DÍAS CONTADOS (1994)

Dirigida por Imanol Uribe.

El objetivo de este blog (y de su página en facebook) es dar a conocer sobre cosas que uno seguramente no conoce del mundo del cine. Colocar películas que quizá alguno no haya podido ver y que sirven para pasar un buen momento y llenar su cabeza con escenas inolvidables, es una de los principales fines de este blog. Esta vez subo la experiencia que tuve al ver "Días contados", película que pasaban cada cierto tiempo en el Canal 4 en los años 90s, y que la vi en ese entonces, solo que mi mente tenía otra manera de pensar y de ver las cosas.

Charo tal como es: desenfadada y provocadora.

Por increíble que parezca, esta cinta ganó dos de los premios más importantes en España (y porque no de Europa), que son el Goya y la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Con esos dos galardones en su haber, me animé de verla de nuevo y observar con mayor detenimiento la historia y conocer porque fue tan premiada.
Me di cuenta que de chibolo solo me agradaba la idea de ver las hermosas tetas de Ruth Gabriel, quien se desnuda a cuerpo completo en gran parte de la película. Eso hacía que mi menta adolescente observara con beneplácito esta cinta y dejara de lado la historia y su interesante argumento.

Antonio no sabrá que camino seguir.

La historia gira en torno a la actualidad de entonces, cuando la agrupación terrorista ETA asolaba a España con ataques y asesinatos por todo el territorio español.
Es en esa coyuntura que dos personas comienzan un tórrido romance, cada uno con un destino diferente y con una vida al límite. Antonio es un miembro de ETA, quien ha llegado a Madrid con la finalidad de perpetrar un ataque terrorista. En el edificio en donde se instala conoce a Charo, una chica 12 años menor que él pero con una belleza que es capaz de fijar la atención de cualquiera.
Sabiendo que una relación con ella no debería ocurrir, poco a poco Antonio va cediendo a los encantos de Charo y ambos se aventuran a un romance peligroso debido a que ella tiene aún un lazo con su ex enamorado, un peligroso criminal que cumple condena en la cárcel.


"Días contados" pareciera, como dice el título, que es una historia en donde el riesgo es el motor de vida de la pareja protagonista. Ambos saben que sus vidas en cualquier momento se apagarán, esperando a que llegue el momento de que tanto sufrimiento y desilusión finalice de algún modo. La historia sigue una línea que nos guía hacía algún tipo de final. Eso la hace buena.

TRANSFORMERS : DARK OF THE MOON (2011)

Dirigida por Michael Bay.

Es gracioso cuando este tipo de películas se estrenan a nivel mundial, porque generan una serie de reacciones que son muy divertidas. Los críticos se desgarran por completo en críticas, buscándole el más mínimo de los defectos y valiéndose de ellos para basurear la película. Los fans van a las salas y pasan un momento divertido (no creo que exceda de eso). Y el resto de gente, simplemente va a ver una nueva cinta de estos afamados personajes, quienes fueron los dibujos animados preferidos de mi generación (entre 26 a 32 años).

Pero por qué menospreciar esta tercera parte de "Transformers"?

Porque Michael Bay sinceramente que la está cagando. Si la 2 había sido un desastre, la 3 va por el mismo camino y hasta peor.

De nuevo Optimus Prime tendrá que salvar al planeta.

Beneficia bastante a "Transformes 3" el uso de la técnica 3D, porque uno la ve como entretenimiento y no como una cinta para analizar el guión u observar el desempeño de los actores.

Esta vez ya no estaba entre el elenco de actores la sensual Megan Fox (lo cual podría decirse que era mejor, ya que la flaca no acierta una), pero su reemplazo dejó mucho que desear. Es solo una cara bonita y cuerpo agraciado que simplemente buscaba llamar la atención del público varonil y fijar más su atención en lo físico que en su habilidad para la interpretación.

Esta vez  Bay no utilizó actores que malogren su reparto. No puso escenas que en vez de añadirle historia al relato, descompongan la coherencia y muestren que no sabe como armar una historia.

Sam y Carly escapando del peligro.

Si bien es cierto que mata autobots como si fueran cualquier personaje secundario, esta vez como que no se le fue la mano con la aparición de algún transformer casi inventado (como en la 2, en donde deformó la historia que yo conocía).

En esta tercera pelicula, vemos que los decepticons ya no hacen de las suyas, pero cuando hay mucho silencio es porque algo maligno se planea. Es así como de a pocos, los autobots y su amigo humano Sam (Shia Labeouf) descubren que los decepticons están planeando hacerse del "arca", un objeto capaz de terminar con la guerra en Cybertron. Para esto, los decepticons lo desean para otros fines, asesinando a los astronautas que pisaron la luna en el 69, ya que son los únicos que quizá sepan de sus malignos planes (vean la película para que se den cuenta).

No me gustó. Me entretuvo pero no me llegó a gustar. Pese al intento de Michael Bay por crear una historia más parada y con cierta llegada (tuvo entre su rol de actores a John Malkovich y Frances McDormand), no me convenció en lo que quiso decir. 

No la vi en 3D y fácil me perdí de algo (me dicen que es entretenida verla en ese formato). Pero bueno, no se puede esperar mucho de Michael Bay.

Puntaje: 4.5 puntos.

THE OTHER BOLEYN GIRL (2008)

Dirigida por Justin Chadwick.

Del tipo de películas que se denominan "históricas" siempre hay un halo de controversia a su alrededor. Esto es debido a que muchas veces no siguen al pie de la letra lo que los libros de Historia Universal dicen en sus páginas, omitiendo muchas situaciones que ponen en tela de juicio la calidad de la película. A veces en el armado del guión, ajustan de tal forma la historia que deben entreverar ciertas biografías, para que le convenga a la trama y genere cierto interés. Muchas veces estos artilugios terminan por asesinar el relato, convirtiendo a la película en un blanco fácil de críticas y juzgamientos.

Ana Bolena, la primera en coquetear con el rey.

La historia se centra en lo ocurrido en la Inglaterra del siglo XVI, en donde dos hermanas mantuvieron una disputa por conseguir el amor del rey Enrique VIII de Inglaterra.

Ana y Maria Bolena eran dos guapas hermanas que encandilaron al rey. La primera en hacerlo fue Ana, a pedido expreso de su padre, quien quería a toda forma que una de sus hijas conquiste al rey, para así poderle dar un hijo que con tanto ahínco Enrique buscaba pero que su esposa, la reina Catalina de Aragón, no le podía dar.

Ana (Natalie Portman) poco pudo hacer para enamorarlo ya que el rey se fijo en la inocencia y ternura de María, a quien decidió llevarla a su castillo para contraer nupcias.

Ana y María Bolena.

Lo que vino después ya fue una historia llena de ambición y mentiras, en donde las hermanas retaban al destino y sorteaban a su suerte el amor del rey.

La historia no concuerda mucho con la realidad en varios aspectos, a tal punto que fue criticada por esa falta de tino para adaptarla al cine.

Otra de las críticas, más que nada en Inglaterra, fue para el reparto de los roles principales, ya que fueron dos norteamericanas (Portman y Johansson) y un australiano (Eric Bana) los que obtuvieron los papeles protagónicos, desatando la furia del público inglés quienes preferían a una actriz británica ante todo.

Lo rescatable es la puesta en escena de la historia, en donde se ambientó todo a la perfección, como toda película de época, en donde el vestuario, maquillaje y ambientación suelen ser lo mejorcito de este tipo de films.

Las hermanas Bolena han pasado a la historia por robarse el amor de Enrique VI, pero tuvieron más que una complicación al respecto con la corona inglesa. En esta película se conoce algo de esa parte de la Historia inglesa y algo sobre la moralidad de las personas, que a veces priorizan más sus interés personal y la ambición, por sobre sentimientos y afectos, llegando a destrozarse a sí mismos.

Puntaje: 5 puntos.

CLASH OF THE TITANS (2010)

Dirigida por Louis Leterrier.

Me dijeron en aquel entonces que esta película, remake de la clásica del año 1981, sería estrenada en 3D y que el espectáculo sería garantizado. Lo que no me dijeron es la tremenda estafa que se llevaría el público por la casi nula presencia del 3D en gran parte de la cinta. Ese es el error de muchas producciones, que por llenar con más dinero sus arcas deciden utilizar la técnica del 3D más con un efecto de post producción que realizar la filmación con dichas cámaras (le sale más a cuenta la primera opción). Entonces es como que si no se notara gran diferencia en la película en sí, ya que el 3D solo fue puesto como un efecto más de la post. Películas como "Avatar" o "Hugo" sí fueron filmadas en tercera dimensión y se nota de gran manera su buen uso y su espectacularidad.

Hades no cree en nadie.

Partiendo desde ese punto, "Furia de Titanes" es una de las películas que peor ha usado el 3D, lo cual implica que uno que pagó más por verla, se sienta medio estafado. 

La historia es repetitiva. Toca los mismos puntos que la pela original del 81, solo que a mi opinión, la clásica tiene más valor y está mejor hecha en varios aspectos.

La historia era vendida como un espectáculo épico que mostraba la guerra de dioses y mortales. Los mortales al mando de Perseo, quien no le perdonaba a los dioses el hecho de que ellos hayan asesinado a su familia. La divinidad de Zeus y compañía era juzgada por los humanos, quienes los veían como seres injustos y autoritarios. 

Perseo tendrá que luchar contra los secuaces de su
padre Zeus.

La historia gira en torno a la vida de Perseo, quien es hijo de Zeus y una mortal, lo cual significa que es un "semi-dios". A raíz de esto, Acrisio, esposo de la madre de Perseo, se entera de este hecho y asesina a su mujer, encerrando el cadáver junto al bebé recién nacido, en un baúl que es arrojado en el océano. 

Perseo es encontrado por una familia de pescadores, quienes lo adoptan y crían hasta que ya pasado varios años, Hades asesina sin piedad a la familia y se dispone a tomar acciones contra todo aquel mortal que desafíe a los dioses, amenazando la vida de la princesa andrómeda, quien deberá ser sacrificada o sino el Cracken destruirá la ciudad.

Es así como muchos rasgos de la mitología griega van tomando forman, de una manera tosca e incoherente, pero que intenta ser entendible. Perseo junto a un grupo de soldados, decide ir a enfrentarse a los dioses y sus secuaces para terminar de una vez por todas con su tiranía.

"Furia de Titanes" no cumple con el entretenimiento ofrecido y se queda estancada en una película que muestra mucho pero no satisface en casi nada. A mí no me dejó buen sabor de boca y no la considero una digna representante de aquel cine épico.

Puntaje: 4 puntos.

MAN ON WIRE (2008)

Dirigida por James Marsh.

Hay personas osadas en este mundo. A quien se le puede ocurrir la idea de poner una cuerda entre las desaparecidas torres gemelas de New York y cruzar sobre ella, haciendo acrobacias durante la caminata. A quién? A Philippe Petit, un francés quien ya había repetido estas osadas acrobacias en otros lugares del mundo, como la catedral de Nortre Dame.

El francés desafiando las alturas.

En este documental ganador del Oscar, Sundance, BAFTA y otros galardones, nos  muestra la historia de este francés, quien cruzó la cima de las Torres Gemelas, de un extremo a otro utilizando una cuerda como base. Él es un experimentado acróbata y mimo, quien anteriormente a este hecho, se atrevió a realizar otro tipo de acrobacias en construcciones de diversas partes del mundo. En el documental vemos como es que nació la idea de hacer esta hazaña, así como la preparación y complicaciones que tuvo para llegar a lograr su anhelo. 

Los hechos ocurridos el año 1974 son contados por los protagonistas y periodistas de la época, en donde se muestra, con documentación de la época, el momento vivido por Philippe.

El público no comprendía lo que sucedía en la cima de una
de las torres gemelas. 

Es increíble ver lo que hace el europeo sobre la cuerda, cuando cruza de una torre a otra, ya que no solo es la idea de cruzar y nada más, sino que también realiza maniobras peligrosas y acrobacias que cualquiera pensaría que está realmente loco (pone en peligro su vida).

Vemos también que la hazaña tuvo que ser previamente planificada, por las prohibiciones de la época, que no permitía la realización de este tipo de cosas (creo que hasta ahora en muchos lugares del mundo se prohíbe aún), ocasionando que Philippe y sus compinches se camuflaran como sea para llegar a la cima de una de las torres.

También se ve la reacción del público que caminaba por Wall Street en esos instantes, notándose que desde abajo solo se veía una pequeña mancha que cruzaba de una torre a otra.

"Man on wire" es un documental que yo lo etiquetaría como histórico, debido a la alocada hazaña de su protagonista y a toda la preparación que tuvo para realizarla. Aparte que dichas torres ya no existen y el documental es el recuerdo (también) de dos edificaciones que en su momento fueron imponentes.

Puntaje: 7 puntos.

PROMETHEUS (2012)

Dirigida por Ridley Scott.

He leído muchos comentarios sobre esta película que ya lindan con lo tonto. El pensar que existiera la ilusión de que la criatura alienígena apareciera en alguna escena, es realmente tonto, porque Scott dijo que esta no sería una precuela de "Alien" ni tendría mucho que ver con la misma. Es cierto que el universo de dicha historia está presente en varios pasajes de la película, pero vamos... no mezclemos. Si no tiene una relación directa con "Prometheus", no podemos criticarla diciendo que desilusiona porque nada que ver. Es realmente zafado de los pelos.

Elizabeth Shaw en su nave exploradora.

Entonces, si desligamos un tema del otro, tenemos una película aceptable para el género, que devuelve nuevamente a ese director que brindó una de mejores películas de ciencia ficción (hablo de "Alien"), y que esta vez se amparó en aquel mismo universo, para ofrecer una historia que tenga que ver con los misterios ocultos que existen en el espacio, cuando a una nave espacial que permanece inmóvil en el universo, le ocurre un hecho que modificará su rutina.

Contar más sobre la película es joder en algo la expectativa que existe sobre ella. 

Como dije antes, Scott ya había dicho que "Prometheus" no sería ni precuela ni secuela con "Alien", ni tener un parentesco directo siquiera. Quizá sería algo así como un primo lejano, pero se tendría que desligar algún tipo de relación que se guarde con la película del año 1978.

La tripulación buscando respuestas.

El alboroto que ocasionó que el creador de "Alien" regrese de nuevo a la ciencia ficción, ocasionó que se tejieran muchas versiones del contenido real de "Prometheus", todas meras hipótesis que lo único que ocasionaron es que varios vayan al cine con la esperanza de ver al alien que todos conocemos, matando a humanos a diestra y siniestra.

Algunas preguntas que dejó toda esa saga de "Alien" fueron respondidas. Otras no. Quizá las que no fueron respondidas significaron la desilusión de algunos ilusos seguidores, que prefirieron no fijarse en esta nueva trama (que ya tiene en un 50% su segunda parte) y simplemente valorarla de acuerdo a su similitud con la anterior obra del director.

Valgan verdades, lejos de toda crítica apresurada y sin bases sólidas, "Prometheus" es un buen retorno al género que tanta fama le dio. Una historia con un argumento bien contado y unas actuaciones destacables, que quizá tuvo alguno que otro bajón de ritmo, pero en una forma total me convenció.

Puntaje: 7.5 puntos.

DEVIL (2010)

Dirigida por John Erick Dowdle.

Esta película tiene tanto de M. Night Shyamalan, que debería poner que es dirigida por él, pero la realidad es que solo se encargo de escribir la historia. Quizá le hubiera venido bien dirigirla, como para lavarse la imagen de los últimos desastres cinematográficos que ha tenido y que le han valido la lluvia de criticas a su trabajo, que comenzó como prometedor y que ahora está abatido por las críticas. Lo cierto es que es el director indio tiene varias historias que serán llevadas al cine por la productora "Las crónicas de Night", quienes fueron los encargados de darle vida a "Devil", una de las tantas historias que trata sobre fenómenos sobrenaturales asociados a lo que sucede en sociedad urbana moderna.

Cinco personas en un ascensor , una de ellas
es el diablo.

La mayor parte de la historia ocurre dentro de un ascensor, en donde cinco personas han quedado encerradas, desconociendo que uno de ellos guarda una identidad secreta que es maligna. El eje de la trama gira en torno a saber quien de los cinco es el ser maligno, que conforme va pasando el tiempo de encierro, van descubriendo que puede ser el Diablo.

Cada uno de los implicados tiene un historial poco agraciado, ya que presentan problemas de estafa, robo, violencia y fraude. Solo uno de ellos no presenta este tipo de pasado turbio, lo cual implicará que sea el principal sospechoso de los siniestros hechos que ocurran dentro del ascensor.

Cada uno luchará por sobrevivir encerrados
en el ascensor.

La historia es interesante, porque de a pocos te va metiendo dentro del suspenso psicológico que significa el hecho de observar a 5 personas en un ascensor y ver como de a pocos, una a una va siendo asesinada por un ente desconocido. Los detectives implicados en el caso, de a pocos van descubriendo las pistas que la cámara de video del ascensor les da, descubriendo con horror que posiblemente se trata de un ente demoníaco el que está ocasionando aquellos hechos extraños.

"Devil" tiene todo el aire de suspenso que Shyamalan le dio a historias como "El sexto sentido" o "Señales", pero al parecer decidió cederle los créditos a otro director. La buena recepción que tuvo en la taquilla y el discreto calificativo por parte de la crítica, ha logrado que Shyamalan tome más en serio este tipo de relatos, ya que se encuentran en la grabación de una nueva historia, mientras el director indio sigue en sus proyectos personales.

"Devil" es una película que a más de uno le hará pensar dos veces si subirse o no a un ascensor.

Pd.- Fue conocida por estos lares como "Reunión del diablo", que dista mucho de lo que en realidad es la película. Para variar las distribuidoras ponen el título que menos coherencia tenga con el concepto de la historia.

Puntaje: 6 puntos.

AMARCORD (1973)

Dirigida por Federico Fellini.

Cuando sueñas recuerdos o alguna nostalgia del pasado, el orden no necesariamente tiene que seguir un parámetro, porque no puedes dirigir tu sueño. Son imágenes que el cerebro coloca y que se van sucediendo paulatinamente. Suele pasar que estás soñando que te encuentras en el salón de clase del colegio, para aparecer luego en una fiesta de año nuevo ya de joven, y cosas así que se van sucediendo sin ningún tipo de coherencia. Quisiera creer que Fellini mas o menos se adecuó a esa situación para llevar a cabo esta película, que traducida a nuestra idioma significa: "Yo recuerdo".

En una época fascista se ambienta la historia.

Y es que en "Amarcord" vemos la vida de un pueblo italiano sumergido en el fascismo que vivió Italia allá por los años 30s. La forma en como Fellini muestra la película es como si esbozara varios recuerdos y los pusiera en la palestra como simples anécdotas, que articuladas entre sí tienen cierta congruencia.

Siempre fiel a su estilo, se da maña para criticar sutilmente ciertas cosas de las que siempre estuvo en desacuerdo, como la iglesia, el régimen, la pedantería y a la educación, en escenas en donde se nota claramente su total crítica.

Película plagada de pequeñas historias.

Quizá pueda olerse a compleja y experimental (por el trailer sobretodo), pero yo la asoció más con la comedia burlesca que en ese entonces se practicaba en Italia y algunas partes de Europa. Y es que Fellini se ríe de los defectos de cada poblador, de las situaciones que se viven en la comunidad, aprovechándose de eso para ironizar acerca de temas que siempre se encuentra en su cine, como el sexo, la música y la poesía. En "Amarcord" se siente el tufillo de una nostalgia, como si el director estuviera describiendo ciertos pasajes de su niñez o adolescencia, colocando cada recuerdo de su cabeza en las escenas que presenta.

"Amarcord" es una película plagada de anécdotas y escenas inolvidables, que si bien es cierto guarda cierto orden (para no ser tan compleja), no toca un tema central. Mas bien lo veo así como "anécdotas de un pueblo", que se van soltando de a pocos para armar una buena historia.

Puntaje: 7 puntos.

GIRL, INTERRUPTED (1999)

Dirigida por James Mangold.

A veces el mundo se pone tan en contra de aquellos que intentan vivir a su manera, en libertad y sin prejuicios, que intentan callarlos de alguna manera. Encerrarlos en paredes en donde no puedan ser escuchados y en donde su desenvolvimiento no interese a nadie. O sino, tratar de que a una persona "diferente", se lo excluya sin ninguna razón de una sociedad que no permite algún tipo de "anormalidades" (por llamarlo de alguna manera). 

Susanna y un nuevo mundo por conocer.

Susana es una chica que precisamente es encerrada en una especie de reformatorio, a causa de que le detectan una alteración en su personalidad, en donde todo lo percibe de otra manera, haciendo que atenta contra su vida en algunas ocasiones. En este centro de rehabilitación conocerá a otras chicas que también están como prisionera, a quienes les suministran drogas con la intención de tranquilizarlas o volverlas más locas (no se sabe bien, porque muchas de ellas no se las toman). En este nuevo mundo que conoce, Susana iniciará amistad con Lisa, una de las más rebeldes de aquel grupo, de quien aprenderá muchas cosas. Lo más raro es que se nota que Susana es la más cuerda de todo el grupo de chicas del lugar.

La rebelde del grupo: Lisa.

La búsqueda de su verdadero yo será el factor principal para que Susana se inserte de nuevo a la sociedad, solo que esta búsqueda tranquilamente la pudo haber hecho en casa y no ser recluida en un loquero.
Susana se va dando cuenta que sus nuevas amigas no son tan locas como el mundo imagina, sino que son algo incomprendidas y carecen de afecto. Ella intentará comprenderlas y seguirlas en cada travesura o aventura que se planteen, así como ayudarlas a que no sean extremistas, sobretodo Lisa, quien siempre tiene la actitud rebelde de no seguir las reglas. Es justamente de ella quien Susanna se llevará las más duras enseñanzas, comprendiendo que a veces el remedio psiquiátrico es la peor solución de todas (internar a una chica con problemas).


Angelina Jolie recibió el Oscar como mejor actriz de reparto por el papel de Lisa, lo cual hizo que su carrera tuviera el ascenso que tanto necesitaba para consolidarse en Hollywood, éxito que ahora todos conocemos.


Puntaje: 6.5 puntos.

IN THE NAME OF THE FATHER (1993)

Dirigida por Jim Sheridan.

Muchas veces son los padres los que suplantan a nuestra alocada mentalidad. Ellos saben quienes somos, como nos comportamos y qué pensamos, porque por algo somos sus hijos, la sangre de su sangre. Heredamos hasta el comportamiento (en ciertos aspectos) y repetimos errores que ellos en su juventud cometieron. Así que tienen la brillante función de velar por nuestros actos y aconsejarnos que está bien y qué está mal. 

Este trabajo del director irlandés Jim Sheridan es para valorar en varios aspectos, ya que la actuación de Pete Postlethwaite no pasa de ser un simple rol secundario (todo el protagonismo se lo lleva el genial Daniel Day-Lewis). La importancia del trabajo de Pete radica en que su presencia se siente en casi toda la película, como el padre que enseña al hijo a no cometer las burradas que el cometió y a que la violencia no lleva a nada.

Gerry y su viejo, conociéndolo mejor.

La historia nos lleva a la Irlanda de  de los 70s, convulsionada por los ataques terroristas del IRA, una agrupación que estaba en contra de la unificación de Irlanda y a que ésta pertenezca al reino británico. Así como se ambienta la película, tenemos el caso de la familia Conlon, en donde Gerry es un joven palomilla y movedizo que es acusado injustamente (junto a su grupo de amigos) de un ataque terrorista en donde murieron varias personas. Acusados y encarcelados, tendrán que pasar gran parte de sus vidas en la cárcel. Junto a ellos, sus familiares también corrieron el mismo camino. Es así como Gerry encuentra a su padre Giuseppe en el mismo reclusorio, en donde convivirán junto a otros presidiarios durante 15 años.

Gerry luchará por recobrar su libertad.

La historia de padre e hijo siempre nos hace ver que es una relación delicada. Los hijos tenemos mayor afinidad con las madres y vemos al padre, como aquel ser lejano y gruñón. Gerry tenía una complicada relación con su viejo, ya que su manera de ser tan callejera y barrial contrastaba con la educada y cortes manera de vivir de su papá. 

En la cárcel, aquella imagen delicada que Gerry tenía de su padre, será cambiada por completo. Verá en él al hombre fuerte y tenaz que jamás se dejará vencer por la adversidad. Gerry sentirá que la injusticia cometida es más para su padre que para él, haciendo lo imposible para recuperar su libertad y que el mundo sepa de la injusticia que se cometió.

La búsqueda de la libertad quedará de lado, ya que lo que le importará más es lavar la imagen de su padre y que sepan el gran hombre que fue. Una historia que conmoverá a más de uno, sobretodo de aquellos que ven a un padre como un ídolo y un ejemplo a seguir.

Lamenté mucho la partida de Pete Postlethwaite el 3 de enero del año pasado (2011), ya que habían pasado días desde que vi esta película. Su muerte me jodió un poco tras la actuación que tuvo en la cinta. 

Puntaje: 8 puntos.

KRAMER VS. KRAMER (1979)

Dirigida por Robert Benton.

Siempre se dice que el hombre es el malo de la historia cuando se trata de separaciones de pareja, ya que es el menos indicado para criar a un hijo o brindarle aquel amor que la madre da. Pero se han visto muchos casos en donde, por diferentes motivos, es el papá el que tiene que hacer la labor de padre/madre para poder cuidar y criar a un hijo, haciendo cosas imposibles que uno quizá imagine imposibles para un hombre, ya que ciertos quehaceres del hogar ya son estereotipados para ser exclusivamente de la mujer. 

Ted desayunando con su hijo.

El tema del divorcio es delicado. En la actualidad es muy fácil encontrar parejas que viven este tipo de historias, ya sea porque se apresuraron en casarse o porque tuvieron un hijo a muy temprana edad. Por lo general, son las parejas jóvenes quienes tienden a divorciarse luego de un par de años de casados, siendo el hijo (o hijos) el(los) que paguen el pato al final, ya que el tema de los divorcios son muy complicados, debido a las consecuencias que dejan en el hogar recién formado o con varios años de formación. En "Kramer vs. Kramer" nos encontramos con este ambiente, en donde Joanna abandona el hogar constituido por ella, su esposo Ted y su pequeño hijo. La causa es que Ted antepone el trabajo a la familia, haciendo insoportable la relación de pareja y teniendo menos tiempo para el hogar. Es así como ella los abandona, dejando toda la responsabilidad de la crianza a Ted.

Ted tendrá que dedicarse más a su hijo.

Es así como veremos una historia en donde Ted tendrá que alterar por completo la vida que tenía, para darle mayor importancia a su hijo, quien no tiene la culpa de que sus padres estén a un paso de la separación definitiva. Esta convivencia hará que Ted se acerque más a su hijo y tenga la doble labor de crianza, cocinándole, llevándolo al colegio, asistirlo cuando se enferme, jugar con él, pasear y demás cosas que en la realidad, lo debía hacer de forma compartida con su esposa Joanne.

La labor del padre se resalta de sobremanera, debido a que no solo es educar a un hijo, sino también el hecho de trabajar y romperse el lomo para que nada le falte y para que la sonrisa no se vaya de su rostro. En ese sentido, la película sí tiene el drama que se esperaba, aunque a veces tenga esa cuota de humor que significa ver a un hombre acostumbrado a las labores de oficina, tener que hacer de ama de casa, llegando al climax cuando la mamá retorna solo con el afán de obtener la custodia de su hijo.

"Kramer vs. Kramer" logró cautivar a crítica y público, tocando un tema que no es tan alejado de la realidad, logrando alcanzar el Óscar a Mejor película, y teniendo a Dustin Hoffman y Meryl Streep como ganadores en las categorías de Mejor actor y Mejor actriz de reparto.

Hoy en el día del Padre, que mejor manera de contemplar el sacrificio de un papá, quienes muchas veces son los héroes de nuestras vidas.

Puntaje: 7.5 puntos.

UN CUENTO CHINO (2011)

Dirigida por Sebastián Borensztein.

Me dijeron muchas cosas antes de ver esta película. Que era la peor película en donde Darín ha actuado en los últimos años, que era demasiado graciosa, que no tenía mucho sentido la trama o de que la historia es de la puta madre. Entre gente que sabe de cine, que le gusta Darín, que ve cine trivial o que simplemente admira al cine argentino. Había de todo para todos los gustos. Pese a todo tipo de huevadas que me dijeron sobre "Un cuento chino", tenía la intención de formar un criterio propio y dejar de lado a terceros para solamente concentrarme en este film que fue etiquetado como comedia y en donde Darín estaba, que ya de por sí era un gancho comercial.

Jun y Roberto en el consulado chino.

La historia se centra en lo absurdo de las cosas que suceden en la vida. Lo increíble que puede ser el hecho los vuelcos de la vida, con sus cosas tan extrañas y tan sin sentido. En todo ese contexto está inmerso el personaje principal que interpreta el gran actor que es Ricardo Darín: Roberto. Él es el que lleva todo el peso de la historia sobre sus hombros, lo cual no parece joderle tanto porque cada vez que se mete en un personaje, lo hace de tal forma que uno cree que él es así en la vida real. Roberto es un hombre que tiene su vida parametrada. La rutina ya es un ejercicio habitual en su vida, la cual la convierte en previsora y casi aburrida. Vive en soledad, en la casa que alguna vez fue de sus padres.

El simbolismo de la vaca.

Es en esa vida tan robótica que tiene, en donde aparece en su vida un chino llamado Jun.

A decir verdad, la película inicia con este chino, quien navegaba con su novia en algún lago de su lejano Pekín, hasta que de repente una vaca les cayó del cielo, matando a la novia.

Es así como Jun decide viajar a la Argentina, en donde ni bien baja del avión es asaltado por un taxista, quien lo arroja en plena carretera, en donde se encuentra con Roberto quien tendrá que (pese a que no quiere) darle cobijo en su casa e iniciar una convivencia que le cambiará la vida a ambos.

"Un cuento chino" tiene una razón de ser que de a pocos se va desarrollando a lo largo de la historia, pero que guarda ciertas cosas que la limitan a seguir creciendo como película. Lo de Darín me gustó demasiado, quedándole muy bien el papel de hombre renegón que al parecer domina bien (que manera de decir  a cada rato "la puta que me parió).

No será lo mejor que ha brindado Darín, pero la película como comedia, rinde de buena manera y entretiene hasta cierto punto, siendo lo mejor de todo su explicación y su final, que me hizo recordar tanto a "Entre Copas".

Puntaje: 7.5 puntos.

MENTIRAS Y GORDAS (2009)

Dirigida por Alfonso Albacete.

Si Estados Unidos tiene sus películas dirigidas para jóvenes, sobre temas juveniles (como "Project X"), Europa también tiene este tipo de cine, dependiendo de que país se hable. En España hay las suyas que siempre están asociadas a la ingesta abusiva de toda clase de drogas, así como el sexo precoz o las juergas en Ibiza o Barcelona. Mención aparte merece que esta película haya sido cambiada de nombre cuando llegó al Perú (no entiendo por qué), alterando bastante el significado de su título con respecto a lo que hacía mención la cinta.

Alcohol, drogas y mucha fiesta.

La película deja mucho que desear porque se destaca el mundo nocturno de fiesta, alcohol y drogas, teniendo al sexo como aperitivo constante en cada momento. Una historia de jóvenes que viven al límite su vida nocturna (Lima es un nido de infantes al lado de tal exceso).

No hay algo que destacar porque se muestra mucha trivialidad. Solo se ve juerga tras juerga, los consumos de diferente tipo de drogas (cocaina, pastillas, marihuana), el problema de los jóvenes con los prejuicios de su propio entorno, como el homosexualismo, la gordura o si eres de no ser tan tonero (por ende, ser llamado el idiota del grupo).

Dentro de esto destaco el significado del título, que tiene que ver con las mentiras en que viven envueltos varios jóvenes, pensando que con ser excesivos y tan materialistas se vive de manera feliz y tranquila.

La importancia del aspecto exterior prima en esta
historia.

El amor es sufrimiento para ellos, ya que más puede el sexo casual que el hecho de intentar establecer una relación o siquiera que nazca algún tipo de sentimiento hacia otra persona. Por ese punto, me atrevo a decir que la película si intenta seguir un camino para explicarnos que los jóvenes prefieren vivir una mentira a estar conscientes de la jodida realidad que pueden afrontar. He ahí el hecho de que consuman drogas cada noche de juerga, para intentar recrear un mundo en el cual sienten que no cuajan y al cual detestan de cierta manera.

En "Mentiras y Gordas" se puede apreciar a un joven Mario Casas, quien hoy en día es la estrella del momento en España (y quizá en Europa), debido a la película "3 metros sobre el cielo" y a su posterior secuela, pronto a estrenarse, "Tengo ganas de tí", lo que ha generado que su popularidad se incremente, logrando que tenga muchas apariciones en la pantalla grande en los últimos dos años.

"Mentiras y gordas" es una especie de clip resumen de lo que es en la actualidad la juventud española. Quizá se exagere en algunas cosas, pero no es la primera vez que veo algo así en el cine español. Como si fuera ya algo que se observa mucho en la realidad e intenta ser plasmado en el cine.

Puntaje: 5 puntos.

BOM YEOREUM GAEUL GYEOUL GEURIGO BOM (2003)

Dirigido por Kim Ki-duk

Esta película coreana es un hermoso cuento. Es la forma como un director se puede convertir en artista y mostrarnos en 4 fases, las etapas más resaltantes de una vida, desde que se es pequeño, cuando sucede la adolescencia, el proceso de la adultez y la vejez inminente. 

El título señala cuatro estaciones, que reflejan la forma como se va desarrollando la vida en sí. El proceso de madurez y crecimiento tiene que ver mucho en esta película, en donde cada estación simboliza cada etapa de la vida de un niño aprendiz, quien al lado de su maestro va aprendiendo a crecer y ver el mundo con otros ojos.

La casa en medio del lago.

Ambientado en un lago coreano (rodeado de montañas), un monje y su aprendiz conviven en el medio del lago, en una especie de casa flotante, en donde viven en medio de la tranquilidad y armonía que la naturaleza les brinda. Es en esa pacífica zona en donde el monje le va enseñando a como relacionarse con su entorno, poniendo en práctica el estilo de vida budista que tan fielmente sigue.

La "primavera" es el inicio de todo. El florecer de una nueva vida, en este caso el niño, quien recién explora al mundo como tal, al cual debe respetar y saber valorar. La inocencia que emanan sus acciones, son corregidas por el maestro budista quien guía al niño a seguir un sendero de paz con la naturaleza.

La segunda etapa, "verano", explora la adolescencia y sus cambios. El niño ha crecido y debe saber como controlar sus emociones, curiosidades e impulsos cuando una chica llega al lugar para curarse de una enfermedad. El verano simboliza el calor que es propio de una edad en donde se toman decisiones apresuradas.

Una de las enseñanzas del monje budista.

El "otoño" explora la etapa en donde confrontamos al mundo como tal, plagado de edificios y calles, de miserias y pobrezas, de mentiras y traiciones. El chico regresa al lago, luego de conocer el mundo (la ciudad) y caer envuelto en cosas que desconocía, siendo absorbido por la mala acción y la maldad.

El otoño refleja una etapa en donde se tiene que confrontar con muchas responsabilidades que a veces suelen acabar con uno.

Luego de un buen tiempo, el chico ya es todo un adulto. El "invierno" es la etapa en donde se madura el carácter y se sigue un camino ya sin vuelta atrás ni giros inesperados. 

Como todo proceso cíclico, la primavera llega con nuevos aires y un nuevo despertar, mostrando la historia toda una etapa de vida que quizá nos recuerde errores del pasado, fricciones del presente y sueños del futuro.

Una hermosa historia plagada de metáforas y simbolismos que son fácilmente perceptibles, sin caer en complejismos ni escenas que aturdan a uno.

Un cuento para que uno examine una vida.

Puntaje: 10 puntos.

CITIZEN KANE (1941)

Dirigida por Orson Welles.

Mucha gente me había dicho: "No has visto "Ciudadano Kane? Y así dices que te  gusta el cine?"  Pues bien, tenía una deuda conmigo mismo al no haberle dado importancia a esta película que es considerada, por muchos críticos y espectadores, como la mejor de la toda la historia. Me causaba cierta curiosidad ese manera como la endiosaban y como es que la primera película de un director (su ópera prima) pudo haber sido tan perfecta. Me quedaba la duda de que tal vez la sobrevaloraban demasiado. 

Hace unos meses la vi por primera vez y puedo asegurar que si alguien está interesado en el cine o en cualquier tipo de materia audiovisual, tiene que haber visto esta película, porque enseña demasiado y es sencillamente genial.

Kane buscó ser presidente de los Estados Unidos.

Lejos de la trama, la película cuenta con una magnífica puesta en escena, en donde Orson Welles contó con actores que nunca habían tenido experiencia en cine, ni en actuación (eso lo leí), con lo que podría decirse que la gran labor del director se ve en eso, en la forma como supo manejar ese inconveniente y sacar adelante una historia que hasta hoy no pierde vigencia.

La trama no es tan complicada de seguir. Un hombre como Charles Foster Kane que antes de morir pronuncia la palabra "Rosebud", dejándola como interrogante para aquellos quienes estuvieron a su lado en su lecho de muerte. Un periodista decide investigar sobre la vida de Kane y dar con el origen y significado de aquella palabra que tanta curiosidad ha causado en sus allegados.

La imágenes que emplea Welles a lo largo de la película son casi poéticas, con metáforas visuales que enlazan diferentes espacios temporales. La manera como se unen para explicar cada etapa de vida de Kane y como nos muestra el sufrimiento que éste tuvo cuando era niño, son impecables.

Kane siempre guardaba sus penas para él mismo.

También destaco el buen uso de los planes secuencia, en donde la cámara se desplaza de un ambiente a otro, haciendo que la escena gane un ritmo preciso que acompañe a la historia, sin hacer que esta caiga o tenga algún desnivel.

Tocando el tema de la historia en sí, la forma como se va tocando cada momento vivido por Kane a lo largo de su vida, nos va explicando la razón del porque un personaje que lo tuvo todo, en cuestión de dinero y poder, murió de una forma tan solitaria. El guión en todo momento es coherente y cuadra con cada imagen metafórica que Welles suelta en alguna que otra escena.

Las actuaciones pese a que son, en algunos casos, amateurs, no denotan desequilibrio, lo que también resalta la labor del director, porque nos vemos una diferencia abismal entre actores que ya tienen experiencia, de otros que recién inician.

"Ciudadano Kane" es un ejemplo de como se debe hacer cine. Un director que recién empezaba, que recién hacía su primer trabajo en cine, daba cátedra de como es que se debe presentar una película. Una historia que órbita alrededor de una sola palabra: "rosebud", la cual no será descubierta sino hasta el último segundo, dejando al espectador expectante de saber cuál es su significado.

Puntaje: 9.5 puntos.