BEING FLYNN (2012)

Dirigida por Paul Weitz.

Robert de Niro tiene esa manía de combinar buenas interpretaciones con regulares perfomances. Esta vez me pareció que pasó con nota aprobatoria su actuación en esta película, haciéndola de un hombre viejo borracho, escritor y algo ya loco (por así decirlo), opacando por completo la actuación del joven Paul Dano, quien vendría a ser el otro protagonista. Ambos hacen de padre e hijo, en una historia sobre la herencia de virtudes que a veces vemos en la vida real. Jonathan Flynn es un hombre que vaga por la vida. Siempre pendiente de una botella de licor, Jonathan es problemático y a la vez brillante, ya que tiene ese don de escritor que hace él mismo se diga que es uno de los mejores escritores de Norteamérica, solo que está esperando la oportunidad de sacar su "obra maestra". 

Jonathan entregando un lapicero a su hijo

Abandonó a su esposa y a su hijo Nick hace mucho tiempo atrás, debido a serios líos que tuvo con la justicia. Desde ese momento, Nick se olvidó que tenía un padre y no lo encontró hasta muchos años después, cuando trabajando en un albergue, lo encontró hecho un vagabundo. Nick heredó de su viejo, el don de la escritura.

La historia nos presenta aquella relación entre padre e hijo que resulta a veces medio complicada, sobretodo si es que vemos que hubo un distanciamiento de por medio. Es por eso que se toca un tema delicado cuando ambas partes se reencuentran y el hijo no acepta el hecho de que fue abandonado alguna vez y que a su padre nunca le importó cómo lo dejó.

Nick vivirá confundido un tiempo

Lo de Paul Dano es interesante, porque sirve como buen complemento a la gran actuación de De Niro, solo que me parece que le faltó algo más de presencia y de actitud cuando les tocó compartir una escena juntos.

De Niro es un capo para este tipo de interpretaciones, donde debe hacerla de un hombre errante, que crea problemas en todo instante (sobretodo si es que hay violencia de por medio) y mezclando eso con la habilidad para transmitir que es un tipo astuto y culto. Es por ese punto que la historia tiene un buen punto fuerte, ya que a veces logra ser poco legible debido a que la voz en off se entremezcla entre las voces del padre e hijo.

En suma, "Viviendo como un Flynn" es un relato sobre "lo que se hereda no se hurta" y una manera de decirnos que siempre hay una chance para volver a empezar. Un padre que pese a todo lo que es, busca siempre que su hijo vaya por el camino que él nunca supo aprovechar, sabiendo que heredó la virtud de la escritura. El final deja mucha enseñanza.

Puntaje: 6 puntos

BLOOD DIAMOND (2006)

Dirigida por Edward Zwick.

La sinopsis de esta película era interesante, porque representa un caso real que ocurre en África, un continente pobre pero que guarda riquezas que otros explotan menos sus propios habitantes. Y claro, los africanos no están acostumbrados a este tipo de cosas, lo cual hace que se enfrenten entre ellos, generando guerras civiles y problemas sociales que hoy todos conocemos (así como el auge de dictaduras).

La cinta es aceptable por sus actuaciones. Ya DiCaprio daba muestras de lo buen actor que podía ser, respaldado por la siempre bella Jennifer Connelly y la destacada labor de Djimon Hounsou, quienes conforman el elenco protagónico en un historia donde la guerra por los diamantes es más que obvia.

Danny y la reportera tuvieron química rápidamente

Este problema social en África se ha tocado en el cine siempre, ya que es un hecho rico en explotar y analizar, por los diversos dramas que se viven alrededor de dicho problema. Danny Archer es un mercenario. Un tipo que busca un extraño e inubicable diamante rosa, que al parecer ha sido encontrado por Solomon, un hombre negro que fue separado de su familia y comunidad, para trabajar en los yacimientos de diamante. Y es que esto es algo que agobia al continente negro, poseedor de riquezas que sus propios habitantes no saben aprovechar. Y claro, todo ello siempre deriva en violencia o guerras civiles que ocasionan muerte y mucha pobreza.

En Sierra Leona hay que correr para sobrevivir

La reportera Maddy busca información sobre este lío que hace padecer a Sierra Leona, intentando indagar por todos los medios el foco infeccioso que origina todo ese mal. Es así como conoce a Danny y luego a Solomon, y juntos intentarán ayudarse mutuamente, aunque cada quien con sus propios intereses, siendo el del mercenario, interpretado por DiCaprio, el más codicioso ya que quiere encontrar ese diamente preciado a cualquier precio, porque sabe que le cambiará su vida.
Es así como vemos lo que puede ocasionar la codicia del ser humano en su propia vida. Dichos diamantes por más valiosos que sean, solo le han dado muerte y desolación al pueblo africano.

Puntaje: 6.5 puntos

SIGO SIENDO (2013)

Dirigida por Javier Corcuera.

La música es un factor importante en nuestras vidas. Es el ritmo y la alegría que uno necesita para tener más vida en su vida. Y para un músico, la música es tan importante como el respirar o comer, porque es una droga (sana) que te permite expresar todo lo que llevas por dentro y conectarte con esa maravillosa energía que se transmite en cada melodía. La música peruana es rica por la diversidad que tiene. Cada región tiene su propio estilo, sus propias costumbres y su manera de sentir este arte. Nadie es ajeno a la música criolla, a un yaravi, a un huayno, a la música ayacuchana o a un festejo. Ese arte peruano es el que a uno lo hace sentirse orgulloso de su patria, y verlo traslucido en un documental brillante y emotivo, es para sentirse orgulloso de un cine peruano que brilla en la oscuridad de lo masivo, porque esta cinta (pese a que ha tenido buen apoyo en distribución) no ha sido bien publicitado por los medios de comunicación, aquellos que encumbran a cintas peruanas que sinceramente..... no valen la pena.

En el Bar Juanito

Con solo ver el trailer se sabe que la película es un recorrido por diversos ritmos musicales oriundos de nuestro querido país. Un documental avocado en mostrarnos a los principales impulsores de la música peruana: los músicos. Muchos de ellos en el anonimato pero siempre entusiastas con seguir haciendo lo que más los apasiona. Claro que también está el homenaje a aquellos hombres y mujeres que llevaron bien en alto el arte nacional. Nombre como los de Amador Ballumbrosio, Chabuca Granda, Yma Sumac, Porfirio Vásquez o al escritor Jose María Arguedas (a quien se lo menciona en casi todo el documental), se les rinde un merecido homenaje y un recordaris, para que personas que quizá no los conozcan, sepan de quienes fueron aquellos primeros impulsores de nuestra música peruana.

Susana Baca  mostrando su arte

El artista nacional sufre mucho, sobretodo el músico. Una frase de un músico ayacuchano nos dice que "la música nos sirve para seguir viviendo, el trabajo me sirve para seguir haciendo música", con lo cual se muestra el poco apoyo que recibe el músico por parte de nosotros mismos y por parte de la Industria que prefiere más lo foráneo que lo nacional, pero eso es parte de otra discusión. 

"Sigo siendo" es una bella oportunidad de mirar más allá del panorama que se conoce del arte popular en nuestro país. Es un viaje a través de los músicos, por lugares y ciudades en donde descubrimos costumbres, creencias y vivencias del pasado. Que nos muestra a hombres y mujeres longevas, que con nostalgia recuerdan su época de juventud, sus fiestas interminables, su amor infinito a la música y a aquellos amigos y amigas que ya partieron para continuar con la fiesta en otro lado.

"Sigo siendo" es un gran documental que conmueve y enseña a querer a nuestra patria y a nuestros artistas anónimos, quienes sufren para darle vida a nuestra vida. Para llenar nuestro camino con melodías y ritmos que ellos sienten desde lo más profundo de su ser. 

Pd.- Mi más sincero y profundo homenaje a Felix Casaverde, Carlos Hayre y Manuel Vazquez, excelentes músicos peruanos que fallecieron luego del rodaje de esta cinta. No pudieron ver el hermoso tributo que se les hace a ellos y su arte.

Puntaje: 9 puntos

A KING IN NEW YORK (1957)

Dirigida por Charles Chaplin.

La última película en donde se le vio como actor (luego tuvo una aparición casi fugaz en "La condesa de Hong Kong") es casi una respuesta a la injusticia que se cometió contra él en los Estados Unidos. Cuenta la historia que Chaplin viajó a Gran Bretaña al estreno de "Candilejas", película que dirigiera y protagonizara. El solo hecho de salir del país norteamericano, significó que ya no podría volver. Le negaron la entrada y lo consideraron una persona no grata e implicada en actos comunistas (aquella comisión que incriminó a varios artistas por tener vínculos con el comunismo, lo que se le conoció como la caza de brujas), que el tiempo luego haría notar que fue una gran equivocación.

El rey no tendrá la misma opulencia de antes

Chaplin se ha caracterizado por hacer un cine que vaya acorde a lo social. Que refleje una opinión o un sentimiento que él mismo siente referido a la coyuntura social o algo político que le jode y que simplemente quiere hacer notar en su cine. "Un rey en New York" no se escapa de eso, porque nos muestra a un rey , valga la redundancia, que escapa de una revolución y llega a New York sin dinero y con casi nada de pertenencias, ya que le fue robado por su Primer Ministro (una metáfora de la traición que el sintió por parte de personas de confianza que conoció en los Estados Unidos). Y así pues el rey intentará sobrevivir en un país que no es el suyo y sin el agregado económico que siempre lo respaldó a donde iba.

La secuencia de la escena, es graciosísima

El sarcasmo y la parodia que nos muestra Chaplin en varias escenas, no es otra cosa que una referencia explícita al sistema político norteamericano que perseguía a aquellos artistas que no estuvieran de acuerdo a su doctrina o manera de pensar. Una burla hacía una parte del gremio actoral, que estaba a los pies de dicho sistema, el cual dividió mucho al sector de Hollywood y el cual erró en desterrar a un grande como lo fue Chaplin.

Y claro, siempre fiel a su estilo, la película es una sátira de lo que en ese entonces era el aspecto social de los gringos, que no dejaron que la cinta tuviera mucha difusión en ese país y que solo tuviera llegada en Europa, algo que a claras mostraba el desencanto del gobierno y la industria norteamericana hacía el arte de Chaplin. 

Varios años después, la industria de cine norteamericana quiso sanar el error que cometieron con Chaplin, otorgándole un Óscar póstumo, él cual fue bien recibido por el Maestro y recordado por muchos, ya que el aplauso que recibió fue muy prolongado.

Sirve de mucho ver el cine de Chaplin detrás de cámaras, porque es un cine sincero, que retrata con humor las falencias de una sociedad y que siempre cae bien. 

Puntaje: 7.5 puntos

BLUE VELVET (1986)

Dirigida por David Lynch.

Cuenta la historia, que David Lynch aceptó dirigir "Dune" (propuesta que le hizo llegar el productor Dino de Laurentis), con la condición que éste produciera también otra cinta para el director, que tenga mayor libertad creativa y sea de su autoría, ya que como todos saben, "Dune" era basada en un libro de ciencia ficción. Al final, el resultado de esta cinta ya saben cual fue (una de las más flojas de Lynch), contrastando con lo que fue para el mundo del cine la obra maestra llamada "Terciopelo Azul", que hoy por fin me toca comentarles. 

Y es que con esta película, pienso que comenzó la gran era de Lynch. Aquel cine surrealista que vimos en "Eraserhead" y que se quedó ahí, porque luego vinieron dos adaptaciones cinematográficas que no dieron pie para que podamos observar todo el universo de Lynch.

La bella e intrigante Dorothy

La historia no hace otra cosa más que contar las apariencias y las caretas que vemos en nuestra realidad desde siempre. Y es que las cosas bellas que vemos a simple vista, ocultan por lo general mundos parcos y sin vida que hacen dudar de que tan bello puede ser una simple apariencia física o superficial.

Lynch dirige con maestría la película, llenándola de simbolismos y toques surrealistas que no lucen complejos ni poco entendibles. Maneja muy bien su particular forma de comunicación y se nota que sus personajes se adecuan a lo que su cerebro maquina. Porque "Terciopelo Azul" es una historia que el mismo escribió y el mismo la pudo realizar.

Dorothy oculta un personaje detrás de su apariencia
de cantante

 La escena de la oreja en el jardín debe ser una de las más sugerentes e inolvidables secuencias en el universo de David Lynch. Así como el personaje de Denni Hopper, un ser retorcido y enfermizo que debe ser de los más recordados y detestables del cine gringo de los últimos 50 años. Y es que si la película dentro de su surrealismo intenta comunicarnos algo, es eso de la doble apariencia. Del no exteriorizar lo que en verdad ocurre por dentro. Aquellos deseos o fantasías ocultas que nos hacen ver seres raros y acomplejados. La escena inicial que transcurre en medio de una localidad norteamericana, visiblemente tranquila y apacible, no es otra cosa más que un referente a que no todo lo que brilla es oro, y no todo lo que parece es tranquilo..... es tranquilo.

"Blue Velvet" es una obra maestra de David Lynch y del cine norteamericano en si, que sería el inicio de una brillante carrera cinematográfica de este director, que luego sacaría más obras de igual realce que ésta.

Puntaje: 9.5 puntos

NACKTSCHNECKEN (2004)

Dirigida por Michael Glawogger.

Esta cinta austriaca es demasiado extraña para cualquiera que no sea adepto al cine de Ulrich Seidl (que no es que sea un cineasta imprescindible) no entenderá mucho esta película y es probable que se aburra. La trama resulta convencional en cierto modo, pero la manera como se plasma en la cinta no la hace tan fácil de seguir. Sumarle a ello que es una historia sobre tres amigos que deciden conseguir dinero filmando una porno, pese a que no tienen nada de experiencia en el rubro audiovisual.

Una escena porno trucada

Glawogger lanza una cinta que transcurre en lo correcto pero que muestra un desenlace poco convincente, porque no deja nada para el análisis, siendo lo único rescatable las escenas cómicas que se muestran, ya que la historia trata sobre personajes reales haciendo una película porno de la manera más desastrosa, ya que no tienen ningún tipo de experiencia al respecto. Y claro, si te ofrecen algo de dinero a cambio de que realices un film porno, no lo piensas dos veces, no? Sobretodo si eres un desempleado y esas cosas (que te aburre trabajar y prefieres estar bebiendo una cerveza, mirando tv y saliendo de juerga cada noche).
La película transcurre con un humor medio ácido que no es apto para el público convencional, aparte que tiene toda esa estética y lenguaje audiovisual típico del cine de Europa del Este.

El casting de las actrices, dejó buenas candidatas

Lo bueno es que no cae es planos largos de silencio e imágenes muertas, ya que la historia intenta rozar con la comedia, al ver a un grupo de personas realizando un film porno sin tener mucha habilidad en el campo sexual (los dos tipos son tan comunes y corrientes que no tienen ningún "dote" pornográfico) y con ciertos trucos que hasta ridiculizan al género del porno.
Obviamente que la trama central es el saber si aquel grupo logra culminar con la película y así poder recibir el dinero para seguir con su vida en paz, pero el desenlace no aclara mucho y quizá ese es desencanto de la trama: el no responder la interrogante de toda la historia.
Una película para conocer algo más de aquel cine europeo que sigue una línea trazada por el no convencionalismo y por historias algo no tan comunes en nuestra realidad, pero que por allá de seguro es el pan de cada día.

Puntaje: 5.5 puntos

LA MIRADA INVISIBLE (2010)

Dirigida por Diego Lerman.

Las cintas argentinas ambientadas en la época de la dictadura, no necesariamente tienen que mostrar a los militares en pleno auge de autoritarismo, ni la historia de los desaparecidos ni algo que esté ligado directamente a dicho momento histórico. Lo que vi en "La Mirada invisible" es todo el aspecto social que genera el hecho de vivir en un país infectado de abusos de diversa índole. Y que mejor que mostrarlo dentro de un colegio, donde se plasma todo lo que plantea el gobierno de turno ("la educación es el reflejo de un Estado").

Un presente que intenta ocultar

Maria Teresa es una preceptora, jefa de normas como se conoce acá, que es muy recta y poco pidadosa. Es un personaje algo oscuro porque no se sabe que tipo de persona es fuera del colegio, ya que su estilo de vida es poco claro.

Conforme avanza la historia, se observa con algo de incredulidad que la protagonista es una chica de 23 años que padece ciertos problemas, conviertiéndola en una persona solitaria y hasta medio pervertida. Le excita permanecer oculta y observar silenciosamente a los chicos del colegio, sin que estos se den cuenta que son espiados. Y es que su actitud es rara y nos muestra a una mujer que si bien es cierto tiene un carácter digno de respeto,oculta ciertos gustos que la pueden hacer ver como una "enferma".

Bajas pasiones detrás de una mirada

Y estamos en época de dictadura, en donde la autoridad prevalece y se hace lo que los mandos superiores ordenan. Si hay algo que no gusta, no es recomendable cometerlo. Por eso María Teresa luce como una mujer tímida, que solo impone autoridad y respeto en su trabajo, pero en su solitaria existencia.....abunda la frustración, la infelicidad, aquella imagen de respeto se cae a pedazos y sale a traslucir sus más profundos miedos, así como sus oscuras pasiones que no puede hacer realidad y tan solo queda en una mirada siniestra y oculta, como queriendo guardar a la mujer ansiosa de deseo que hay dentro de ella.
"La mirada invisible" es un retrato del machismo imperante en aquella dictadura argentina, en donde la mujer tenía que guardar sus miedos y pasiones para no salirse de lo dictado por el sistema. Así lo entendí.

THE CONJURING (2013)

Dirigida por James Wan.

Si hay algo que debe causar miedo, es la realidad en sí. ¿Por qué? Porque son los casos reales lo que alimentan ese bicho de que los casos paranormales existen y uno los podría experimentar en cualquier momento. Pero la premisa de "los vivos dan más miedo que los muertos" es básica, ya que a menos que sea un ente demoníaco, los fantasmas por lo general no hacen daño, solo asustan por su mera experiencia (que aún no es comprobada al 100%).

James Wan ya se le podría considerar como un maestrito del cine de terror, ya que varias de sus cintas han tenido mucha atención por parte de crítica y público, quienes nunca han sido ajenos a películas como "Saw" o "Insidious", consideradas como joyitas de los últimos años (solo que "Saw" cayó en el error de las secuelas, más por culpa de los productores que de Wan, quien solo dirigió la primera).

Lorraine examinando un objeto encantado

El director malayo dirige de gran manera "El Conjuro", ya que emplea de buena forma los elementos clásicos utilizados en el género y le da una atmósfera que irremediablemente nos recuerda a cintas que tocan el tema de las "casas encantadas". Y claro, las actuaciones son buenas (la mano del director) y el estilo narrativo igual. Lo que más me llamó la atención es la forma como inicia y finaliza la película. Esa sensación de que estamos ante una historia que te puede hacer saltar de tu butaca, en el inicio, y que estuvimos ante una historia basada en un hecho real (lo cual genera temor), en el epílogo.

Ed y Lorraine Warren se dedicaron a cazar demonios. Él era un demonólogo y ella una vidente. Juntos fueron una pareja que tuvo la fama necesaria como para ser toda una entidad en temas relacionados con lo paranormal.

En pleno rito de exorcismo 

 "El Conjuro" se basa en uno de sus tantos casos y quizá el más difícil y peligroso. Ya con mucha experiencia en casos de este tipo, los Warren acuden al llamado de la familia Perron, quienes habitan una casa que al parecen tiene en su interior, ciertos entes que no los dejan vivir en paz. Los Warren tomarán el caso y se llevarán una sorpresa al descubrir una malévola fuerza que augura un arduo trabajo para ellos.

Su propia vida correrá riesgo, pero ello no impedirá que ayuden a los Perron a retomar una vida normal y alejadas de cualquier tipo de peligro paranormal que les impida vivir felices.

"El Conjuro" es una excelente película del género. Si causa o no miedo es relativo, ya que todos no podemos reaccionar de la misma forma. Lo que si no me queda duda es lo bien que está dirigida, el buen trabajo técnico (sonido, fotografía, montaje) y la aplicación correcta del terror básico. Sin muertes de por medio, sin sangre ni uso del elemento físico, el miedo que se experimenta es hacía algo que no se ve.....eso quizá sea peor para uno.

Se dice que James Wan prepara una especie de secuela de "El Conjuro", pero se basará en otro caso de los Warren.

Puntaje: 8 puntos

THE NOTEBOOK (2004)

Dirigida por Nick Cassavetes.

Lo he dicho y siempre lo diré: aquel que gusta mucho del cine, ve de todo. Yo no soy la excepción a esa regla porque me gusta mucho mirar todo tipo de películas y crear en base a esa experiencia, mi propia opinión. No soy de hacerle mucho caso a los críticos ni repetir sus opiniones. Es por eso que en este blog van a encontrar todo tipo de cintas. Una de esas que jamás me imaginé que miraría es "The Notebook", porque siempre la creí más predispuesta para las mujeres. La típica historia romántica de una pareja que sufrió para ser feliz porque tenían diferencias en su rango social.

El anciano que leía una historia de amor

Rachel McAdams es la reina de la comedia romántica en la actualidad, lo que me sorprendió es encontrar a Ryan Gosling en esta historia, porque ahora está avocado a otro tipo de films, en donde ha demostrado lo excelente actor que es (falta que lo reconozcan para consagrarse). Ambos protagonizan una historia que conmueve en su final, por la forma como se siente aquel "amor eterno" que muchas veces vemos en nuestros padres o en parejas que permanecen juntas hasta que la muerte los separe. 

Me hizo recordar mucho a "Amour" en ciertos momentos, solo que "Diario de una pasión" tiene una fuerte carga emotiva que logra diferenciarse notoriamente con la cinta austriaca. Y es que el romance surge a muy temprana edad para Noah y Allie, cuando en el verano de 1940 se conocen y nace el amor entre ellos. Esta historia es contada por un anciano que le lee un libro a una señora, con la finalidad de contarle un relato que conmueva sus entrañas.

Allie y Noah, un romance que luchó contra todo

Y vaya que existe mucho romance en sus imágenes pero me quedo con el final, ya que es la muestra de amor más sincera y real que pude sentir. El resto de la historia cumple sus objetivos pero no me llega a conmover. Debe ser por lo repetitivo del argumento que he visto en tantas otras películas (eso de que la chica es rica y el chico es pobre, se ha visto hasta en novelas), así que uno se imagina que el final debe ser feliz, osea, la pareja permanecerá junta pese a todo. Claro que para ello, deberán pasar años sin verse, problemas de indecisión y la no aceptación de los padres, pero el amor no se pierde. Igual me quedo con el final, en donde se descubre la identidad de los ancianos y el deseo oculto del viejito, que fue lo que más me conmovió.

"Diario de una pasión" tiene lo suficiente para ser la cinta favorita de las chicas de todo el mundo, por el romance que cualquier mujer en el mundo quisiera tener. Lo suficientemente emotiva como para despertar lágrimas y actuaciones correctas, fallando quizá en ciertas escenas que estuvieron demás y en una actuación no tan sobresaliente de la protagonista. Después de todo, es una cinta que se centra en el contenido romántico, que algunos detalles.... pasan desapercibidos.

Puntaje: 6.5 puntos

NOTTING HILL (1999)

Dirigida por Roger Michell.

Si hay algo que me gustó mucho de esta película es el ambiente inglés de la misma y las buenas actuaciones de su elenco en general. Aparte de eso, el romanticismo se respira por doquier y de forma auténtica, sin caer en exageraciones ni ser tan superficial. Es una historia casi irreal pero que a su vez se siente tan natural, sobretodo por la manera en como interpretan sus personajes Julia Roberts y Hugh Grant, los responsables directos de que esta comedia romántica sea una de las mejores que he visto en los últimos años. Y claro, me gustó mucho por su estupendo soundtrack, por sus frases para el recuerdo, escenas que parecieran sacadas de un poemario y muy buenas actuaciones.

Un romance que no conocerá de flashes ni luces

La historia es sobre una gran actriz llamada Anna Scott, que entra a una librería y conoce al dueño, William, con quien inicia la aventura romántica de sus vidas.

Y es que para el amor no existe ningún tipo de condicionamiento y a veces las historias que vemos en películas pueden ser tan ciertas, así como las coincidencias tan extrañas que ocurren dentro de ella, en la realidad se dan y siempre con la persona indicada. Uno ve este tipo de cintas como exageración del género, pero en "Notting Hill" no se percibe nunca eso, por la manera como van fluyendo los hechos. Lo de Hugh Grant me sorprendió por interpretar a un personaje tan humano, tan noble, tan sensible, que siente mucho al amor dentro suyo y no lo toma como cosa de juego. Y por el otro lado, está su amor imposible, Anna Scott, una actriz famosa en el mundo del cine, inalcanzable hasta cierto punto pero con ese punto que siempre la asemeja al resto de seres humanos: es una mujer de carne y hueso.

Se respira amor en el ambiente

El elenco que los secunda no es conocido, pero lo hacen de gran manera. El ambiente británico adorna con tino el romanticismo que se intenta transmitir. Por un momento creí que veía una cinta de época por la forma como la historia iba recorriendo las calles londinenses, y claro.... la calle protagonista en donde dos personas diametralmente opuestas encontraron el amor. El punto es saber como la fama de una actriz conocida mundialmente puede ensombrecer una relación que se forma desde lo más profundo del corazón. Y esa naturalidad es lo que irradia en cada escena, en cada mirada de sus protagonistas y en los diálogos que se dan.

En suma, "Notting Hill" es una correcta cinta del género, que debería servir como influencia para tantas otras que pululan en el mercado. Le seguiré el rastro a Roger Michell, porque tiene talento para dirigir este tipo de cintas.

Puntaje: 9 puntos.

DÍAS DE SANTIAGO (2004)

Dirigida por Josué Méndez.

Cuando terminé de ver esta película, lo primero que se me vino a la mente fue: "En serió este director filmó "Dioses"?" Y es que me parecía increíble el cambio de giro que dio, porque "Días de Santiago" nos muestra a una Lima actual, sin maquillaje y una realidad social que se percibe en el tema que se trata: la vida de un ex-combatiente militar. Y es que el Estado se olvida por completo de aquellos hombres que alguna vez pelearon con el objetivo de defender la soberanía nacional y combatir al terrorismo que tanto daño le ha hecho al país. Santiago es parte de ese gran grupo de jóvenes (y no tan jóvenes) que dejaron la actividad militar para adaptarse a una vida social, sin ningún tipo de apoyo del Gobierno y en el olvido total en todo sentido.

Santiago mira con desconfianza a la ciudad

El sufrimiento que padece Santiago se nota en sus impulsos, en su paranoia, en esa frustración de no poder adaptarse a la sociedad, de no tener los medios suficientes como para salir adelante. Su conducta se vio ametrallada por todo el tiempo que pasó en el cuartel y en los combates a manos armada. Su paciencia y su mirada no tienen paz. Recorre la ciudad como si fuera un extraño y ve a todos como personas que le quieren hacer daño, así que en vez de caminar pareciera que huye. Esto se añade al hecho de que no puede entablar vínculos sociales con gente que recién conoce, por el hecho de no tener tolerancia y perder los papeles rápidamente (se vuelve muy violento a causa de sus impulsos). Todo ello es una especie de radiografía de una persona que volvía muy herida de su paso por la Marina de Guerra del Perú.

Ex-combatientes y un drama que padecen en la realidad

La historia está filmada en blanco y negro, así como a color. No pude descifrar con exactitud el significado de la alternancia de ambos tipos de imágenes. Me imagino que es la realidad y lo que ve Santiago, como si deformara la percepción de los hechos que ocurren a su alrededor.

Y es que a Santiago no le ayuda mucho el tipo de sociedad en donde vive. Una sociedad violenta, facilista, sin valores y con mucho prejuicio. Todo eso empeora su mente y lo vuelve un ser irracional, así como a sus demás compañeros de promoción, quienes creen que la mejor manera de sobrevivir es cometiendo asaltos y emplear todos los conocimientos aprendidos en la Marina (estrategias, manejo de armas, agresividad).

"Días de Santiago" es una muy buena película peruana que explora la psiquis de un ex-combatiente y que nos pone ante un hecho que ocurre en Lima y en algunos lugares del país: el problema que viven las personas que alguna vez sirvieron a la Patria y que hoy yacen olvidados.

Puntaje: 7 puntos

BOLIVIA (2001)

Dirigida por Israel Adrián Caetano.

Había visto "Oso Rojo" y "Crónica de una fuga", cintas de este director argentino, y quedé con esa sensación de seguir viendo más películas de su autoría. Me atreví a ver su ópera prima porque me llamó mucho la atención su sinopsis y porque Caetano está muy familiarizado con hacer notar en su cine aquella problemática social existente en la región. Lo que pude observar es una película con un ritmo excelente, que pareciera sacada de la vida misma y que me contó como es la realidad social de Buenos Aires con respecto a los inmigrantes que en su ciudad trabajan. Todo lo que deben sufrir y la crisis que abunda en Buenos Aires, tanto económica como de valores.

Freddy tendrá que soportar todo tipo de ofensas

Freddy es un boliviano que llega a Buenos Aires con el sueño de trabajar y sacar adelante a su familia que dejó en La Paz. Consigue un laburo como parrillero en un bar-restaurant. Pese a que no tiene permiso legal para trabajar, se la ingenia para conseguir el puesto. 
Toda la película transcurre en dicho lugar, en donde vemos a diversos personajes de la ciudad, en su mayoría taxistas, que se detienen en un momento del día a disfrutar de una café, de una cerveza o de un choripan, mirando una pelea de box o un partido de fútbol. Cada uno de ellos con sus problemas que siempre tienen que ver con la crisis económica que afectó a dicho país a inicios de este siglo.

Rosa es la paraguaya que también labura en el
mismo restaurant

Freddy es tratado como un animal. Pareciera que por el hecho de ser boliviano o de otro país lo hace inferior al resto, pese a que son del mismo continente. Rosa es una paraguaya que trabaja también en dicho lugar. Ambos sienten la manera como son mirados con desprecio, tratados como brutos o simplemente ignorados cuando tienen algún problema. 
Es una cuestión de discriminación que ocurre en Buenos Aires y que es duro para ellos reconocerlo. Lo más gracioso es que al inicio de la película, cuando el encargado del restaurant entrevista a Freddy, termina la entrevista preguntándole: "Y usted es peruano, no?", respondiendo el protagonista: "No, soy de Bolivia". 
Esta fue la ópera prima de Israel Caetano, con lo cual empezó con el pie derecho su carrera en el cine, mostrando una realidad existente en varias ciudades sudamericanas. 

Puntaje: 6.5 puntos

Una escena de la película, ya que no hay trailers disponibles.

ANATOMIE DE L´ENFER (1990)

Dirigida por Catherine Breillat.

Diría que es un extraño experimento que realizó la directora francesa para mostrarnos sobre aquellos secretos que tienen tanto los hombres como las mujeres en la sexualidad, y claro..... muchos de ellos son retorcidos o son algo fuera de foco. Y que mejor personaje para que esté en una película de la Breillat, como ésta, que Rocco Sifredi, el actor porno más reconocido a nivel mundial en ¿los últimos 25 años?

Observar lo que una mujer oculta

Y es que su personaje, un homosexual, es el principal "psicólogo" de una mujer que quiso suicidarse si no fuera porque este hombre le salvó la vida. A raíz de ese hecho, ella le confiará un trabajo que quisiera hacer para su vida misma: que durante cuatro noches la acompañé en una habitación y la observe detenidamente para llegar a descubrir a fondo lo más oscuro de su sexualidad. Lo defino como la búsqueda de las más íntimas pasiones sexuales de una mujer, causadas por la atenta y penetrante mirada de un hombre. Y es que las mujeres, algunas me imagino, reaccionan ante sus estímulos sexuales de acuerdo a lo que más desean los hombres que las observan.

Así es como vamos viendo una especie de experimento y atrevimiento de la directora francesa por mostrarnos esos oscuros secretos sexuales que todos 

Ella intentará darle sentido a su vida

ocultamos dentro nuestro y que solo en la intimidad salen a relucir. Aquellos que en la vida pública muestran recato y cierto pudor, pero que encerrados en cuatro paredes pueden convertirse en unas bestias salvajes, sedientas de mucho sexo, poseedores de una variada y extraña forma de practicar el coito, sin vergüenza ni miedo. Es aquello en lo que la Breillat le pone énfasis a su historia, en donde la pareja protagonista de a pocos se va mostrando más cercana, más confiable y más desenvuelta, para llegar a explorar la sexualidad en su punto más recalcitrante.

Está demás decir que esta director siempre tiene a la sexualidad como tema fundamental en su filmografía, pero no de una manera erótica o pornográfica, sino que nos muestra los factores que afectan a la conducta del ser humano, vistos desde la sexualidad. Es decir, que nos muestra algo más psicológico que físico, claro que en algunas oportunidades los desnudos son un fuerte de la historia. Y en esta película Rocco demuestra que no tiene problema alguno en desnudarse frente a cámaras.

Puntaje: 6 puntos

BLACK SNAKE MOAN (2006)

Dirigida por Craig Brewer.

Si hay un actor que es polifacético, ese es Samuel Jackson. Cintas de acción, de drama, de súper héroes, de ciencia ficción, de terror, de western, de autor, de carga erótica y un largo etcétera. Y claro, no obviar la labor de Christina Ricci, quien en esta película se destapa por completo para beneplácito de sus fans que de hecho debe tener. 

Y bueno, la historia  no es gran cosa. Lo que vende la película es lo espectacularmente sexy que aparece la Ricci, quien interpreta a una joven con serios trastornos psicológicos (es ninfómana) y se cruza en el camino de un hombre religioso que intentará sanar su alma.

Seductora y provocativa la Ricci

Lo sexy que luce en el trailer la protagonista, llama mucho la atención y es un gran gancho para ver de qué trata. Los errores están en que no termina de cuajar bien la historia. No logré creerme bien el problema de Rae, una chica que sufrió mucho de pequeña y que ya siendo adulta, se volvió ninfómana, pese a que tenía una relación de noviazgo con Ronnie, un joven que debe partir para enrolarse en la Guardia Nacional de la ciudad. Esta ausencia motivará que la joven Rae comience a tener noches muy agitadas, hasta drogarse en una fiesta y tener relaciones con varios hombres.

Pues bien, la actuación de la Ricci no es muy convincente. Hasta cierto punto exagerada y no me creo mucho ese personaje que intenta mostrarnos. De otro lado, el conflicto interno que padece, no logra ser del todo claro y entendible,

La música le ayudará mucho

ya que por momentos lo religioso se antepone para intentar sanar algo que está ligado por completo a lo psicológico. Pero bueno, eso es un tema aparte, ya que la película intenta mostrarnos como el amor intenta salvar a la joven de un futuro sombrío e incierto.

Y es ahí donde también hay errores, porque el papel de Justin Timberlake no tiene la suficiente relevancia, notándose que recién estaba haciendo sus primeros pininos en la actuación. Lo más destacable es lo de Samuel Jackson, porque su personaje llena la pantalla por completo. Aparte de hacerla de una especie de granjero religioso, también la hace de un músico de blues ya retirado, que en base a su arte logra que Rae se encuentre consigo misma.

Y claro, el granjero vive un drama personal muy aparte de lo que intenta hacer por "curar" a Rae de su "enfermedad", ya que perdió a su mujer a causa de una infidelidad que lo convirtió en un hombre amargado y casi antisocial. 

Vuelvo a repetir, el gancho que tiene esta película es lo agresiva y seductora que se muestra la Ricci en los traileres que tiene la película. Su desfachatada actuación provoca echarle un vistazo a la película y darse cuenta que pese a fuertes dosis de erotismo por parte de la actriz, la historia pasa sin pena ni gloria por la mirada cinéfila de una persona.

Puntaje: 4.5 puntos

THE CALL (2013)

Dirigida por Brad Anderson.

Una historia que te mantiene en vilo por un buen rato pero que no supo mantener ese ritmo hasta el final, no supo detallar más acerca de ciertas cosas que el espectador quería entender y que erró en su desenlace que no pudo ser el más idóneo. Después de todo, esta cinta protagonizada por la oscarizada Halle Berry te mantiene pegado a la pantalla y a lo que sucede gracia a una buena dosis de suspenso y vértigo.

Anteriormente el director había sorprendido gratamente con "El Maquinista", así que la sinopsis de esta cinta me deparaba algo de adrenalina y emoción. El hecho de que se cuenta la historia de una chica secuestrada por un tipo que padece algún trastorno psicológico. La llamada de Casey al 911 alerta a Jordan (H.Belly), una tele operadora que vivió algo parecido hace un tiempo atrás, solo que no tuvo un final feliz.

Jordan tendrá que ayudar a salvarle la vida a
una chica secuestrada

El director te lleva al ritmo que impone, sin irse por las ramas ni ser tan exagerado. La película tiene sus buenos momentos, plagados de emociones de toda índole, sobretodo cuando la chica secuestrada se encuentra encerrada en la maletera de un carro que huye por la carretera. Todo ese momento de acción vehicular, que dura cerca de 45 minutos, es lo más resaltable de la historia por la forma como Jordan, la operadora del 911, indica a la joven lo que debe hacer para poner en descubierto al coche, ya que no lo pueden ubicar por GPS. Aparte de eso, está el hecho de conocer por qué el tipo actúa de esa manera, quién es y qué es lo que intenta hacer. De a pocos se dan pistas y en eso acierta el director, en no exponer todo de un solo golpe, sino que nos va dando indicativos para conocer frente a quién estamos.

Casey vivirá las peores horas de su vida

La actuación de la Berry es buena y correcta, al igual que la joven Abigail Breslin, recordada por su papel en "Pequeña Miss Sunshine" (la niña ya creció). Ambas son el pilar de la historia y tendrán que aliarse para que la policía intenta seguirle los pasos al secuestrador.

Pero, en qué decae la cinta? Pues bien, el ritmo que agarra la historia es buena hasta llegar a un "stop" necesario, que se debía al desenlace. En ello hubo un bajón tremendo porque no era lo que uno esperaba. Se volvió medio retorcida y de a pocos no fue cuajando la idea que intentó expresar el director. Ya el final fue la peor cereza del pastel que pudo ponerle. Pero felizmente eso no pudo dañar lo bueno que fue gran parte de la historia y que cumplió bien los objetivos. Lástima que no tuviera un final digno que coronará lo bueno que se iba viendo, pero al menos los que vayan a verla al cine o donde sea, pasarán un buen rato. Se los aseguro.

Puntaje: 6 puntos.

ANYTHING ELSE (2003)

Dirigida por Woody Allen.

Woody ha tenido cintas que no vale la pena mucho el recordar, siendo un ejemplo de este pequeño grupo esta película, con la cual el director intentó llegar a un público más joven (los protagonistas son jóvenes) y que intentó devolverle a su cine aquel tinte de comedia romántica que algunas vez exploró con éxito. Su afán de lograr este cambio repentino en su cine, no resultó del todo bien porque no es su obra más recordada y tampoco ha sido bien valorada por la crítica debido a que la historia parece que es una especie de biografía del director y nos muestra más de lo mismo: conversaciones sobre la vida, el sexo, el amor y New York.

Falk y su problemática novia Amanda

La actuación de Jason Biggs no da en el clavo. Como que el personaje a quien intenta interpretar no me convenció del todo, más aún si tiene de partner al mismo Woody Allen, quien opacó por completo a la otra supuesta protagonista: Christina Ricci.

La historia nos muestra a un joven escritor llamado Falk, quien tiene una novia medio complicada de carácter, Amanda, de quien está muy enamorado y con quien convive pese a que ella padece problemas que la hacen ver como neurótica. Como para darnos cuenta que este joven no es otra cosa que el "alter ego" del director, es un escritor de comedia y su vida transcurre paseando por New York acompañado de su mentor Dobel (el mismo Woody), quien siempre le aconseja sobre cosas relacionadas al amor, al sexo y a la vida.

Falk tendrá que sobrevivir al duro
momento creativo que atraviesa

Es como ver al mismo Allen aconsejando a su "yo" joven, ya que se nota a leguas que eso intentó graficar en la historia, el contar una historia en donde él se siente identificado con ambos personajes, solo que la experiencia del viejo se ve reflejada en los consejos que le da al joven con respecto a todo lo que ha vivido.

Como dije, la actuación de la Ricci no influye mucho en la historia, ya que el director con su personaje complica demasiado el resalte de ésta. Aún así, tiene ciertos espasmos de humor pero no logra cuajar bien, pasando como una cinta de regular recordación y que lo único que intentó mostrar era a un Allen intentando hacer una comedia dirigida por un público joven, con actores conocidos para dicho target (recordar que en ese entonces, Jason Biggs era muy conocido por su papel en la saga "American Pie").

Quizá haya sido un guión escrito bajo términos de contrato, osea, de aquellas cintas que son solamente para cumplir con lo estipulado en un contrato, pero no fue así....porque esta fue la etapa del cineasta donde no mostró nada destacable. 

Pero como reza la historia, luego vendría el renacer del genio de Allen con el estreno de "Match Point", que lo devolvió al sitial en el que está hoy en día.

Puntaje: 5 puntos