alto al cine de su patria.
Muy buena película. Recomendable, sobretodo para chicos o chicas de opción sexual diferente al común denominador. Igual.... todo aquel que se precie de ver buen cine, puede verla. Sonreirá y se enternecerá con el final.
Que difícil es que en estos tiempos una película me genere algo de miedo o terror, cuando está etiquetada con ese membrete de película "de terror", cuando lo único que han generado es risa o algo de sorna. Y es que las películas menos promocionadas, son las que más me han sorprendido por su bien atinado sentido de generar emociones de miedo. Y esta película se une a ese séquito de cintas que me han hecho prender la luz y dejarme con imágenes en la cabeza que muy difícilmente podré olvidar. Lo único jodido (y lamentable) de "The Poughkeepsie tapes" es su muy pero muy criticable color de la imagen.
Cheryl Dempsey fue torturada y humillada
durante 8 años.
Pero este defecto es casi causado a propósito, o mejor dicho, es producto de lo vetustas y/o malogradas que se encuentran los videocasettes de donde se extrayeron el casi 60% de las imágenes de la película. Sí, es una de aquellas cintas que basan su argumento en un hecho real, que en su mayoría de casos genera cierto y cierto temor, ya que cuando se ven cosas de horror real, siempre genera temor en el espectador (casi en un 90%).
La historia en un formato documental, nos describe los hechos ocurridos en un condado de New York, en donde misteriosamente aparecieron cintas de videos en una casa abandonada, en donde al parecer, eran torturadas y asesinadas muchas chicas jóvenes, a manos de un psicópata.
Testimonios de policías y agentes del FBI, se
dan en toda la película.
Uno a uno, responsables del caso, familiares, testigos y especiales en psicología, así como el FBI y detectives, son entrevistados a lo largo de la película, narrando cada uno el caso tan particular del conocido como "El carnicero del río", quien secuestraba a sus víctimas, para luego de torturarlas (y al parecer violarlas), descuartizarlas y dejarlas tiradas en un río del lugar.
Mientras cada persona narra los hechos desde como se iniciaron, uno es testigo de estas cintas de video en donde se muestra como el homicida torturaba a sus víctimas, hasta después matarlas.
Lógicamente las imágenes son crudas y de espanto....
Una escena de los videotapes, en donde el
psicópata muestra toda su locura.
Pero toda la historia varia cuando el psicopata secuestra a Cheryl Dempsey, una joven que es víctima de las peores torturas durante 8 largos años.
Mientras la policía busca al asesino, siguen apareciendo cadáveres, sigue sin aparecer rastros de la joven y sigue la incógnita de saber quien carajos es el famoso "Asesino del río".
Poco a poco nos sumergimos en esta escala de miedo y suspenso que el "documental" nos presenta. A mí me absorvió, y el final es de intriga total.... y te deja con esa duda de...¿qué pasó?
Sin mucha publicidad ni mucho bombo y platillo, "The Poughkeepsie tapes" se presenta como una buena alternativa para experimental el miedo a veces de realismo y un poco de brutalidad. El director cuidó de que las imágenes de los videotapes presentadas, no fueron tan gore ni tan aterradoras. El solo hecho de presenciar a una persona tan loca y desquiciada como el psicopata este, genera el suficiente miedo de creer que gente así, abunda en todas partes.
Estrenan en Lima esta interesante película dirigida por un director carismático y peculiar como lo es Cameron Mitchel ("Shortbus", "Hedwig..") ya que es todo un honor que algo de él, esté en las carteleras de cine de Lima, en donde rara vez he visto algo de este director norteamericano. Y es que su anterior película ha sido tan polémica, como genial, que ni vistazos de ella hubo en nuestros cines. En esta ocasión, se sumerge en un drama que lo aparta de sus anteriores dos cintas ya mencionadas. Y es que "Rabbit Hole" es un giro de 360 grados al típico trama medio bizarro que ofrecía Cameron en sus dos únicos films.
Becca y la soledad de su casa.
Destaco de sobremanera, el rescate actoral que hace el director, en la participación brillante de Nicole Kidman en la película. Y es que la actriz australiana no venía nada bien escogiendo papeles en las películas en las que venia actuando. En esta cinta, interpreta a una madre, esposa y mujer que ha perdido a su hijo de 4 años en un penoso accidente de tránsito. La manera en como vive la realidad luego de tal tragedia, nos sumerge a un mundo lleno de miedos, nostalgias, tristezas y mucho deseo de venganza oculto. Aquel que yace en una pasmosa tranquilidad y que explota en el recuerdo que tiene del como murió su pequeño hijo, señalando como culpable a Jason, un adolescente que tuvo la desdicha de ser participe y principal culpable de la muerte del niño.
Becca y Howie, intentando empezar de nuevo.
Y es que Becca no mide para nada las consecuencias que pueden llegar por culpa de su conducta y su actitud hacía una vida que se quedó en el pasado. La otra cara de la moneda viene a ser su esposo Howie, quien también sienta pena y dolor por la ausencia de su hijo, pero intenta sobrellevar la carga, siguiendo con su vida normal. Lamentablemente, el soporte conyugal no le es suficiente, y siente que estando mucho tiempo en casa, alimenta a la tristeza que lleva por dentro. Obviamente el matrimonio debe sostener una crisis que poco a poco va creciendo, hasta el punto de intentar desaparecer el amor que existe entre ambos.
El culpable que es víctima a la vez.
Interesante la película, sobretodo por la actuación de la Kidman, quien vuelve a demostrar lo buena actriz que es, cuando la exigen con papeles como éste. La labor que realiza es bueno, y por ellos fue nominada al Oscar de este año. Una madre algo depresiva que intenta seguir con su vida normal, pero es presa de sus recuerdos y no puede hacer nada para evitarlos.
Esa obsesión que tiene por buscar culpables en algo que debería estar ya sellado y guardado en el pasado, la tiene tan pendiente de eso, que descuida su matrimonio y a un esposo que aún la ama y que pareciera que busca un desvío o una distracción que le permita ausentarse de la tristeza que inunda su hogar.
Muy buena película. Que bueno que llegó a las salas limeñas y aunque no le auguro mucha audiencia (compite con "Super 8", "Los Pitufos" y "El planeta de los simios"), es interesante ir a verla y tenerla como opción en el cine. Algo de drama bien hecho, siempre es bien recibido por todos.
