28 DAYS LATER (2002)

Dirigida por Danny Boyle.

En el mundo zombie vemos tantas historias, que muchas de ellas se han alejado totalmente de los parámetros que George Romero ideó en aquella clásica "La Noche de los Muertos Vivientes". Y es que desde esa película hasta el presente, hemos visto una evolución total en la forma como se nos presenta ahora a los zombies, quienes también pueden ser "infectados" pero que cumplen con el mismo perfil que los otrora llamados "muertos vivientes".

En "Exterminio", así se le llamó aquí en Lima y en varias ciudades de Latinoámerica, se nos plantea la historia apocalíptica de que el mundo ya está infectado por aquel mortal virus que vuelve zombies a la gente, haciendo que el porcentaje de infectados se haya incrementado a nivel mundial.

Jim despierta en un Londres deshabitado

Para variar la culpa la tienen los pobres monos, quienes tienen en su ser un virus parecido a la rabia, alterando en todo sentido a aquel que llegue a ser infectado.

Jim ha despertado de una coma profundo, y al abrir los ojos se da cuenta que el hospital en donde está se encuentra vacío. Decide salir y caminar por las calles de Londres, dándose cuenta que no hay nadie en las calles y parece una ciudad fantasma. Y es así como se nos presenta la historia, en donde los infectados han tomado el control de Londres, haciendo que el virus se esparza rápidamente, ocasionando que las personas "sanas" se oculten y vivan su día a día sobreviviendo a un posible ataque de estos neo zombies.

Se tendrá que correr para no ser infectado

El mundo que se nos presenta me parece muy real. Me gusta la idea de que sea ambientada en Londres y no en la siempre usual Norteámerica, ya que se puede percibir un poco la esencia de posible realidad sin ser muy exagerada (la posibilidad de una epidemia a tal escala, es dable).

Jim y varios supervivientes tendrán que escapar, luchar y proteger sus vidas, ya que la infección puede ocurrir mediante saliva o sangre, lo cual nos pone ante un virus que es fácilmente contagiable.

"Exterminio" tuvo un éxito a nivel mundial, tal es así que hubo una posterior secuela que ya no dirigió Boyle, pero que siguió excavando en la trama que se dejó inconclusa en esta primera película. Y es que el final no esclarece del todo el panorama, ya que no se sabe si los protagonistas y el mundo entero quedará a salvo de esta epidemia. 

La cinta dejó un final alternativo que se puede encontrar en Youtube, en donde se puede ver qué es lo que pasó luego de la escena final. 

El mundo zombie ha tenido muchas variantes y opciones, siendo "28 days later" una de sus mejores opciones.

Puntaje: 6 puntos

A DOG´S LIFE (1918)

Dirigida por Charles Chaplin.

Este fue la primera producción de Chaplin con la First National y podría decir que fue el inicio de su gran carrera como director y en donde inicia su era dorada, ya que luego de este film vendrían películas tan reconocidas hasta el día de hoy. 

El vagabundo y su perro Scraps

"Vida de perro" dura tan solo 40 minutos y es considerada un cortometraje del maestro. Ya comenzaba a mezclar ese humor tan clásico de su personaje, con un mensaje de humanidad. Porque Chaplin siempre estuvo interesado en ello, en mostrar al ser humano ante nada y mezclarlo con buenas dosis de humor para que no todo sea tristezas, es decir: reírnos de nuestras propias tragedias. 

Y es que el mundo vivía en guerra en esos años (terminaba la 1era Guerra Mundial) y lo mejor que podía suceder era ver una cinta de Chaplin y reírse demasiado. En "Vida de perro" sucede eso, porque hay escenas que son muy bien logradas, como en la que Charlotte entra en un bar con su perro Scraps y este se esconde en sus pantalones, ocasionándole una serie de problemas en dicho lugar.

Scraps le dará varios problemas

El simil que se nos presenta es el de comparar la vida del vagabundo con la del perro, en donde ambos se hacen inseparables y grandes amigos. Ese mensaje se siente cuando se termina de ver el corto, luego de reírse un poco y ver el desenlace tan paradójico que ocurre.

Chaplin era un maestro del humor físico, porque supo afrontar el reto de hacernos reír sin sonido y solo usando muecas, gags, torpezas y demás cosas que iba creando.

Pero su cine no solo era humor, iba más allá, y eso es algo que con el transcurrir de sus películas se irá apreciando.

"Vida de perro" pertenece a una nueva era en el cine de Chaplin. Un tiempo en donde tenía más libertad para escribir sus relatos y dirigirlos a su criterio. 

Poco a poco iba mostrando su gran talento tras las cámaras, cosa que iría creciendo con el transcurrir de los años.

Puntaje: 6.5 puntos

Una escena memorable y graciosa del cortometraje.

DE FEM BENSPAEND (2003)

Dirigida por Lars Von Trier y Jorgen Leth.

Para entender el cine de este director danés hay que ser muy tolerante y entender que estamos ante un genio que no le gusta seguir a la corriente. Si realiza algo, le importa un pepino si es riesgoso o si puede alterar a los críticos o si resulta controvertido por el tema que se toca. Para Von Trier no existen excusas, él realiza sus películas a su particular estilo y la manera tan personal que tiene de utilizar el lenguaje cinematográfico, no por las puras creo "Dogma 95", una especie de reglamento en la que se basaba su cine: cámara en mano, utilizar locaciones reales (nada de escenarios montados), el uso de luz natural (osea, nada de reflectores o luz artificial), no usar mezcla de sonido y otras tantas más.

Escena del cortometraje "El humano perfecto"

El danés Jorgen Leth realizó un cortometraje en 1967 llamado "El humano perfecto", el cual serviría de excusa para que tanto él como Von Trier se reúnan para crear una especie de reto que este último sugirió.

Lo que se debía realizar era 5 remakes de dicho cortometraje, y que cada corto tuviera una obstrucción o condición diferente. Dichas restricciones eran difíciles de realizar para Leth, lo que supuso todo un reto para él, que el mismo Von Trier supervisó.

Entonces, ¿ante qué estamos? 

Podría decir que es una especie de documental de cómo Leth realizó el reto impuesto por Von Trier y todo lo que significó su realización.

Von Trier exigente con sus condiciones

Cada obstrucción era difícil de realizar para el documentalista, con lo cual el que viera la cinta mostraría interés por ver como lo logra hacer. Y claro, no es una película dirigida para las "masas", ya que me parece más algo hecho para aquellos que aman lo que es la dirección, edición o producción, por la forma como se plantea lo que vemos. Un Von Trier muy exigente en sus condiciones, que parecieran difíciles de llevar a cabo pero que a la larga....no lo son. Y es un cortometraje de 13 minutos realizado 5 veces, pero de diferente forma (dependiendo de lo que pide Lars),  y vamos viendo que por algunos detalles, el mensaje puede cambiar y en otras no. 

Interesante experimento de los daneses que es una muestra clara de lo que siempre dice Von Trier: "el lenguaje de una película no cambia en el fondo si es que la forma se altera un poco."

Puntaje: 6 puntos

HODEJEGERNE (2011)

Dirigida por Mortem Tyldum.

Me gustó mucho esta cinta noruega, porque cuando en su trama hay personajes con mucha astucia o inteligencia para salirse de los problemas, llama mucho mi atención. Y vaya que en esta historia vemos mucho de ello, sobretodo si desde un inicio se nos informa que el protagonista, un cazatalentos, tiene a la par otra actividad (algo ilícita) como la de robar obras de arte para luego venderlas a precios elevados. Y esta chamba paralela que tiene la realiza con mucha astucia, ya que es un experto para entrar a las casas o galerías, y hacer el cambiaso de una copia por la original. Todo esto en complicidad con su buen amigo Ove, quien está a cargo de vigilar casas por intermedios de cámaras seguridad, pero que le da la mano para que entre sin ningún tipo de problema a estos lugares para robar lo que le interesa.

Roger tendrá problemas difíciles de solucionar

Roger vive con su esposa Diana, quien es propietaria de una galería de arte, de manera feliz y placentera, hasta que ella le presenta a Clas, quien tiene una pintura muy valiosa que le podría cambiar para siempre la vida, con todo el dinero que ganaría.

Es así como se nos plantea la historia que tiene mucho de "azares del destino", ya que se nos muestra a un hombre como Roger, que solo utiliza su inteligencia para salir adelante de los diversos problemas que se le presentarán en el camino luego de conocer a Clas. Y es que este hombre no es cualquier persona, ya que oculta oscuros intereses que Roger ni imagina.

Me agradó el ritmo de la historia y la forma como se explica cada escena que transcurre. No hay errores de incoherencias ni cabos sueltos.

Tendrá que resolver el hecho de ser culpado de un
asesinato

Roger no tiene la apariencia de ser un hombre que maneje armas o sea hábil en la lucha cuerpo a cuerpo, utiliza su ingenio y astucia para sobrevivir a un problema en el que él mismo se metió. Todo ello está ligado al problema con su esposa, quien quiere un hijo, y al hecho de que está obsesionado por esa pintura, ya que sabe que por fin podrá obtener la independencia económica que tanto anhela.

La suerte no correrá de su lado y la muerte lo perseguirá por donde vaya luego de conocer a Clas, quien al parecer no es el típico hombre de negocios que suele conocer. Ello sumado al pequeño percance que sufre con su esposa y a que una serie de asesinatos lo incriminan a él, hará que su vida apacible y lujosa cambie por completo y deba afrontar la realidad con suma inteligencia.

Me agradó mucho el transcurrir de la historia, los personajes y el desenlace, que por un momento creí sería otro. 

Agradable sorpresa me resultó esta cinta nórdica.

Puntaje: 7 puntos

WATCHMEN (2009)

Dirigida por Zack Snyder.

Le dieron de alma en un inicio y luego la pusieron en todo lo alto. Y es que adaptar este cómic de serie limitada escrita por Alan Moore, que trata de un grupo de vigilantes que cuidaban el planeta en momentos en que el mundo se debatía en una gran tensión por el conflicto entre la Unión Soviética y los Estados Unidos, lo que llamaron "Guerra fría". Es así como en aquella etapa de la historia universal, estos vigilantes cuidaban de que la paz reine en la Tierra, hasta que todo se terminó y cada uno siguió por su lado, envejeciendo y siendo olvidados por la población mundial.

Los vigilantes que una vez cuidaron la paz del planeta

A mi parecer, Snyder crea una película hecha a la medida del cómic y no se desprende mucho de aquella realidad que se desprende del mismo. Ahora bien, si uno no ha leído el cómic, se sorprendería gratamente del producto final, ya que "Watchmen" no trata de súper héroes con poderes impresionantes, sino de hombres que siempre buscaron a su modo defender la paz del planeta. Y la historia no está para nada mal de la forma como la cuenta el director, ya que adapta a su estilo y de gran manera el universo que se nos presenta en el cómic. Ahora bien, la pregunta sería ¿por qué fracasó entonces la película a nivel comercial? Creo que la respuesta se basa en que no es una historia popular, mas bien diría que son historietas de culto y casi rebuscadas.

Espectro de Seda II y Búho nocturno II

Quizá sea por eso que no llamó mucho la atención y la gente no vio con buenos ojos la producción, que a mi parecer no fue mala. No se trata de los típicos súper héroes ni de la típica historia de cómic, en donde se ve a un hombre que tiene grandes poderes y los usa en pro de la humanidad. Acá se ve a un grupo de personas que se encarga de vigilar, a su modo, que la paz no sea alterada. Y se nos traslada a un tiempo en donde ellos ya son jubilados o retirados del oficio, y los vemos como a cualquier ser humano, con los miedos y defectos normales y corrientes. Quizá es por ello que los asistentes no valoraron mucho el universo que se les plantaba y juzgaron de mala manera una muy buena adaptación de Snyder, quien ya asomaba como un director con un criterio personal rescatable.
Pese a lo que se diga de "Watchmen" a mi me agradó mucho la película, su trama y el conflicto que se mostraba. El universo que adapta el director es loable y el tiempo colocará a la película en el lugar que se merece.

Puntaje: 6.5 puntos

THE WOLVERINE (2013)

Dirigida por James Mangold.

El personaje más popular de los "X-men" tuvo una primera película que a muchos, me incluyo, no gustó, así que la 20th Century Fox creyó conveniente hacer una especie de secuela de la misma, sin seguir un orden cronólogico. Yo diría que esta nueva cinta es una continuación de lo apreciado en "X-Men: La decisión final", en donde nuestro buen amigo Wolverine asesina a Jean Grey, quien en ese momento esta poseída por Phoenix.

Y claro, los hechos nos trasladan a años después de aquella épica batalla, en donde vemos a un Logan alejado de los X-Men y de la civilización en sí, hasta que es encontrado por una joven asiática quien le pide ir a Japón para visitar a un anciano, quien quiere despedirse del hombre que le salvó la vida tiempos atrás.

Japón será el lugar de una nueva aventura

Estamos ante una película más ligada al drama que al típico universo de súper héroes. Las dosis de acción son pocas pero contundentes. Me gustó lo sucedido en el tren bala, en donde se vio un buen despliegue de pelea, así como en el funeral del anciano, en donde Hugh Jackman demuestra que aún sigue teniendo un buen estado físico. Esas escenas fueron bien orquestadas por el director y se nota una buena puesta en escena por parte de todos los participantes.

Pues bien, aparte de Wolverine..... solo aparece Madame Hydra como otra mutante, ya que el resto son seres normales. Me hizo recordar un poco a aquellas películas de kung fu en donde mucho se transmite aquel problema del protagonista con alguna debilidad o pérdida de fuerza, que luego la recupera y vuelve a ser el de antes. Como se ha podido ver en trailers y sinopsis, Wolverine (por alguna extraña razón) va perdiendo sus poderes mutantes de regeneración, con lo cual ahora cualquier herida es mortal para él.

Siempre dispuesto a no rendirse

Esto implica que sienta aquel miedo que sentimos todos a la muerte, cosa que de a pocos va sintiendo. Sumado a esto es el pensamiento que tiene, muy ligado al pasado y a su Jean Grey, a quien siempre la ve en sueños. Toda su vida gira en torno a ese pasado y a esa vida que dejó atrás, como si se negara a seguir avanzando o a pensar que el futuro puede ser distinto. Todos esos conflictos existenciales vemos en esta película, que más se centra en mostrarnos a ver a Logan que a Wolverine, y que enlaza esta historia con lo que se viene para el 2014: "X-men: Días del futuro pasado", una cinta en donde él será protagonista y en donde veremos a casi todos los mutantes de todas las entregas. Al término de "The Wolverine", luego de los créditos iniciales, hay una escena escondida que termina por resolver muchas dudas y que los fans ya suponíamos iba a suceder (por todo lo acontecido en la reciente Comic Con).

Así que fanáticos y no tan fanáticos, "The Wolverine" mejora bastante a su anterior cinta, sin estar ligada directamente con ella. Mucho mejor contada, con algo más de contenido y buena dosis de acción, pero pierde un poco de peso en cosas que uno siempre espera de este tipo de cintas: espectacularidad.

Puntaje: 6 puntos.

THE GOLD RUSH (1925)

Dirigida por Charles Chaplin.

Chaplin tuvo un ciclo como actor destacado, pero de ahí le agarró el gusto a la dirección y decidió independizarse de tal manera que estuviera a cargo de casi todos los roles en la producción de películas: actuación, dirección, guión y hasta la creación de la banda sonora, aunque esto sería tiempo después, cuando el sonido llegó al cine. Siempre ligado a temas que tengan algo que ver con el clima social de la época, y que aparte de brindar una buena dosis cuota de humor, brinde el mensaje humanístico que siempre Chaplin puso en sus cintas.

Cuando hay hambre, cualquier cosa alimenta

Y claro, cada película tiene escenas que son inolvidables en el mundo del cine, como aquella en donde el vagabundo hace bailar a los panes, pinchándolos con dos tenedores. Esa escena, junto a la de la casa tambaleándose en la cima de la montaña y la cena de "zapatos" son los más recordadas, para mí, de "La quimera de oro", en donde Chaplin nos describe como era la fiebre de oro de aquel entonces. 
Fiel a mostrarnos el mundo tal y como lo ve, Chaplin siempre saca una sonrisa de aquella imágenes en donde la pobreza y la adversidad son las principales protagonistas. Siempre busca una carcajada, un momento hilarante o una escena divertida pese a que sus personajes sean infelices o no tengan suerte económicamente hablando, y es el caso del vagabundo que intenta probar suerte viajando a Alaska para aprovecharse de la fiebre de oro, pero todo lo le saldrá mal.

Júbilo y soledad

Y es que la suerte del vagabundo siempre es así: cuando ve una oportunidad, intenta aprovecharla pero el mundo no lo deja ser feliz, y es algo que ocurre mucho en la realidad, cuando una persona noble y honesta intenta ser alguien o crecer...aparecen factores externos u otras personas que no ter permiten eso.
Lo bueno es que Chaplin siempre crea una historia en donde le pone humor a aquellos hechos en donde debería reinar la tristeza y la desazón. Para todo tipo de eventualidad negativa, el ingenio del genio inglés se muestra en su buena dosis de humor y su profundo mensaje. 
Pienso que algunas ideas para esta historia, tuvieron mucha relación con la vida dura que vivió Chaplin en su infancia y adolescencia, donde no tenía para comer y paso mil y un penurias. Pero como dice él, siempre hay lugar para una sonrisa, y los malos tiempos siempre son pasajeros.

Puntaje: 7.5 puntos

FLIRT (1995)

Dirigida por Hal Hartley.

Me dijeron que vea películas de Hartley, quien era uno de los más respetados directores de cine independiente y que se especializaba en el desamor y problemas de pareja cuando las cosas no funcionan bien o hay cierta inestabilidad. Pues bien, este director tiene una muy buena reputación, en festivales como Sundance o Cannes, y me animé a ver una de sus obras que no es muy valorada pero que describe mucho el tipo de visión que tiene este director. Y es que en "Flirt" nos podemos dar cuentas de dos cosas, muy opuestas una de la otra: que es una película que describe como son los problemas del corazón en tres partes del mundo totalmente diferentes y, la otra, que es una cinta que nos toma el pelo por completo.

La primera historia nos pone en New York

Con dos conclusiones diametralmente opuestas, nacen las razones del por qué las dije. Y es que en "Flirt" vemos tres historias entrelazadas que tienen el mismo dialogo, el mismo transfondo pero que se diferencian en lugares (son filmadas en América, Asia y Europa), en tipo de personas (varón, homosexual, mujer) y en las reacciones. En todo lo demás es idéntico. Cada historia tiene un conflicto similar: un amante, un ultimatún (el mismo en las tres), una llamada de teléfono y un arma,que es una pistola que se repite en las tres pequeñas historias. Y por qué una tomadura de pelo? Porque es probable que uno al ver la película, sienta que le están contando la misma historia repetida tres veces, lo cual es fácil para un director armar una película así, ya que solo debe copiar y pegar los diálogos.

Y no todo debe tener un final triste

Y es por esa razón que "Flirt" ganó muchos críticos que se mofaron y no recibieron con agrado a la película. Pero a mi me gustó un poco, porque pude observar como una misma trama o un mismo trasfondo tiene una reacción distinta en sociedades tan diferentes entre sí. El problema es el mismo, pero la forma como las personas reaccionan, es totalmente distinta. Un hombre no reacciona igual que un homosexual, y ellos igual con una mujer, con lo cual queda por sentado que los problemas del amor ocurren en Lima como en Dubai o en Roma o en Sidney o en cualquier lugar del planeta. Y eso es lo que intenta mostrarnos Hartley, que en lo único que falló, a mi parecer, es en la primera historia que no mostró mucho encanto. Llega hasta ser aburrida por la forma tan displicente que se muestra y como la actúan sus protagonistas.

En conclusión, "Flirt" es una muestra clara de que los aspectos del corazón son los mismos en cualquier latitud o universo en que se encuentren, ya depende de uno mismo que camino tomar y que decisiones tener. Aún así, el amor es algo que siempre suscita diversos comentarios y reacciones.

Puntaje: 6 puntos

ROCKY (1976)

Dirigida por John Avildsen.

Si Sylvester Stallone tuviera que rendirle alabanzas y darle muchas gracias, es a esta película que él mismo escribió. Porque "Rocky" le dio las ganancias que hoy disfruta. Le dio la fama que hoy tiene, la oportunidad de una carrera en el cine y el éxito que hasta hoy sigue aprovechando. Y es que esta película es su historia. Una especie de relato autobiográfico de lo que él ha vivido a lo largo de su infancia y juventud, en donde no tenía muchas oportunidades y que al igual que Rocky, la tuvo, la aprovechó y logró un gran reconocimiento que hasta hoy le dura con cintas de acción, que él mismo dirige y produce, que lo mantienen vigente en el mundo del cine.

Rocky y una carrera para el recuerdo

"Rocky" es una historia sobre un boxeador de barrio, que no la pasa bien en lo económico y que tampoco tiene un gran futuro como boxeador. De todas formas él se tiene fe y sabe que algún día tendrá la oportunidad de mostrarle al mundo de lo que está hecho y ganarla la gran batalla a la vida.

Es así como vemos el afán de superación de hombre. La lucha día tras día por vencer a la adversidad, el amor incondicional de una joven como Adriana, quien lo conoce como se conoce a aquellas personas que sabes que estarán contigo por el resto de tu vida. Y así pues, Rocky va venciendo muchas dificultades y logrando que las sonrisas vayan llegando a su vida.

La pelea esperada: Rocky vs. Apollo

Y aquí también tiene mucho que ver aquello en donde los más grandes se burlan o subestiman a los más chicos, porque en la cinta se nota clarísimo como Apollo, siendo quien es, no tiene el más mínimo respeto por la figura y carrera de Rocky, quien es un boxeador no conocido y que tampoco tiene tanto reconocimiento como lo tiene Apollo.

La escena famosa de Rocky corriendo y llegando a lo más alto de la plaza en su natal Philadelfia, es una metáfora de lo mucho que cuesta a una persona el lograr alcanzar sus metas, pero cuando se llega al final y a lo más alto, la alegría y satisfacción por haber alcanzado los objetivos es tremenda. Y esta película es una muestra de eso, del como uno mismo puede comenzar de abajo y de a pocos ir escalando y escalando hasta llegar al triunfo final.

Ahora bien, con todo ésto que he contado, ¿merecía llevarse el Óscar aquel año? En mi opinión personal: no. Pero a los académicos de aquel entonces les agradaba este tipo de historias en donde el mensaje de superación y todo ese rollo les encantaba, más allá de algún tipo de valoración cinematográfica o originalidad en la cinta. Igual, para Stallone..... "Rocky" significó mucho, aunque no pudo repetir el éxito en crítica con sus predecesoras, pero igual.... la taquilla y el público siempre lo recordarán.

Puntaje: 7 puntos

JUNO (2007)

Dirigida por Jason Reitman.

En su momento fue todo un suceso "indie" esta película, porque la historia es buena y porque fue nominada al Óscar como Mejor película, ante la sorpresa de todos, ya que no era una historia típica de la ceremonia, pero bueno..... últimamente los académicos se han dejado de vainas y aceptan al cine "indie" como parte de su interés. Súmenle a ésto que fue el gran salto de jóvenes actores como Ellen Page (a quien vemos ahora en varios producciones de gran factura) y Michael Cera (quien aún le cuesta desligarse de cierto encasillamiento en sus papeles), quienes son los protagonistas de una historia escrita por Diablo Cody, hasta entonces una escritora desconocida y que también tuvo su gran chance para sobresalir en el mundo cinematográfico.

La vida de Juno cambiará para siempre

Lo que me gustó de "Juno" es la forma como tan realista que se cuenta una historia típica en el mundo de hoy: el embarazo no deseado.

Juno es una joven adolescente que queda embarazada de su amigo (así es, ni siquiera es su pareja), decidiendo que debe dar en adopción a dicho niño, porque no es el momento indicado para tenerlo (ni siquiera ha terminado el colegio).

Tenemos un típico caso que ocurre en varios lugares del mundo, pero lo importante es como la historia nos lo muestra, porque en realidad muchas cintas siempre caen en el error de caer en superficialidades y escenas estereotipadas que no logran transmitir esa naturalidad con que ocurren las cosas en la vida misma. En "Juno" no vemos eso, felizmente, ya que el rol de Ellen Page es bueno y nos logra poner en la cabeza de una joven de 16 años que ve como su vida ha dado un vuelvo de 180 grados.

Juno y un gesto hacía la vida en general

Otro punto alto de la película es el enfoque hacía aquellas parejas que desean adoptar un niño porque no pueden concebirlo. El conflicto que viven en su hogar y lo terrible que debe ser el hecho de confiar en una persona ajena, en este caso en Juno, para que un bebé logré consolidar a la familia. 

Y claro, las típicas indecisiones personales de si es correcto o no el dar en adopción a un bebé que nace dentro de una chica, o el hecho de que no sabes si en realidad los sentimientos hacia tu pareja son sólidos. Todo eso se conjuga en esta cinta muy bien dirigida por Reitman, con buenas actuaciones y una historia que con el correr de los años ha ido creciendo en estima para muchas personas.

"Juno" solo se pudo llevar el Óscar a Mejor guión original, para Diablo Cody, con lo cual pudo forjar un camino en Hollywood, solo que hasta ahora no ha logrado repetir la historia o el simple hecho de crear una historia excelente, salvo "Young adult", que me gustó demasiado.

Puntaje: 8 puntos

BROADWAY DANNY ROSE (1984)

Dirigida por Woody Allen.

Cuando leí comentarios acercas de la cinta, me topé con clasificaciones que nada que ver con lo que vi. Decían acerca de que es una película que parodia a la mafia y es una especie de homenaje a los "stand up comedy". Puede que este inmersa en ese universo, pero yo lo veo muy pero muy secundario, ya que lo principal que veo en la historia es aquel mundo de los agentes artísticos. Aquellos personajes que hacen de todo para que pequeños artistas logren un nombre en el mundo del espectáculo. Lo que se conoce como managers, personas encargadas de conseguir que sus patrocinados tengan donde mostrar su talento, salir en medios y mostrar una imagen adecuada para que sean recordados y tengan notoriedad.

Danny Rose hace todo por sus artistas

Y vaya que Danny Rose es uno de esos agentes que se pone la camiseta y es leal con sus artistas. Woody Allen interpreta a este peculiar agente que está en decadencia, tanto así que sus patrocinados no atan y desatan. Solo uno es el que mejores resultados está teniendo, y es sobre quien gira toda la película.

Me he reído con varias escenas cargadas de ese humor físico que Allen había aprovechado bien en sus primeras películas y que bueno resultados le da en esta historia. Porque Danny Rose hace de todo para que Lou Canova, un cantante que de a pocos se hace un sitial en el espectáculo, sea su mejor cliente y tenga mucha prosperidad. Tanto que debe ayudarlo con su amante, quien lo ha dejado y no quiere saber nada de él. Los enredos en que se mete Danny son graciosos, ya que Tina Vitale, la amante, tiene otros enredos personales, que la vinculan con el mundo de la mafia.

Danny convencerá a Tina para que
vuelva con su patrocinado

Y es aquí donde aquel universo entra en escena, pero de una manera graciosa y casi secundaria, por lo que noto más es el afán con el que Danny intenta ayudar a su cliente para que tenga una vida tranquila y feliz. Claro que para ello debe hacer que Tina esté a su lado, cueste lo que le cueste.

Me gustaron muchas escenas, como la persecución en donde Danny huye y se encuentra inmerso en un fuga de helio, que transforma las voces de él y los mafiosos en chistosos diálogos típicos de una caricatura.

Buena perfomance de Mia Farrow, quien denota una gran química con quien era su pareja en ese entonces, Woody, quien nuevamente nos muestra su díscola manera de actuar e interpretar a un personaje que le cae como anillo al dedo.

No será la "gran película" de Woody Allen, pero al menos deja un buen regalo para aquellos que amamos sus cintas de humor, que nunca decepcionan.

Puntaje: 6 puntos

PACIFIC RIM (2013)

Dirigida por Guillermo del Toro.

Fui con cierto temor a ver la película por la poca taquilla que había logrado y mi pareja no le tenía mucha fe al argumento de la historia. Cuando terminó la misma, lo único que dijimos a la par fue: espectacular!!

Y vaya que lo fue, porque "Titanes del Pacífico" tiene de todo como para ser una digna representante del cine de entretenimiento en este 2013. Las necesarias cuotas de humor (ni tan exageradas, ni tan escasas), una calidad en efectos visuales impresionante, una historia bien lograda y un muy bien armado mundo alterno creado por ese genio llamado Guillermo del Toro.

Y es que yo podría comparar las batallas entre "jaegers" y "kaijus" con las que he visto en la saga de "Transformers" y se ve una notoria y marcada diferencia, porque ahora sí puedo disfrutar con claridad de cada acción, golpe o movimiento que realizan los personajes, sin sentir algo de mareo o confusión.

A portas de una colosal batalla

Eso habla mucho de lo bien lograda que está la puesta visual de la historia. Se nota mucho la preocupación de Del Toro por mostrar escenas que sean entendidas y no lleven mucha carga visual. Los "kaijus", que significa monstruo en japonés, lucen espectaculares, y lo bueno es que son varios y cada uno de ellos luce diferente al otro.

Pareciera que Del Toro fue o es muy amante de este tipo de historietas niponas, que por allá son casi idolatradas. Aquel tipo de fijación se ve en la participación de dos personajes que vienen a ser los científicos freakis de la historia, quienes también ponen la cuota de humor (excelente lo de Charlie Day, que con solo hablar ya provoca sonrisas) que no se excede en demasía y no cae pesada.

Raleigh y Maco, los responsables de manejar a
Gipsy Danger

Otro que aparece por un corto espacio de tiempo es Ron Perlman (el recordado "Hellboy"), quien tiene una breve participación pero que se hace inolvidable por la forma como actúa y porque tiene una de las escenas más cómicas de toda la historia.

Pues bien, en "Titanes del Pacífico" se nos muestra un planeta azotado por la amenaza de los "kaijus", quienes aparecen del mar dispuestos a destruir ciudades enteras. Los gobiernos usan todo el armamento que tienen, hasta que crean a sus propios monstruos tecnológicos llamados "jaegers", quienes pelearan de igual a igual contra este mortal enemigo de la humanidad.

Una historia bien contada, con espectaculares efectos visuales, una dosis exacta de humor y algo de drama romántico, con actuaciones irregulares (no hay uno que destaque de sobremanera) y un digno homenaje a este tipo de culto hacía los "kaiju", que tiene mucho que ver con "Godzilla", ya que son parientes muy cercanos.

Vayan al cine y disfrútenla.

Puntaje: 7.5 puntos

SPRING BREAKERS (2013)

Dirigida por Harmony Korine.

Si alguien me dice que el guionista de "Ken Park" y "Kids" es el que dirige esta película, entonces puedo esperarme ver mucho desenfreno juvenil y que me pinten una realidad tal y como es. Porque valgan verdades, la sociedad norteamericana no es de la más tranquilas y envidiadas del mundo. Se ve mucho en las noticias sobre matanzas en colegios o universidades, el problema con las drogas, el desenfreno sexual y varias cosas más que muestran a una sociedad muy gastada e inmersa en un limbo en donde la culpa la tienen los mismos gringos. Y este director es justamente uno de aquellos que intenta plasmar de la manera mas natural y real aquel momento social juvenil, mostrándonos lo que uno puede encontrar en las noches cuando camina por alguna calle de alguno estado de Norteamerica.

Lo que más llama la atención es encontrar en el reparto a chicas como Selena Gómez o Vanessa Hudgens, conocidas gracias al mundo Disney, en donde lo que menos abunda es el alcohol, el sexo, las drogas y la violencia.

Las chicas son arrestadas en una de sus fiestitas

Ese es el punto marketero de la película, porque genera interés ver a estas chicas Disney en roles que uno desconoce: jóvenes apasionadas de las noches locas, que no creen en ningún tipo de ley.

"Spring breakers" nos muestra a cuatro chicas que quieren pasarla bien en sus vacaciones de verano. El hecho de no tener dinero, no es impedimento, ya que asaltan un restaurant de comida rápida y consiguen el suficiente billete para viajar y vivir la vida loca.

Y sí, es demasiado loca. Al inicio nomás, el director nos muestra imágenes picadas sobre lo que es la juerga juvenil en alguna playa de los Estados Unidos. Mucho alcohol, chicas en topples, chicos realizando gestos obsecenos, bailes muy sugerentes, mucha droga y sexo a raudales, es lo que se ve....acompañado con la música del momento: Skrillex. En eso, el director la chunta y muy bien.

Mucho alcohol y drogas en cada fiesta

Otra cosa que rescato de la película, es ver que las chicas no son necesariamente tan fáciles o tan dependientes de un hombre para ser felices. Se ve que ellas arman su propio mundo y no dejan que un chico intente "follarlas", pese a que tienen tóxicos o alcohol dentro del cuerpo. Ellas se divierten a su modo y son dueñas de sus propios decisiones, sin tener que caer en el facilismo  "estar ebrias y tirarse a cualquier chico".

Lo de James Franco es genial. Es increíble la manera como interpreta a una especie de gangster moderno, ya que le creo el papel de aquel blanco que tiene todas las actitudes de un negro bandolero. 

Selena Gómez sigue fiel a su imagen. Hace de la chica más "tranquila" del cuarteto, ya que es creyente de su religión y no permite que las cosas pasen los límites. Pese a todo eso, sus amigas la comprenden y la quieren, porque es como la balanza del grupo. Un grupo que nos muestra como están las cosas en aquel país que alguna vez fue el "sueño americano".

"Spring breakers" es una cinta que no creo llegue bien a todos, por la crudeza de lo que se muestra. Harmony Korine está acostumbrado a retratar de manera cruda lo que se ve en la sociedad norteamericana. No se calla nada, así que los espíritus conservadores deben dejarse un lado y sacarse la venda de los ojos, porque lo que se ve en esta cinta.... es lo que en realidad ocurre.

Puntaje: 7 puntos

SIN CITY (2005)

Dirigida por Robert Rodríguez.

Quizá sea la única pela de este director que en verdad es buena y digna de ser admirada, porque su filmografía contiene títulos que tranquilamente pueden pasar inadvertidos. La manera como adaptó los conocidos cómics de Frank Miller, hacen que esta cinta haya sido bien recibida por crítica y público, estando próximo el estreno de su esperada secuela, que seguirá contando con algunos personajes de esta primera película.

"Ese bastardo amarillo"

"Sin City" sirvió también para ver el retorno de Mickey Rourke al cine, aunque bueno.....digamos que una especie de reaparición decente, ya que luego sorprendería a todos con su papel en "El Luchador". Lo admirable de esta película es el arte visual, muy acorde con lo que transmitía el cómic original, así como la manera como transcurren los hechos y una que otra buena actuación.

Nos retrata el panorama de una ciudad en donde la ley prácticamente no existe y el pecado se respira por doquier. Es así como Rodríguez toma tres historias del cómic y las muestra con la crudeza y características que uno puede ver en los relatos originales. Son tres historias, una breve introducción y un epílogo, que cierra el círculo de pecado e injusticias.

"El duro adiós" 

No podría contar la experiencia con cada historia, porque sería escribir demasiado, solo sacar una conclusión general: se ve mucha desolación, mucha infelicidad, mucha depresión. La humanidad no existe en aquellos personajes. Unos más infelices que otros, con más problemas en sus vidas y con una escasa ilusión de ver con optimismo la vida. Así es la esa ciudad del pecado, en donde quien intenta ser las cosas de buena manera (como se diría: a lo legal), termina siendo absorbido por lo negativo o borrado del mapa por alguien que piensa totalmente distinto. Eso se ve en aquellos personajes que intentan sacarse la maldad de su camino, no lográndolo y desafiando a la muerte en ese tipo de decisiones que suenan a utópicas.
Una calidad visual acorde con el cómic e historias contadas de buena manera, es lo que trae esta cinta de Robert Rodríguez, para mí la mejor que ha dirigido hasta ahora este controvertido director.
¿Influirá en algo que Quentin Tarantino este detrás de la producción?

Puntaje: 7.5 puntos

ASU MARE (2013)

Dirigida por Ricardo Maldonado.

Pienso que en el Perú lo que más bulla hacen los medios no generalmente es bueno. Y esto ya se ha visto muchas veces en tantos tipos de "noticias" o espectáculos que los medios intentan llenarnos hasta el hartazgo, sin importarle si lo que ofrecen es algo de calidad. "Asu Mare" no es la excepción, ya que se hizo toda una campaña mediática en medios, publicidad (de todo tipo) y en las redes sociales. Tanta bulla ya me parecía raro y no me extrañaba si el producto al final, solo sería eso.....una cinta taquillera y nada más.

No quiero con esto desmerecer el trabajo y la carrera de Carlos Alcántara, una persona que me cae muy bien, pero su película tiene muchos errores y francamente no me dio mucha risa que digamos. El humor es medio tonto y me parece que el éxito solo lo tendría acá, ya que afuera dudo mucho que siquiera guste, con lo cual está por demostrado que tan "bueno" es lo que le gusta al peruano común y corriente.

Cachín bailando con Emilia, su amor

La película tiene algo más de 30 minutos en donde solo se ve el  "stand up comedy" de Alcántara, de donde se supone nace toda la historia. Esas escenas aburren un poco, porque mejor hubiera quedado todo en voz off, omitiéndose todo ese rollo del show. 

El trabajo con los extras no es del todo óptimo, ya que se nota mucha sobreactuación en algunos y en otros casos, momentos tan inverosímiles que no ayudan a la historia. Aparte de eso, me pareció de mal gusto que Gisella Ponce de León haga de una madre de Mirones Bajos. ¿No pudieron encontrar a una actriz con el perfil adecuado y más coherente? Son cosas que a uno lo dejan pensando.....en que prefieren más una cara conocida que una actriz (sin desmerecer el trabajo de la joven actriz, quien me parece talentosa).

Nunca pudo ingresar a la universidad

Para destacar está el mensaje oculto sobre la labor de una madre en el crecimiento de su hijo. Queda clarísimo que "Asu Mare" es un merecido tributo de Cachin a su madre, quien luchó de mil y un formas para que su hijo logre el éxito que hasta ahora tiene. Y eso es lo poco que me gustó de la cinta, en donde se valoró mucho ese esfuerzo.

Como dije, hay cosas que se debieron omitir (el show en vivo) y priorizar en informas con más escenas y más detalles la vida de Cachín. También me quedó claro que se dramatizó mucho en la narración de su vida, porque no me creo ese floro de que fue pastrulo y de un día para otro, un niño le regaló una nariz roja y le cambió la vida. Digamos que quien conoce la vida de Alcántara, sabe que él tuvo mucha actividad en los 80s, mucho antes de ser claun, así que creo que esta parte de la vida de él, contada en la película, es un poco exagerada. Aparte que el humor no es tan bueno que digamos, tanto así que lo más gracioso de toda la película, para mí, fueron los detrás de cámara del final. 

Me parece bacán que haya logrado el éxito en taquilla que tiene, porque Cachín se lo merece. Solo que espero que para la secuela, se preocupe más en el "fondo" de su producto, que en la forma, ya que "Asu Mare" es un ejemplo de como vender una cinta sin mucha calidad a un público peruano que no es tan cinéfilo.

Puntaje: 4.5 puntos

TOY STORY 2 (1999)

Dirigida por John Lasseter.

Y la segunda fue mejor que la primera. Pero con ésto no significa que la primera haya tenido errores o haya sido malita, nada que ver, lo que sucede es que la superó por muchos factores y logró consolidar a Pixar como un gran estudio de animación, que no solo se preocupaba en la calidad de sus gráficos, sino también en contarnos una buena historia, cargada de humor, mensaje y momentos inolvidables.

Lo de "Toy Story" ya es conocido como el gran fenómeno que revolucionó al cine de animación. Fue la primera cinta animada por computadora que se hizo y ahora podemos ver que por año se estrenan varias cintas animadas para todos los gustos. Su secuela venía cargada de mucho miedo, porque se podía fracasar y tirar al tacho los sueños de la compañía.

Y Lasseter no la tuvo consigo desde el  inicio, ya que Pixar no quería arriesgar mucho en un proyecto que ya había sido utilizado. Quizá podía darse el caso de un probable éxito, pero no estaban al 100% de ello, tanto así que tuvieron reescribir el guión porque no les convencía del todo. Los resultados fueron sorprendentes para ellos y toda la inversión que hizo Steve Jobs desde un inicio, y esa confianza visionaria hacía la labor de la compañía, rindió sus primeros frutos, siendo "Toy Story 2" el inicio de una serie de galardones y éxitos que Pixar ganó en los años posteriores.

La historia me gustó mucho, porque resulta graciosa, entretenida, con personajes muy elocuentes y un mensaje sobre el tema de la amistad y esa nostalgia por aquella vida infantil que todos tuvimos en algún momento.

Se sumaron nuevos personajes que le dieron mayor interés a la trama, aparte que cobraron mayor personalidad varios juguetes de la primera película.

Y "Toy Story 2" pertenece a aquel selecto grupo de secuelas que son superiores a sus antecesoras. Y digo "selecto" porque son muy pocas. La crítica y público siempre esperan que una secuela iguale siquiera a la anterior cinta, para ver si se repite la misma sensación, pero son muy pocas que sobrepasan esas expectativas. 

Esto de pie a que se llevará el primer Óscar a cinta animada que la Academia entregó y que sea considerada una de las mejores cintas de aquel año. La tercera cinta tardó mucho en llegar, pero de eso hablaré en otro post.

Puntaje: 9 puntos